¿POR DONDE EMPIEZO?

martes, noviembre 09, 2010

La Noche más Oscura: Relatos

La noche más oscura ya está aquí y ni siquiera los héroes místicos son inmunes a los planes de Nekron, el señor de los no vivos. Y es que, mientras investigaban la desaparición del cadáver de Deadman, el Espectro, el más poderoso de todos ellos, se ha convertido en un Black Lantern que está obsesionado con Hal Jordan, el que antaño fuera su huésped mortal. Por su parte, el héroe conocido como Átomo se ha unido temporalmente a la Tribu Índigo para ayudar a contener a los zombis que recorren la Tierra.

No hemos hablado por aquí previamente de La Noche más Oscura. Hacerlo implicaría hablar de Green Lantern (y Green Lantern Corps), posiblemente la mejor serie (o series) de superhéroes que se puede leer a día de hoy.

Y si una serie que lleva en danza unos pocos de años dejando caer miguitas de pan para llegar a el colofón final que implica esta Noche más Oscura tiene esa calidad, es de suponer que el cierre de etapa estará a la altura de las expectativas. Lo está, tranquilos. Por eso, más allá de animar a todo el mundo a hacerse con todo lo publicado sobre el Cuerpo de Green Lanterns desde Green Lantern: Renacimiento poco más diremos. Nos centraremos en este "relatos" que tenemos entre manos.

Y es que parece ser que como todo gran evento, el que nos ocupa no iba a pasar sin sus cruces con las series más punteras de la editorial. Y lo que viene más al caso, sus números especiales fuera de la colección principal. Por lo que además, de una miniserie titulada en USA: Blackest Night: Tales of the Corps que narra en capítulos de pocas páginas los orígenes de multitud de secundarios que han pasado por las páginas de los tebeos esmeraldas en los ultimos años enriqueciendo así una trama ya de por sí bien montada; podemos encontrar además, nueve números únicos que retoman la numeración de colecciones ya canceladas hace tiempo. Aquí podemos encontrar un punto negativo para este Relatos. En su interior encontramos sólo dos de estos nueve "one-shots" (Atom and Hawkman 46 y Phantom Stranger 42)y cinco historias de la miniserie Tales of the Corps (el resto se incluirán en números de Green Lantern como complemento), cuando lo más interesante habría sido publicar dos tomos (de esos que tanto gustan en España): uno con los 9 especiales y otro con la miniserie.

Decisiones editoriales aparte, cada historia es de su padre y de su madre. Bueno, realmente esto ocurre en los números dedicados al Átomo (bastante importante en su papel relacionado con La Noche más Oscura) y al Fantasma Errante (no tanto por la implicación del Fantasma como por las posibles repercusiones para Deadman en la futura Brightest Day). En el caso de los relatos, todos son o de Geoff Johns o de Peter Tomasi (y cada uno lleva una de las dos colecciones de los Lanterns) así que la calidad narrativa está asegurara. Y podemos decir que hay algunas muy interesantes.

En definitiva, un número de complemento, recomendado para los seguidores de La Noche más Oscura unicamente. Entretenido, aunque quizás hubiera sido más interesante publicarlo en otro formato.

viernes, noviembre 05, 2010

Blacksad: El infierno, el silencio

Nueva Orleans, la cuna del Jazz, se dispone a celebrar su carnaval. El color y la música invaden sus pintorescas calles durante el Mardi Gras. PEro la calurosa ciudad de Luisiana también tiene un lado oscuro. Inmerso en un sórdido ambiente de droga, vudú y bajas pasiones, nuestro detective tiene que encontrar al celebre pianista Sebastian "Little Hand" Fletcher antes del amanecer. La noche va a ser larga para Blacksad.

¿Cinco años ya? Como pasa el tiempo. Al menos eso es lo que pone en la contraportada del álbum. Cinco años desde que Alma Roja, la anterior entrega del detective Blacksad fuera publicada.

Quizás sea buen momento de hablar un poco de la serie en general, y es que pese a que dentro del mundo del lector de tebeos se trata de una serie muy conocida; raro es el lector ocasional que sabe de este gato detective. Causa de ello pueda ser, además de no pertenecer al género superhéroico (que dota a sus protagonistas de gran fama en forma de adaptaciones cinematográficas o televisivas) su distanciada periodicidad que le proporciona un menor tiempo en las estanterías de novedades de las grandes superficies. Centrandonos en este punto, para mi es una gran ventaja, ya que cada nueva entrega sale muchísimo más cuidada que en cualquier otra colección.

Siempre se ha comentado, aunque sea por lo bajini que la serie no puede permitirse alardear de un buen guión, cosa que lastra terriblemente al maravilloso dibujo resultando un conjunto altamente desigual. No quiero quitarles la razón a aquellos que realizan tales afirmaciones; pero si quiero constatar que si bien es cierto que no nos encontramos ante argumentos dignos de premios, si que resultan bastante "resultones" y cumplen perfectamente con su cometido. La verdad que en este caso concreto el trabajo de Díaz Canales no debe desmerecerse en exceso ya que plantea una trama interesante. Nada de sorpresas ni giros de guión enrevesados. Eso sí, intenta realizar un juego de flasbacks (la historia transcurre en una sola noche y todas las escenas que transcurren de día son de hechos pasados) que no termina de cuajar, confundiedo bastante al lector sobre cuál es el orden correcto de los acontecimientos.

Hablando del dibujo poco se puede decir al respecto. Mucho menos nada que sea negativo. Guarnido realiza una sucesión de auténticas obras de arte pictóricas. Sus animales antropomórficos son perfectamente creíbles y desbordan expresividad. (¡Qué narices, si hasta sus chicas son tremendamente sexys! Ando yo enamorado de cierta ardilla que...) Y eso si hablamos de los lápices. Si entramos ya en como sus acuarelas tratan el color... Desde aquí siempre hemos defendido que un buen guión ha de prevalecer sobre el dibujo, pero Blacksad es una serie que merece la pena comprar sólo por el apartado gráfico. Más que, como se dice, el guión lastra a la ilustración; en esta ocasión más bien diría que es el dibujo el que se encarga de ocultar las carencias de la narrativa.

De la edición al castellano de Norma Editorial tampoco podemos decir mucho. Mantienen el formato de las tres entregas anteriores. Tamaño albúm, cartoné. Aunque si no fallan mis neuronas creo que el precio ha subido de 12€ que costaban los anteriores, a 15€, cosas de la economía, imagino, después de 5 años. No se aprecian erratas de ningun tipo ni fallos de impresión (la verdad es que Norma mantiene algunos de los precios más caros del mercado, pero también es muy raro encontrar fallos en sus ediciones), así que desembolsar 15 euros cada 5 años por una obra cuidada no duele demasiado.

En definitiva debería ser una compra obligada para cualquier buen amante de la ilustración o el arte secuencial. Sin embargo, es cierto de que el guión no puede ser recomendado por todos por lo que muchos no se acercarán sólo por el dibujo. A pesar de ello, sigue tratándose de una obra muy recomendada.

miércoles, octubre 27, 2010

Sonic the Hedgehog 4: Episode I

¡Nuestro héroe legendario regresa! Con la Death Egg finalmente destruida, y Angel Island de vuelta en el cielo, Sonic decide que es tiempo de tomarse un respiro y comienza a explorar un nuevo territorio por su cuenta. Sin embargo, para desconocimiento de Sonic, Eggman también ha sobrevivido después de perder la Master Emerald durante su último encuentro. Eggman se reagrupa con un nuevo objetivo; ¡remodelar y perfeccionar sus mejores creaciones en un esfuerzo para derrotar a Sonic!. Armado con su inimitable velocidad, su habilidad Spin Dash y el poderoso Homing Attack, ¡Sonic está preparado para una aventura completamente nueva!

Al contrario que el fontanero de Nintendo, que con cada juego nuevo aumentaba su éxito; el erizo más rapido del mundo de los videojuegos a visto como su veloz carrera se encontraba con algunos baches de distinta consideración.

Después de alcanzar la gloria en las dos dimensiones con el soberbio Sonic 3 y su ampliación Sonic & Knukles vino un tiempo incierto en el que no se acaba de dar con la fórmula para continuar con las aventuras de Sonic. Con Sonic Adventure parecimos allar la luz al final del tunel, pero un cansino a la par que innecesario intento de innovar constantemente la franquicia provocó que de la enorme cantidad de títulos que siguieron, ninguno pasara del aprobado justo. Multitud de interesantes personajes iban apareciendo, dando posiblidades con mucho jugo para la trama. Sin embargo, la ejecución en la jugabilidad acababa dando un espaldarazo al conjunto. Conscientes de que había que dar con una solución, se optó por volver a los orígenes.

Hacer una cronología con todos los títulos del erizo azul es ardua tarea. Sin embargo había cuatro juegos que, además de ser correlativos, teoricamente representaban el inicio de la franquicia: Sonic, Sonic 2, Sonic 3 y Sonic & Knuckles. Para mayor confirmación resultaron ser los grandes juegos de Sonic y compañía por lo que la nueva entrega se iba a ubicar inmediatamente a continuación de ellos e iba a recuperar el sistema de juego de scroll lateral tan añorado por los fans.

Sin embargo, aunque a priori no lo pueda parecer, hay suficientes novedades. En esta ocasión nos encontramos ante un "Episodio I" de un total de cuatro. Por lo que al final resultará una aventura mucho más larga y compleja que las anteriores. Recorreremos cuatro niveles de tres zonas cada uno ambientados en fases del primer juego. A lo que hay que añadir una última zona con el jefe final del juego. Los niveles de bonus están basados también en aquellos retos imposibles de la primera entrega. No nos llevará mucho tiempo acabar el juego, pero conseguir las siete esmeraldas y los diferentes trofeos alargarán ligeramente la vida de un título que, como sus antecesores, goza de muy buena salud en su rejugabilidad. Graficamente precioso en alta definición, las animaciones son muy buenas. Aunque bien es cierto que acostumbrados a los erizos de sprites y a los modelados 3D hay que darle un tiempo al jugador para hacerse con el juego. Y no solo a nivel estético, el protagonista se comporta con mayor "realismo" y ha de acelerar poco a poco hasta alcanzar su velocidad punta, por lo que puede parecer que las animaciones están mal hechas en un principio. Nada más lejos de la realidad.

Dicho todo esto puede parecer que nos encontramos ante el primer juego con un lavado de cara en alta definición. Y no va muy desencaminada la cosa, es cierto. Sin embargo, no hay que olvidar que nos encontramos ante un homenaje y que aún quedan tres episodios en los que desarrollar interesantes novedades. Pero pese a que el recuerdo de las primeras entregas es constante elementos jugables como lianas, antorchas para iluminarnos, vagonetas, etc. dan una nueva perspectiva a niveles familiares. Pero nada es perfecto en esta vida, aunque el Sonic Team parece ir bien encaminado. Los jugadores encontrarán problemas a la hora de subir sus récords (además del juego clásico en modo por puntos, podrán recorrer todas y cada una de las fases en modo contrarreloj) a la red. Por alguna extraña razón no siempre se cargan en las tablas obligando a repetir la fase y mejorar la marca (cosa que sigue sin garantizar que se solucione el problema). Y por otro lado el precio. 12.99€ se antojan un poco caros para un juego descargable de esta duración. Es cierto que contamos con la mitad de zonas que en entregas anteriores y vale la mitad de lo que valían los juegos de la vieja Megadrive. Pero la verdad que en la relación duración-precio hay algo que no termina de cuajar. Afortunadamente, volver a recorrer los niveles como Super Sonic nos dará la satisfacción de haber jugado ocho zonas. Lástima no poder conservar ese poder para los jefes finales y sí que se echa en falta un nuevo final que se desbloquee al completar el juego con todas las esmeraldas como en los Adventure. Aunque supondremos que lo veremos en la última entrega.

En definitiva una compra obligada para los seguidores del erizo más veloz de los videojuegos. Muy recomendado para cualquier jugador, especialmente los amantes de los juegos en dos dimensiones. Pero desgraciadamente su precio echará para atrás a muchos posibles compradores.

martes, octubre 26, 2010

Spiderman Noir: Los ojos sin rostro

Existe una realidad donde Peter Parker vivió en la década de los años 30. En esa época tan dramática de la historia de Estados Unidos, dominada por la Gran Depresión, Nueva York se ha convertido en un campo abonado para la corrupción y las bandas de gángsters.

En medio de ese oscuro escenario, el joven Parker consiguió poderes arácnidos que le convirtieron en el Hombre Araña. Esto le permitió acabar con Norman Osborn, conocido por el sobrenombre de El Duende. Pero esto no ha significado el fin de los problemas en la Gran Manzana. En este segundo volumen de Spiderman Noir, nuestro heróico protagonista deberá enfrentarse a nuevos peligros como el imparable Hombre de Arena...


¡Los años 30 nunca tuvieron mejor albacea que el Hombre Araña! Y es que cuando las cosas dan juego, pues siguen y siguen. Lo curioso es que después del buen funcionamiento de la miniserie original no hayan lanzado una serie regular, sino apenas otros cuatro numeros, que aunque no saben a poco tampoco meten prisa a nadie por empezar a correr con la colección.

Resulta muy curioso que pese a que el número de cameos y apariciones aumenta considerablemente con respecto al tomo anterior, la temática siguen siendo las mafias y el crimen callejero. Incluso el Hombre de Arena, tan cacareado en la sinopsis no es más que un mero comparsa del mundo criminal. Si anteriormente contabamos con Urich, Jameson, Felicia, Osborn, Los Forzadores y El Buitre; ahora contaremos con Mary Jane, Robbie, De Wolfe, Otto Octavius, el Hombre de Arena, el Señor del Crimen e incluso. Curt Connors. Aunque repetimos que todos asumen sus papeles tradicionales de forma bastante sutil (incluso Octavius, que por su simple planteamiento debería ser el más aparatoso). Así que recalcándolo una vez más, aqui el ritmo no lo llevan las grandes batallas heroe-villano. En su lugar nos encontramos con el interés por desgranar un misterio, por la investigación que realiza Spiderman (al más puro estilo del Hombre Murcielago) para finalmente si, darse de tortas con los matones de turno.

El hecho de que sea el mismo equipo creativo el que repita partido hace que la obra presente una continuidad propia de serie regular. Se ve que los guionistas tienen muchas ideas y poca prisa por lo que se están aprovechando para presentar multitud de personajes a modo de planteamiento. No hay que correr, el crimen organizado da mucho juego, ya tendremos tiempo de meter al Trepamuros en problemas de verdad. Desde luego desde aqui le auguramos buena salud a la serie, siempre y cuando no se cambie el ritmo. Ya esperamos con ganas el tercer tomo, de cuatro números; repetimos: sin prisa.

Por otro lado Panini nos presenta una edición similar a la anterior. Con todas las portadas (incluye las alternativas) al final de la historia a modo de extras; y con el diseño de la colección Marvel Noir que están presentando todos los productos de la colección. Quizás el precio sea ligeramente elevado, ya que hablamos de tan sólo cuatro números USA y quizás se podría haber bajado un poco de los 10,50€. Pero tampoco se trata de un despropósito.

En definitiva, poco más que añadir a lo ya dicho del primer volumen. De compra obligada para aquellos que disfrutaron con las primeras aventuras del Spiderman más pulp de Marvel y muy recomendado para lectores Marvel en general.

lunes, octubre 25, 2010

Spiderman Noir

Un gran poder conlleva una gran responsabilidad. Pero cuando aquellos que tienen ese poder abusan de él, el pueblo tiene la responsabilidad de derribarlos. El año es 1933. Nueva York está gobernada por políticos corruptos, policías que no hacen nada por proteger a los inocentes y hombres de negocios sin escrúpulos. Es entonces cuando una araña cambia el destino de Peter Parker, pero no es la historia que esperas. ¡Conoce a un Hombre Araña con sabor a pulp y género negro!

Seamos sinceros, nos gusta hacer puzzles con los tebeos. Ya sea encajando las piezas que suponen cada capítulo de los numerosos crossovers (perdón, perdón: eventos) que pueblan el panorama editorial. O de otra forma muy distinta comparando detalles entre diversas versiones de algo ya contado.

Y es que, por desgracia ya está todo inventado, que se dice. Y después de más de 75 años y centenares de números, los superhéroes no hacen más que mirar constantemente a sus origenes. Primero fueron los sempiternos "años uno". Más adelante los "What... if?" y los "Elsewords". Nos encanta especular con qué hubiera pasado si el más mínimo detalle de las historias que nos conocemos al dedillo hubiera acontecido de forma distinta. Faltaría más. Y eso es lo que nos cuenta la línea Noir de Marvel. ¿Qué hubiera pasado si nuestros superhéroes más dicharacheros hubieran aparecido en los años 30? Se trata pues de una premisa, a priori, tan parecida a las planteadas en Batman: Gotham by Gaslight o 1602; aunque quizás en esta ocasión, el marco temporal elegido tenga un atractivo mayor. Nadie puede negar que la época de la "ley seca" puede dar mucho juego, sobre todo si acompañando al marco temporal nos traen abundantes recursos temáticos y estilísticos.

Nada de color, nada de alta tecnología. Los años 30 son el marco de la novela negra, y como tales todo es mucho más oscuro y deprimente. Aquí lo más moderno que vamos a encontrar es un revolver. Los villanos pierden sus orígenes radiactivos para bucear en la farándula circense. ¿Kraven? Domador de animales. ¿El Buitre? Una suerte de Nosferatu de Murnau. ¿Los Forzadores? Forzudos y acróbatas. ¿El Duende? Bueno, de El Duende no desvelaremos nada ya que es una de las sorpresas de la miniserie. Los villanos noir no buscan dominar el mundo. Tan solo controlar sus ciudades como buenos mafiosos. De la misma forma, nuestro héroe no deberá sus poderes a arañas radiactivas o alteradas genéticamente. Parece ser que nuestro amigo Joseph Michael Straczynski marcó influencias con aquel origen "totémico" de los poderes de Spiderman; y esta es la línea que sigue la colección, aunque no se llega a profundizar en ningun momento.

Argumentalmente, lo de siempre. Más o menos. La muerte de tío Ben, los primeros pasos en el Bugle, los Forzadores, obtención de los poderes... pero la verdad es que los años 30 le sientan fenomenalmente al lanzarredes como para que no andemos haciendo comparaciones a cada página que pasamos. El dibujo, bastante acertado. Con uso y abuso de los negros, los marrones, sepias y ocres. Como anotación personal yo hubiera preferido el blanco y negro. Si ya está todo inventado, ¿por qué no hacer el Sin City del Universo Marvel? Pero la verdad es que poco hay que reprocharle a la obra, que sin ser una genialidad, se defiende bastante bien en un mercado saturado de mallas. Habrá quién se lance de cabeza a por el resto de títulos de la línea. Por lo menos dan ganas de curiosear, desde luego.

En definitiva, habrá quién lo tache de nueva vuelta de tuerca; y quien lo trate de soplo de aire fresco. Desde luego se trata de un producto bastante entretenido. Muy recomendado para seguidores del amistoso vecino, y como algo a tener en cuenta por aquellos que lean Marvel en general.

Spiderman: La Saga del Clon

La Saga de Ben Reilly...

... tal y como debió ser contada. Entre 1994 y 1996, Marvel publicó la más polémica aventura de la historia de Spiderman. Ben Reilly, el clon de Peter Parker largo tiempo desaparecido, reaparecía en escena para reclamarse como el auténtico Hombre Araña. El evento se extendió durante decenas de comics, hasta convertirse en algo muy diferente a como lo habían imaginado sus autores. Ahora, Tom DeFalco y Howard Mackie, dos de los guionistas de "La Saga de Ben Reilly", vuelven a colocarse bajo la máscara de Spiderman para reconstruir aquella aventura tal y como debió haber sido contada en sus origenes, sin injerencias editoriales y con el único propósito de narrar un momento decisivo en la historia del Hombre Araña.


Todos recordamos con cariño el momento en que empezamos a leer cómics. Obviamente desde nuestra más tierna infancia hemos consumido tebeos en cantidades ingentes. No, me refiero a ese momento en el que comenzabamos a "coleccionar" cómics.

Los más mayores tuvieron la suerte de iniciarse con obras como Watchmen, The Dark Knight, La Saga de Fénix Oscura... Yo por el contrario comencé a dar mi primeros pasos detrás del lanzarredes... quiero decir... los lanzarredes. Y es que La Saga del Clon (hoy en día no puedes decirlo tres veces sin que aparezca algun fan enfurecido y te ataque por la espalda) fue mi primer contacto con el mundillo editorial. Cualquiera que conozca un poco de la historia de Marvel, sabrá que lo que en principio fue una gran idea, acabó convirtiéndose en un auténtico despropósito por cuestiones editoriales. Si al hecho de que la serie ya era de por sí caótica (creo que llegó a englobar más de cinco colecciones mensuales del amistoso vecino) le sumamos el detalle de que por aquel entonces uno no podía seguir la serie mensualmente por temas económicos (si no me falla la memoria, llegué a comprar los tomos 1, 2 y 18 de la primera colección de tomos de Forum) más de uno se estará preguntando que fue lo que me hizo seguir comprando tebeos hasta el día de hoy.

Primero, el amor incondicional que desde pequeñito profeso hacia la historieta. Pero es que por encima de eso, y del inmenso lío que se habían montado, la idea era jodídamente buena. Hasta el punto de que hoy, 15 años después, muy timidamente ya hemos visto aparecer a Kaine (uno de los personajes principales de aquel entonces) y más timidamente a Ben Reilly (el clon en cuestión) en la serie del trepamuros. Si señor, el clon nació para quedarse, pero cuesta mucho olvidar el error que supuso su saga. Por eso, a modo de un director's cut vio la luz esta Saga de Clon, una suerte de remake-resumen de lo que fueron aquellos casi 200 numeros de confusión. En seis episodios, separados argumentalmente por varios meses entre sí, asistimos a un resumen de los momentos clave de la saga, con suficientes cambios, para que todo cobre sentido. Posiblemente aún siga siendo confusa para aquellos que no leyeron nada en su día, ya que entre capítulo y capítulo sucedieron muchas cosas que no se nos cuentan ahora. Pero para aquellos que vivieron el caos que supuso aquello, sirve de recordatorio de todo lo sucedido de forma ordenada.

Es decir, argumentalmente hablamos de la que posiblemente sea la historia más importante de Spiderman, y el hecho de que se hayan corregido los errores del pasado debería hacerla rozar el sobresaliente. Sin embargo, ese caracter de miniserie cerrada, con tantas lagunas entre episodio y episodio (por otro lado necesarias en un producto de esta índole) hace que pierda la trascendecia que sí tuvo en su día la saga original. Los guionistas han querido hacer un homenaje, no rehacer la saga, y se notan sus intenciones. Aunque (y sin revelar ningun detalle), algunos de los cambios del final parecen dejar entrever que este tomo puede servir de justificación para esos tímidos acercamientos que se están realizando a día de hoy en Amazing Spiderman a (quizás) retomar esas ideas.

El dibujo cumple, sin resultar espectacular. Gana más en las escenas de acción, y pierde ligeramente en las expresiones faciales. Aunque generalmente ya sabemos que esto ha sido siempre cuestión de gustos. Y entrando ya en la edición de Panini, pues cumplen también con sus obligaciones. Un solo tomo en tapa blanda que recopila los seis episodios, con su correspondiente portada antes de cada capítulo, y las habituales solapas de la colección 100% Marvel (algún día entenderé esa manía que tenemos en España de englobar series en colecciones aunque no tengan nada que ver unas con otras más allá del formato). Sin embargo, notése que desde Panini han decidido cambiar el diseño de la colección (esperemos que definitivamente), cosa que no es que afecte mucho al englobar series tan diversas (series regulares como Motorista Fantasma o Daredevil o miniseries cerradas de infinidad de personajes diferentes).

En definitiva un producto obligado 100% para los seguidores de Spiderman, especialmente para aquellos que leyeron al menos algo de la Saga del Clon original y nos sigue pareciendo una buena etapa, aunque no se ejecutará de la manera correcta.

miércoles, agosto 25, 2010

Dumbo

Por primera vez y con motivo de la celebración del 70 aniversario de esta inolvidable película, disfruta de las aventuras del único elefante volador del mundo, con una brillante mezcla de sonido y una impresionante restauración digital Disney de alta definición.

La inspiradora historia de Dumbo, el valiente bebé elefante que ultilza sus increibles orejas para elevarse a la fama con la ayuda de su buen amigo, el ratoncillo Timoteo, llenará de alegría a toda la familia con sus valores sobre la verdadera amistad y la autoestima.


Vamos allá con una frase lapidaria. "La gente necesita que la dirijan". Ahora, antes de que cierren el blog por promover actos dictatoriales, maticemos.

Después de que Blancanieves y los siete enanitos fuese un éxito arrollador. Walt Disney intentó dirigir al público en una dirección diferente, alejada del entretenimiento puro y duro, con Bambi y muy especialmente con Fantasía. Ambas dos están consideradas hoy como imprescindibles en cualquier filmoteca. Sin embargo, en su momento no funcionaron nada bien en taquilla, y es que muchas veces, la gente "no tiene ni idea de lo que quiere realmente". Es por ello que para salir del bache en el que se encontraban los estudios, Disney optó por darle al pueblo, lo que el pueblo demandaba. Y así nació Dumbo, sin pretensiones ni experimentos. Una breve historia de excasos 60 minutos. Eso sí, con toda la ternura que el equipo de Walt imprimía a todas y cada una de sus obras por aquel entonces.

Mientras esperamos las ansiadas ediciones Platino de Fantasía y Bambi (largometrajes nº 2 y 3 de Disney respectivamente), nos vamos a centrar en esta edición 70 aniversario de Dumbo (no tendrá edición Platino) en Blu-Ray. Como la calidad de las películas del papá de Mickey Mouse es indiscutible (al menos en estos primeros compases) nos centraremos en la edición en sí, ya que la película es imprescindible en cualquier filmoteca. Para ello vamos a echar mano de los compañeros de ZONADVD, utilizando el análisis que Javier Gallén hace de la misma.

"El meticuloso acabado de anteriores largometrajes de Disney es abandonado por un estilo más descuidado y cercano a las Silly Symphony. Ésto se traduce en un menor nivel de detalle, acompañado por la vuelta a los fondos dibujados en acuarela donde podemos apreciar claramente tanto trazos como manchas de agua. Es por ello que el Blu-ray no sólo permite entregar fielmente la calidad de la obra original, sino que además la excede ampliamente.

De este modo, la excelente nitidez deja al descubierto las carencias del material original, donde personajes en segundos planos se presentan dibujados con escaso detalle, o zooms que superan los estándares habituales de calidad, mostrando líneas de contornos excesivamente gruesas.

La restauración es similar a la de otros largometrajes Disney editados en alta definición: Además de un nuevo máster, se ha utilizado un sofisticado software que mejora la uniformidad cromática de las tintas planas y que elimina el ruido de celuloide. Ésto, que en imagen real resulta poco recomendable, permite obtener una imagen limpia y atractiva, muy similar a lo que supondría volver a filmar los elementos originales. Tan solo se pueden señalar pequeños detalles como siluetas desenfocadas alrededor de los personajes o la incapacidad del software para eliminar el grano durante los fundidos ópticos (inicio del capítulo 6), detalles, eso si, que pasarán desapercibidos para la gran mayoría.

La estabilidad de la imagen es asombrosa y la imagen está completamente libre de manchas, mientras que los colores son vibrantes y respetuosos con los elementos originales que se conservan. Todo ésto hace que los planos más oscuros ganen en detalle y espectacularidad, convirtiendo por ejemplo la secuencia de los elefantes rosa (capítulo 13) en una delicia visual de primer orden, aunque ello suponga revelar también algunos detalles de la sofisticada composición de elementos por medio de máscaras que se empleó en algunos planos (48' 14'')

Si ya de por sí es harto complicado encontrar problemas en la compresión de imagen de un Blu-ray, la escasa duración de la película y su formato 1.37:1 hacen de ésta un material idóneo para una codificación impoluta. De hecho, se trata de la principal virtud de éste Blu-ray frente al propio DVD incluido en la misma caja, dado que la definición es un factor poco relevante ya en el propio material original.

En resúmen, Dumbo sigue la línea de los clásicos Disney editados hasta el momento en alta definición, cumpliendo con nota en todos los apartados visuales y permitiendo volver a disfrutar de una película clave para el famoso estudio de animación.

Si la codificación en alta definición de la imagen excede las propiedades del material original, con la pista de audio en versión original ocurre otro tanto: Como viene siendo habitual, se presenta masterizada en DTS-HD Master Audio 7.1 (48kHz/24-bit), y lógicamente su aprovechamiento es más bien escaso.

Partiendo de la pista original en mono, se han aplicado leves efectos de reverberación multicanal a algunos pasajes musicales con el fin de dotarles de algo de espacialidad con resultados correctos pero nada espectaculares. Solo encontraremos un uso multicanal evidente justo al principio de la película, donde el sonido de unos aviones viaja durante unos instantes por todos los altavoces (2' 04'').

La fidelidad es limitada, como corresponde a un audio grabado en 1941, pero no se observan ruidos de fondo ni problemas en la legibilidad de los diálogos.
En resúmen, una pista correcta a la que no se le puede (ni debe) exigir un sonido multicanal de primer orden. Eso si, no hubiese estado de más la inclusión de la pista original en mono sin ningún tipo de modificación.

Hablando del doblaje. Se trata de un redoblaje dirigido por el mexicano Edmundo Santos en 1974. El original data del año 1942 y fue grabado en Argentina por Luis César Amadori.

Un inconveniente de este redoblaje es que la canción de los jornaleros ("song of the Roustabouts", capítulo 5) se ha doblado sin mucha fortuna, mientras que en el original se mantuvo acertadamente en inglés.

La fidelidad es claramente menor a la del original y tanto banda sonora como efectos de sonido quedan a un nivel demasiado bajo respecto a los diálogos.

Se incluye una pista con el doblaje en catalán.

Los documentales incluidos cubren adecuadamente los aspectos más importantes del clásico de Disney. Además, y como viene siendo habitual, se incluyen dos cortometrajes íntegros de la serie "Silly Symphony" en alta definición. La función "Cine-explore" completa el apartado de manera excepcional.

Además, Disney incluye dentro del estuche la versión DVD con los mismos documentales, así como un pequeño clip donde Dylan y Cole Sprouse de la serie "Zach y Cody" explican cuales son las bondades del formato Blu-ray.

De nuevo, una de las películas más carismáticas de Disney tiene el orgullo de contar con una edición que cumple sobradamente con las expectativas, tanto en imagen como en contenidos adicionales. En este caso, es el Blu-ray de Dumbo el que supera ampliamente los requerimientos de calidad del material original, por lo que estamos ante una edición difícil de mejorar a nivel visual."

Así que en definitiva, como parece que va a ser la tónica de estas reediciones en alta definición. Una compra obligada para todo el mundo.

martes, junio 08, 2010

Blancanieves y los siete enanitos

Ninguna película en la historia ha capturado el mundo de la fantasía como el primer largometraje animado de Walt Disney. Ahora con el asombroso formato Blu-Ray, tecnología de Alta Definición. Disfruta de este clásico atemporal presentado ¡más espectacular que nunca!

Con una vanguardista restauración de imagen digital, un mejorado sonido de Alta Definición Disney, una impresionante animación, emocionantes contenidos extra y la inolvidable música de la película Disney más aclamada de todos los tiempos. ¡Te cautivará como nunca antes!

Unete a la bella princesa Blancanieves en la huida de su envidiosa madrastra, la Reina, y en cómo conoce a un grupo de entrañables enanitos. En el momento en que Blancanieves cae bajo el hechizo de la Reina, sólo un beso de amor verdadero podrá salvarla.


Poco se puede decir de Blancanieves sin que se le llene la boca a uno. El primer largometraje animado de la historia del cine es importante por muchísimos elementos de mérito propio. Así que hoy no vamos a puntuar la película, sino la sobresaliente edición en Blu-Ray que ha hecho Disney. Con cosas como esta, es cuando uno se plantea si a la gigantesca empresa aún le quedan momentos de lucidez, de ese genio que impulsó a Walt Disney a realizar magia animada. Pudiendo dar a conocer el trabajo de compañeros más especializados, en esta ocasión la reseña que presento viene de la mano de Javier Gallén de la web Zona DVD a quien corresponde todo el mérito.

"Durante los primeros minutos de la película resulta difícil creer que estemos contemplando un trabajo realizado hace nada menos que siete décadas. La imagen se presenta limpia y definida, con colores vibrantes y una estabilidad perfecta que nos permite apreciar hasta los más mínimos detalles (y defectos) de la película.

Disney, como ya hiciera anteriormente con La Bella Durmiente y Pinocho, ha empleado un sofisticado software de limpieza digital que permite ir más allá del resultado ofrecido por lo que sería una "simple" restauración del negativo original. El resultado es sin lugar a dudas impactante, pero no está exento de efectos secundarios.

En primer lugar podemos observar un mayor detalle en los espacios que dejan libres los personajes al moverse y que desaparece rápidamente. Se trata de pequeños errores en el sistema de detección de movimiento del filtro que aplica una reducción de ruido a las zonas estáticas. Ésto nos revela que el detalle original de la imagen sin procesar era mayor, y que una fina estructura de grano estaba presente en la imagen. Por tanto, Disney ha preferido sacrificar algo de detalle y de ruido del material original a favor de una imagen más limpia.

En segundo lugar, encontramos una zona empastada alrededor de los personajes y que es un efecto colateral del filtro que minimiza las variaciones de color en las tintas planas y que perfila las líneas tratando de eliminar las irregularidades y variaciones en el color de las celdillas. Ésto es debido a que el filtro no distingue con precisión entre celdillas y fondo, produciéndose un desbordamiento del área de aplicación y por tanto un emborronamiento en las partes del fondo más próximas a los personajes. Pero más apreciable todavía es la posterización producida por el filtro en los propios personajes, que en ocasiones se muestra como cambios bruscos entre dos tonos de un mismo color dando una apariencia muy artificial.

Afortunadamente, todas estas técnicas de limpieza digital o "DNR selectivo" no eliminan la textura de los fondos, pero sí hacen desaparecer el grano en la práctica totalidad de la película. Tan solo algunos planos han logrado retener el grano original donde éste parece luchar contra el filtro, creando un extraño movimiento de "arenilla" como en el plano inicial de situación del castillo (2' 23'').

Podemos afirmar que éste blu-ray nos ha proporcionado la que sin duda ha sido la mejor experiencia de la película en un ambiente doméstico hasta la fecha. De hecho, todos los problemas mencionados se quedarían en meros apuntes anecdóticos de no ser porque durante el visionado de la película han resultado ser en ocasiones una molesta distracción.

Disney ha optado por ofrecer una imagen limpia y definida de su película más emblemática y tal vez ha sido pedir demasiado a un material de 1937. Desde luego el resultado no es deficiente, y en un televisor de alta definición de tamaño medio incluso logrará arrancar caras de asombro, pero desgraciadamente en una proyección la imagen se verá claramente ensuciada por los diversos defectos dejados por los filtros aplicados. De este modo, la espectacular persecución bajo una intensa lluvia por parte de los enanitos a la bruja se muestra como una secuencia demasiado complicada para los filtros aplicados, resultando en una multiplicación de los problemas antes mencionados, y que sorprendentemente no impiden dejar boquiabierto al más exigente.

Lo mejor es que toda esta serie de filtros no impiden que sigamos apreciando de vez en cuando la irregularidad del color en las tintas planas propia del original, así como pequeños defectos de suciedad o pequeños brillos en las celdillas que si bien podrían haber sido eliminados por completo. Nos alegramos de que permanezcan en mayor o menor medida, ya que en caso contrario hubieran dado lugar a una imagen mucho más aséptica y digital, sin olvidar que supondrían otra alteración del material original que añadir a la lista. Encontramos además innumerables planos con la imagen desenfocada, si bien ésto entraría también dentro de los problemas inherentes del antiguo material original en los que poco se ha podido hacer para minimizar el problema. Además, también encontramos algunos fotogramas con imagen doble (3' 50'') y que ya aparecían en ediciones anteriores (ver captura).

Blancanieves luce como nunca hasta ahora habíamos podido imaginar, y tal vez el error de Disney haya sido tratar de igualarla en calidad visual a una producción mucho más reciente y rodada en 70mm (Super Technirama) como lo fue La Bella Durmiente. Un imposible que ha pasado una leve, pero presente factura.

Partiendo del audio original en mono se ha confeccionado una pista en DTS-HD MA con una configuración de 7.1 canales.

Como era de esperar el resultado dista de ser espectacular y la direccionalidad es nula. En cambio se han aplicado diversos procesados que logran una cierta sensación estereofónica bastante agradable y que poco tiene que ver con los desastrosos resultados vistos en otras películas. De todos modos el uso del 7.1 es claramente innecesario y aquellos poseedores de una configuración 5.1 podrán estar tranquilos, ya que obtendrán la misma experiencia sonora.

No se han introducido nuevos efectos, ni se ha reemplazado ningún elemento presente en la mezcla original, siendo el único cambio destacable un refuerzo la parte de las bajas frecuencias realizado con gran acierto y que no se percibe como audio nuevo.

La fidelidad es limitada, pero excepcional para la antigüedad del material. Por otro lado, la legibilidad de los diálogos es notable y apenas se puede apreciar la entrada de un leve ruido de fondo cuando los personajes inician un diálogo.

Creemos que difícilmente se podría conseguir un audio mejor partiendo del material sonoro original, y ésta remasterización apenas supone una leve modificación del audio original con el único fin de hacer más agradable la escucha.

La única nota negativa vendría dada por la ausencia de la pista original monofónica que sí está presente en la edición americana y que sería la opción ideal para los más puristas.

Pese a que disponemos de dos doblajes en español, no se ha incluido el magnífico doblaje dirigido por Edmundo Santos en Méjico en 1964.

La pista en castellano corresponde a un doblaje realizado en 2002 y se presenta en un más que suficiente DTS 5.1 de rango completo. Mantiene idénticas características que la versión original e incluso las supera debido a la mayor calidad de los diálogos a costa, eso si, de una menor integración con el conjunto de la mezcla.

La pista en español latinoamericano corresponde a un doblaje realizado en 2001 que desgraciadamente queda muy lejos del añorado trabajo realizado en 1964. Curiosamente, se trata del único doblaje presentado en Dolby Digital con una generosa tasa de bits de 640kbps.

Dada la ausencia de el doblaje de Edmundo Santos, decantarse por uno u otro solo atiende a preferencias personales acerca del acento y los modismos empleados y no a la calidad interpretativa. Por tanto, y pese a que ambas son opciones perfectamente válidas, la ausencia del doblaje de 1964 nos hace recomendar la versión original como la mejor alternativa posible para ésta edición.

Estamos ante una completísima edición que además de presentar unos documentales interesantes y una cuidada navegación, atesora nada más y nada menos que ocho cortos clave en la historia de Disney y del mundo de la animación en general, presentados en alta definición y una calidad excelente (a excepción de "La Diosa de la Primavera" que parte de un master SD). Por si fuera poco, se incluye un tercer disco con la película en formato DVD.

Disney vuelve a deleitarnos con una cuidada edición que va más allá de la propia película y nos permite ahondar en un periodo clave de la historia de Disney, a través de documentales, galerías y una serie de cortometrajes de gran valor presentados con sumo cuidado y respeto pese a su condición de extras.

Audiovisualmente resulta espectacular, si bien los más puristas se pueden sentir decepcionados por un exceso de lustre que ha traído consigo algunos problemas. De cualquier modo, se trata de la mejor edición hasta la fecha del primer largometraje animado de la historia."

En definitiva, una edición obligatoria para cualquier poseedor de un reproductor Blu-Ray, ya no sólo por la importancia del filme que contiene sino por el impresionante trabajo a nivel de contenidos adicionales. Han elegido bien el nombre de la edición, y es que se trata de un verdadero diamante.

Kick-Ass

‘Kick-Ass’ gira en torno a Dave Lizewski (Aaron Johnson), un estudiante de instituto que pasa desapercibido por todos, aficionado a los cómics, de donde saca un día la idea de convertirse en un superhéroe, aunque no tenga superpoderes, no haya seguido un duro entrenamiento y ni siquiera tenga una significativa razón para ello. Pero la vida de Dave cambiará para siempre cuando se encuentre con un par de locos vigilantes -la terremoto de 11 años Hit Girl (Chloë Moretz) y su padre, Big Daddy (Nicolas Cage)- y forje amistad con otro joven luchador contra el crimen, Red Mist (Christopher Mintz-Plasse). Y cuando todos se tengan que enfrentar al jefe de la mafia local, Frank D'Amico (Mark Strong), sus alianzas y sus verdaderas habilidades serán puestas a prueba.

¿Qué tienen los superhéroes? Me refiero, aparte de capas y mallas... ¿Qué tienen los superhéroes, que gustan a todo el mundo? Ya no hablamos de que todo el mundo lea historietas de seres superpoderosos. Pero nadie le hace asco a ver una película de señores (o señoritas) embutidos en cuero y espandex. ¿Podría ser que todos hemos fantaseado alguna vez con volar, atravesar paredes o crear fuego? ¿Porqué entonces cada vez vemos más personajes carentes de habilidades "especiales"? ¿Es que todos llevamos dentro un pequeño fetichista que piensa secretamente en disfrazarse de fantoche? Una cosa está clara, el hombre ha de ser malo por naturaleza. Porque los atracadores de bancos llevan máscaras. Sin embargo, ningun buen samaritano ha salido a la calle para hacer el bien debajo de una capa.

Preguntas interesantes que llevaron a Mark Millar a hacer su penúltima gamberrada tebeística. Y algo tuvo que tener para que antes de estar terminada alguien diera luz verde al obligado proyecto cinematográfico. Y digo que algo tuvo que tener, porque no he disfrutado todavía del tebeo, pero después de ver la película poco voy a tardar en correr para hacerme con mi copia. Desconozco quién supera a quién. Pero el filme es una "cafrada" muy bien hecha (un poco más light que la obra de origen según tengo entendido). El pilar en el que se basa es el humor, pero el humor gamberro. Algo así como si Tarantino hubiera dirigido el crossover de Batman y Spiderman, me comentaba un compañero de butaca... y no iba muy desencaminado.

La película derrocha acidez y frescura por los cuatro costados. Desde los dialogos, a la banda sonora, pasando por las escenas de acción o incluso la fotografía o el vestuario. Es un cómic animado. A ello ayudan transiciones y efectos como flashbacks en forma de historieta animada, o cajones de narración en algún cambio de escena. Burra y cafre en su justa medida (quizás el exceso de sangre del tebeo no hubiera funcionado tan bien en un medio como el cine) proporciona diversión mostrandonos lo que pasaría si hicieramos aquello que todos nos hemos planteado alguna vez. Salir a la calle a dar cera a los malos.

Por descontar algun punto, quizás haya que incidir en que el doblaje no es del todo acertado, aunque la mayoría de los actores cumplen sin problemas. Mención especial para Hit-Girl, y perdida de puntos para Nicolas Cage (que cada vez me gusta menos). Sin embargo no empañan un conjunto más que notable. Por supuesto, un filme de estas características está salpicado de guiños al mundo de los superhéroes. Esas pequeñas bromas en las que uno cree reirse solo en la sala, para después darse cuenta de que otra persona, varias butacas por detrás, también ha compartido contigo ese momento no reservado para todo el mundo.

En definitiva, un muy buen producto que derrocha entretenimiento por los cuatro costados y que todos disfrutaran en mayor o menor medida. Seguro que si a la salida regalaran disfraces de superhéroe, más de uno se daba una vuelta por la noche por su barrio arriesgandose a que le acaricien la cara.

martes, junio 01, 2010

Robin Hood

Inglaterra, siglo XIII. Robin Longstride (Russell Crowe), un magnífico arquero al servicio del rey Ricardo Corazón de León (Danny Huston), vuelve de las cruzadas en tierra santa saqueando poblados mientras lucha contra las tropas francesas. Cuando Ricardo muere bajo una fecha francesa, Robin se traslada a Nottingham con el objetivo de cumplir una promesa que hizo a Sir Robert Loxley (Douglas Hodge) antes de morir: devolver una espada a su padre, Sir Walter Loxley (Max Von Sydow). Allí conoce a lady Marion (Cate Blanchett), su viuda, una mujer con carácter. Mientras tanto, en un país debilitado por una larga guerra, regido por Juan (Oscar Isaac), un rey débil y poco eficaz, contra las rebeliones internas y las amenazas externas maquinadas por el pérfido Godfrey (Mark Strong), Robin y sus hombres se dejan llevar hacia una aventura mayor: deciden ayudar a impedir que el país caiga irremediablemente en una sangrienta guerra civil, y devolver la gloria a Inglaterra.

Y es que cuando uno se deja aconsejar por quien debe, lo que a priori no levantaba ninguna expectativa, puede llegar a dejar muy buen sabor de boca. El lector de este blog sabrá que la norma general es dejar aqui escritas mis propias impresiones evitando parafrasear a nadie. No obstante, cuando mi pensamiento coincide de semejante forma con otro blogger (nuevamente vuelve a ser Rafa Marín) no puedo hacer otra cosa que dejar aqui repetido lo que ya expusiera él en su propio terreno (CRISEI). A fin de cuentas, hay todo un abismo en la calidad de escritura de ambos.

"La figura de Robin el Encapuchado se pierde en la noche de los tiempos. El siglo veinte y lo que de él heredamos lo conoce gracias a la reinterpretación romántica y la visión de Hollywood que lo enclava por fin en un periodo concreto y lo convierte en un tipo en mallas, el primer guerrillero forestal de la historia. Alegre, vital, rebelde y acrobático. Cualquier revisión que se ha hecho en el cine viene lastrada por la imagen que esbozó Douglas Fairbanks y llevó a su cenit Errol Flynn. Sean Connery lo mostró calvo y viejo, Walt Disney ensayó una visión con animalitos, Kevin Costner lo convirtió en epígono de John F. Kennedy, y hasta ahora (para mí) es la serie televisiva "Robin of Sherwood" la que mejor refleja la rebeldía y el anarquismo intrínseco del personaje.

Ahora Ridley Scott nos muestra su versión. Una versión que no parte de la leyenda, sino de la historia. El naturalismo es la evolución del realismo, no del romanticismo, y por eso nos cuesta tanto trabajo ver cómo un héroe romántico se ensucia, sangra, y nos muestra una Edad Media que no tiene las luces ni las texturas de las visiones pre-rafaelitas.

Scott, un cineasta que nunca ha superado el listón que él mismo plantó con sus tres primeras películas (y que tiene un hermano menor que, para muchos, lo ha superado ampliamente) coge la figura del héroe rebelde y la cuenta como si fuera nueva. Es decir, no nos cuenta la historia de siempre, sino que hace girar su relato en torno a la firma (y luego renuncia) de la Carta Magna por el rey Juan; o sea, eso que los ingleses tienen todavía como simulacro de Constitución. Mezclar ese momento histórico con la leyenda del arquero, y hacer que ese arquero sea a su vez hijo de cantero (es decir, masón, y quizá un guiño a Los pilares de la Tierra) y esté en el meollo del asunto se complementa con una jugosa visión contemporánea en estos tiempos de crisis, subidas de impuestos y causantes de la crisis que escapan tan de rositas como los reyes y nobles que en esta historia diezman al pueblo.

La película es larga y sin embargo se hace corta. Y se hace corta porque te quedas con ganas de más: si me anuncian que es el principio de una trilogía, o que se está preparando una segunda parte (que de momento parece que no), yo reservaría ahora mismo mi asiento en el cine. Scott nos muestra un héroe cansado y harto de guerras, un Ulises que vuelve a una Itaca que no es suya, donde una Penélope que no es suya atiende lo que le queda de honor y de tierras. El personaje de Russel Crowe se llama Robin Longstride, quizá para dejar claro de dónde viene Aragorn, y con cierta retranca y cierta sabiduría narrativa el director y sus guionistas son capaces de unir los dos orígenes del personaje, el noble y el popular, como ya hiciera la mencionada Robin de Sherwood, en un juego de usurpación de personalidades que recuerda aquella vieja película de Alan Ladd, Marcado a fuego, y a Sommersby. Que Crowe podría interpretar con los ojos cerrados a Ulises me parece casi un punto obligatorio en su carrera.

Se agradece que la película no vuelva a contar el enésimo enfrentamiento con Little John en el tronco y con los palos, y que presente a sus compañeros Alan-a-Dayle, Will Scarlett y el mismo Friar Tuck sin incidir en quiénes son y en cuál es su leyenda. Este Robin es pícaro sin ser histriónico, valiente sin ser temerario, sabio sin tener que fruncir el ceño. Y encuentra a la Marion ideal, la Marion perfecta, encarnada por una Cate Blanchett independiente y aguerrida, una noble de segunda fila no muy distinta del pueblo con el que se confunde. El juego de roces y caricias interrumpidas entre Robin y Marian es lo mejor de la película.

Casi como si fuera un Robin año cero, la película casi esquiva el personaje del sheriff de Nottingham, igual que prescinde de la figura redentora de Ricardo Corazón de León, mostrado aquí como un rey guerrero y estúpido que muere en batalla (espectacular, por cierto) en los primeros minutos. Hollywood ha mitificado demasiado la figura de un mal rey que ni siquiera hablaba inglés (era francés a todos los efectos) y que en realidad no estuvo en Inglaterra más que once meses, contando todos los días en que pisó la isla. La visión que da la película de la monarquía, la iglesia y la nobleza, sin ser revolucionaria, se aleja de lo que hemos visto en otras ocasiones: Leonor de Aquitania (sabiamente acompañada por una lechuza) o William Marshall (sobriamente interpretado por William Hurt, un actor que merece mejor suerte y más reconocimiento del que tiene) tienen el contrapunto de los reyes jóvenes, Juan el inglés y Felipe el francés, que prepara un desembarco inverso de Normandía que bebe, y mucho, de Salvar al soldado Ryan. El malo remalo es un tal Godfried, interpretado por un Mark Strong que está aquí bastante mejor que en Sherlock Holmes, y a quien Marvel Productions debería contratar pero que ya para interpretar al Basilisco.

No es una película perfecta, en tanto las batallas cuerpo a cuerpo son borrosas, parece un pelín cobarde indicar que los recaudadores de impuestos son invasores franceses y no los hombres del rey, y en el fondo te quedas con ganas de que se incida en el tono alternativo y anarquista de Robin y sus hombres en Sherwood. Pero es una buena película historicista, con una buena banda sonora (la pega, que cuando canta Alan no es traducido siempre), y que me revalida en mi teoría de que Ridley Scott, como ya dejara entrever en El reino de los cielos, es fan de Prince Valiant: busquen ustedes los dos o tres guiños que hay al personaje y disfrutarán de lo lindo.

Se agradece que, para variar, alguien demuestre que Robin Hood tiene más de una historia que pueda ser contada."

En definitiva, una buena película, que si bien no se convertirá en obligatoria de nadie, permite pasar un buen rato en la butaca. Y sobre todo, no repite una fórmula ya manida.

domingo, mayo 23, 2010

Air nº 1: Cartas de países perdidos

Blythe es una azafata de vuelo titulada en filosofía que tiene miedo a las alturas. Y por extraña que pueda parecer la elección de su profesión, ni se acerca al extraño rumbo que está a punto de tomar su vida.

Se enamorará de un viajero misterioso que podría ser un usuario habitual de líneas aéreas o un terrorista. Buscándolo, viajará a un país que no existe en ningún mapa, se convertirá en objetivo de un violento grupo antiterrorista, e inevitablemente se verá en el centro de una carrera por encontrar un artefacto que podría cambiar para siempre la aeronáutica.

De repente, la vida de Blythe se encamina al destino más exotico que existe: lo desconocido. Con su trabajo, su seguridad y su cordura en el aire, ¿fracasará y caerá, o aprenderá a volar?


Para aquellos que no hemos sido bendecidos con el don de la narración, sentarnos a escribir sobre algo, puede suponer un esfuerzo a tener en cuenta. Esfuerzo que se hace mayor de forma directamente proporcional al tiempo que pasamos sin ejercitarnos en la escritura. Es por eso que me encuentro ante un abismo, dispuesto a saltar, sin tener muy claro que decir. Si esto ya de por sí me va a costar... ¿que puedo decir encima de una obra como Air?

Resulta curioso que sus cubiertas (delantera y trasera) estén repletas de citas mencionando las excelencias de la obra. Puro marketing, nada a tener en cuenta. Sin embargo, una vez repasadas todas, algo me llamó la atención: "... parte Gabriel García Marquez, parte Perdidos..." Cosa que se me ha quedado a fuego. Principalmente por mi relación de amor/odio con la serie de Abrahams. ¿Qué significa que Air es parte Perdidos? Ha sido dificil llegar a una conclusión, pero algo hemos sacado en claro. Este primer tomo que ha llegado a nuestro país tiene en su interior los números 1 al 5 de la serie original americana. Leerlos, posiblemente, sea como el inicio de una montaña rusa. Una cuesta que se hace eterna (especialmente para aquellos que como yo, tengan miedo a subirse en según qué atracciones) para después caer a plomo sin poder procesar toda la información que te rodea hasta pasados unos segundos.

Los dos/tres primeros capítulos son confusos, extraños, no dejan la sensación de querer seguir leyendo. Personajes que cambian de nacionalidad y acento, asociaciones secretas, una protagonista que se lanza con excesiva facilidad a la aventura a pesar de tener miedo a las alturas en un trabajo que se desarrolla en los cielos del planeta, empiezan a aparecer elementos fantásticos inexplicados... Parece como si el guionista buscara poner en orden sus ideas sin tener muy claro a donde ir. O justo lo contrario, tiene todo preparado y lo que hace es jugar al despiste con el lector imitando de forma descarada los movimientos argumentales de las primeras temporadas de Perdidos. Pero de repente, algo sucede. Llegamos al tope de la subida y la serie descubre su realidad (que no vamos a desvelar aqui), la trama empieza a cojer ritmo y todo comienza a cobrar sentido. Al terminar el libro, posiblemente no estaremos enganchados de por vida (seguramente el lapso de tiempo que tendremos que esperar hasta el siguiente haga que la cosa se enfríe bastante) pero el regusto que nos dejará la obra será de lo más satisfactorio.

De la misma forma que al guión hay que darle su tiempo para asentarse, lo mismo ocurrre con el dibujo. Bastante agradable a la vista, cumple en todo momento, aunque bien es cierto que no "entra por los ojos" desde primera hora. Seguramente al obviar la espectacularidad de dibujantes de otros géneros. Pero por supuesto, no nos encontramos ante una historieta espectacular, al menos no desde primera hora. Y es que para cuando llega el momento de impresionar, ya no podemos imaginar otro trazo en las viñetas.

En definitiva, un cómic bastante interesante que no engancha de primera hora pero que tras dedicarle un poco de paciencia empieza a recompensar. No vuelve loco, pero deja ganas de más; las justas para hacerse con el siguiente tomo e ir viendo hacia donde avanza la serie. Habrá que estar pendiente.

miércoles, marzo 10, 2010

The Legend of Zelda nº 3: Majora's Mask

Tras salvar Hyrule, el joven conocido como el Héroe del Tiempo emprende un misterioso viaje en busca de un amigo del que se separó cuando cumplió su heróico destino. Pero Skull Kid, poseído por la Máscara de Majora, le ataca y secuestra a Epona... ¡Ahora Link deberá emprender una lucha contrarreloj para salvar a sus amigos y al mundo de Términa!

No es novedad que no soy muy amigo del manga. No es porque no me parezca un... estilo de narración tan válido como el comic americano, la bande dessinée francesa o la historieta española. (No vamos a entrar en un debate aclarado ya por numerosos expertos que reconocen que no son más que palabras en diferentes idiomas para referirse a un mismo objeto, salvando las diferencias culturales, por supuesto). El caso es que defiendo justo lo contrario. Se trata de un estilo de narración gráfica tan válido como cualquier otro. Sin embargo, de un tiempo a esta parte se ha convertido en una moda junto a todo lo que viene de tierras niponas. Desgraciadamente, soy enemigo de las modas, porque mucha gente se apunta a ellas, las defiende a capa y espada, pero no son capaces de arañar mas allá de la superficie.

Dicho esto, ¿cómo es que estamos hablando de un manga?. En este caso (ha habido, hay y habrá más de los que ya hablaremos por aqui) es por su temática. Despues de jugar al último juego de la saga Zelda (The Legend of Zelda: Spirit Tracks) e investigar un poco sobre la cronología de la serie, quise conocer un poco más. Si a eso le añadimos que jugué a Ocarina of Time cuando era un pipiolo, y que además, dicho juego estaba en inglés. Quise acercarme a la saga a través de este manga (los números 1 y 2 comprenden el The Legend of Zelda: Ocarina of Time) a modo de recordatorio. La experiencia no fue negativa y ya hemos seguido el viaje.

En el caso concreto de Majora's Mask, continuación directa de Ocarina of Time nos encontramos con un trabajo similar en los tres números. Por lo que la reseña bien podría aplicarse a todo lo publicado hasta ahora. Al adaptar los hechos ocurridos en un videojuego, la acción se desarrolla a una velocidad endiablada. Por lo que recalco la funcionalidad de este manga como "guia recordatoria" para aquellos que jugaran al juego y quieran recordar la historia sin tener que volver a pasarselo. Aquellos que busquen algo más profundo, van mal encaminados. En cuanto al dibujo, se agradece un trazo bastante limpio y gran claridad en la narración. Sin embargo, algunos de los momentos de acción pueden llegar a ser algo confusos (quizás sea mi falta de costumbre a leer manga).

En definitiva, un manga entretenido, pero bastante flojillo, recomendado solo para seguidores de la saga y siempre y cuando lo quieran usar como referencia de los juegos o gusten de curiosear entre las historias extras que se incluyen y que amplían la trama de los juegos.

Batman y los Outsiders nº 1 (Clásicos DC)

¿Qué hace Batman cuando la Liga de la Justicia no le acompaña a Markovia en busca de un amigo que ha sido secuestrado? ¡Pues dimitir y fundar su propio equipo! Comienzan así las aventuras de los Outsiders originales, formados por Halo, Metamorfo, Relámpago Negro, Katana, Geofuerza y, por supuesto, nuestro murciélago favorito.

Vivimos en un país con una industria del comic, cuanto menos curiosa. Ya no solo destaca que la mayoría de las producciones vengan del otro lado del charco (proporción totalmente inversa a países como Francia); sino que los editores de tebeos se han convertido en editores de libros. Mientras que en Estados Unidos, el comic-book sigue un proceso esquematico de grapa-tapa blanda-tapa dura, aquí lanzamos unicamente (salvo en contadas ocasiones) enormes cantidades de recopilatorios como poco en tapa blanda. Aunque la tapa dura que no hace otra cosa que elevar el precio de la obra cada vez tiene mayor presencia. Nos encantan esas ediciones de coleccionista que para ser especiales deberían contar con una edición normal simple.

¿Qué tiene esto que ver con la obra que nos ocupa? Bueno, un mercado tan saturado de "recopilatorios" permite que con relativa frecuencia, podamos contar con reediciones de material perdido en el tiempo. Y en ocasiones, a precios relativamente asequibles. Y en un momento en el que la linea editorial del Caballero Oscuro anda revolucionada por los sucesos de Batman R.I.P. y Crisis Final permitiendo quizas el despegue de la serie de los Outsiders (hasta hace poco con el Batman y en el título) que de momento en su periodicidad bimensual no acababa de arrancar a pesar de su buena factura. Así que nuestros editores de libros (que no de tebeos) ya tardaban en echar la vista atrás en busca de material que reeditar. La táctica suele funcionar. Ambas series de dan publicidad (al compartir nombre) la una a la otra, y suben las ventas.

Así que tras numerosos retrasos por fin llegó a nuestras estanterias el primer númerode Batman y los Outsiders en formato Clásicos DC. Un volúmen que recopila una historia corta aparecida en The Brave and the Bold nº 200 que servía de prólogo a la colección, los 12 primeros números de la serie y el número 37 de New Teen Titans que se cruza directamente con uno de los arcos argumentales de los Outsiders. Trece comic-books más una historia corta por el modico precio de 18.95€. ¿Merece la pena? Veamos.

Como pasa con todos los recopilatorios que incluyen tebeos ya entraditos en años, hay que hacer una labor retrospectiva a la hora de leerlos. Ni el dibujo, ni los argumentos; ni siquiera la forma de narrar se han mantenido en 75 años. Por lo que, o estamos dispuestos a transigir con ciertas cosas, o mejor ni mirar la portada. En esta ocasión nos encontramos con con un compendio de historias, bastante bien dibujadas y narradas. Bien es cierto que nacidas a mediados de los 80 no nos quedan demasiado lejos, por lo que habrá que ver como envejecen cuando pase más tiempo. Aunque seguramente los años no sean muy duros con ellos. Se agradece el intento de los creadores de dotar a los personajes (especialmente todos aquellos que no son Batman) de un mínimo de profundidad para no quedarse en las meras aventuras nacidas de la casualidad. De esta forma personajes ya conocidos aunque poco populares y otros de nuevo cuño pero cargados de misterio, conforman un equipo bastante atractivo. Aunque posiblemente a causa de su origen de parias, pase siempre desapercibido en unas estanterías cargadas de Ligas de la Justicia, Titanes (nuevos, viejos y jovenes), Sociedades de la Justicia y demás grupos de coloridos superhéroes. Viendo la calidad del material original y sopesando la cantidad de páginas con su precio podemos afirmar que merece la pena. Sobre todo si recordamos, que es un producto a color. Punto positivo, pues además parece no haber sufrido recoloreado.

Sin embargo, si analizamos la calidad de la edición. Vemos como ya aquellos no boyantes económicamente pueden verse frenados en su impulso de hacerse con el tomo. Y es que es aquí donde Planeta suele fallar con, quizás demasiada, frecuencia. A favor decir que que aunque se aprecia alguna página (o portada) escaneada, y se echa en falta la cubierta del número de los Titanes, parece que la casi totalidad del material está sacado del original (y como ya decíamos posiblemente sin recolorear). La maquetación es buena, respetando el orden de publicación e insertando cada portada al inicio de cada número. Hasta aquí todo bien. Sin embargo, en los últimos capítulos del tomo, podemos observar como algunos bocadillos aparecen sin terminar, dejando frases a medias y entorpeciendo bastante la lectura. Y al menos en una ocasión nos encontramos con los ya cansinos bocadillos intercambiados (personajes que intercambian sus textos por error del rotulista español). Esto, de por si es bastante imperdonable. Pero en una editorial que ha anunciado y retrasado este volumen durante varios meses y que además parece empeñada en saturar el mercado publicando más de lo que parece ser capaz de distribuir (la unica editorial, o casi, que sufre modificaciones de última hora en sus listas de novedades) ya no tiene excusa ninguna. Lo que implica una pérdida de puntos notables. Cuando las cosas se hacen bien, es obligatorio felicitarlas, aunque simplemente supongan un cumplimiento de la obligación. Es por eso que cuando se hacen mal (y además estamos pagando) es de recibo criticar. Y estos fallos, la verdad es que ya empiezan a cansar.

En definitiva, un producto entretenido, sin recomendar para nadie en concreto pero que cuya compra no es desaconsejada. Lastima que por unos fallos ya tópicos en nuestro país editorial pierda algunos enteros.

domingo, febrero 21, 2010

The Legend of Zelda: Spirit Tracks

¡Una nueva leyenda comienza! Link y la Princesa Zelda se embarcan en una aventura juntos por primera vez. Hace muchos años, los Dioses sellaron el espíritu de un perverso ser en una inmensa torre, pero está listo para regresar. ¿Podrán Link y Zelda restaurar las vías sagradas antes de que reine la oscuridad?

Lo saben muchos, pero no todos. Los protagonistas de cada entrega de The Legend of Zelda no son los mismos (al menos no siempre) que aquellos que manejabamos en capitulos previos. Cada Link, y cada Zelda que pasan por nuestras pantallas, son descendientes (sanguíneos o no) de los anteriores. De esta forma, entre entrega y entrega pueden pasar cientos de años, o simplemente décadas. Si sabiendo esto intentamos ordenar la saga en una cronología (http://www.youtube.com/watch?v=Z_dn9tKBoJc) puede empezar a salirnos sangre por la nariz y los oídos del esfuerzo. Lo que debemos saber de este Spirit Tracks es que es continuación "directa" (han pasado pocos años) de The Phantom Hourglass que a su vez lo era de The Wind Waker. Y es que aunque el juego se puede jugar sin haber pasado por los títulos mencionados, nos encontraremos con varios guiños a estas "precuelas".

Entrando ya en materia, en esta ocasión sustituímos el caballo y el barco por una máquina de tren a vapor, de forma que una vez más se nota el esfuerzo por ofrecer algo nuevo dentro de un planteamiento tan simple como el de la saga (héroe que rescata a princesa de las garras del mal). Este capitulo pertenece al conocido como "toon" Link, por lo que el humor abundará aunque no nos faltarán los momentos épicos imprescindibles. Basicamente tenemos dos tipos de dinámicas de juego. Para movernos por el mundo iremos sobre el tren disparando a todo lo que se mueva, ya sea porque nos desplazamos nosotros, llevamos pasajeros, o trasladamos mercancías. El mapeado es bastante amplio y está dividido en 4 zonas (con una quinta y una sexta ocultas) con numerosos andenes. En cada andén pasaremos a movernos a pie, visitando ciudades, aldeas y mazmorras. Es aquí donde más se explota el control táctil de la consola, moviendo y atacando con el puntero. El uso de las armas especiales también explotará nuestra DS al máximo teniendo que tocar y soplar en numerosas ocasiones. Por último habrá no pocos momentos en los que tendremos que manejar a dos personajes (Link y Zelda) a la vez, potenciando los puzzles de formas bastante imaginativas.

Gráficamente hablamos de una DS (posiblemente la consola que se encuentra en la cola si nos referimos a potencia), pero el juego no decae gráficamente en ningun momento, ya que no sabríamos si decir que alcanza el límite, pero aprovecha bastante bien las posibilidades de la máquina. A todo esto hay que añadir una banda sonora memorable (como casi todas las de la saga) que refuerza todos y cada uno de los momentos del juego). La dificultad está ajustada y no tendremos muchos problemas para terminar el juego. Sin embargo, para acabar todas y cada una de las mazmorras y minijuegos, necesitaremos alguna ayudita. Sobre todo nos encontramos ante un juego muy divertido.

En definitiva, un juego muy recomendable. Imprescindible para lo seguidores de la saga. Qué gracias a su aire cartoon y su estudiada jugabilidad nos hará pasar buenos ratos delante de la consola.

miércoles, febrero 10, 2010

LaZarillo: Matar zombies nunca fue pan comido

Por fin ve la luz lo que jamás te enseñaron en la escuela, la verdadera historia de Lázaro de Tormes, contada por él mismo:

De cómo ciertas criaturas se empeñaban en no descansar en paz.

De cómo Lázaro se unió a un escuadrón de asalto paranormal.

De cómo sobrevivió en un país con mucho hideputa suelto (de ultratumba y de más acá).

De cómo, en resumidas cuentas, Lázaro de Tormes se convirtió en uno de los mayores cazadores de zombis del Imperio, y de los problemas que esto le trajo con la Corte y la Santa Inquisición.


Mal que pueda pesar a alguno (entre los que me incluyo como ferviente detractor de las modas) los zombis, zombies o como cada uno los llame en su casa, están ganando popularidad. Al goteo lento e incesante de películas de dicha temática, se puede sumar una repentina oleada de libros con el no-muerto como protagonista. Los tenemos lentos, rápidos, tranquilos, agresivos. Libros como Apocalipsis Z, Días Oscuros, Zombie Island, Zombie Nation y Zombie Planet (estos últimos trilogía), Guerra Mundial Z, Zombi: Guía de supervivencia, etc; nos han obsequiado en los últimos meses con multitud de historias de diversa índole. Una cosa está clara, tendremos que acostumbrarnos a ver la Z en la estantería de novedades de nuestra librería.

No podemos entrar a diseccionar los posible subgeneros con los que puede contar la mitología del zombi. Pero si en su día hablamos de lo interesante de Apocalipsis Z que no fue otra cosa que reflejar la historia en el AQUÍ y AHORA del pan nuestro de cada día, dotando a la novela de una verosimilitud que le sentaba muy bien. LaZarillo surge en la estela de otro libro que lo que hace es algo parecido, y a la vez diametralmente opuesto. Hablamos de Orgullo, prejuicio y zombis cuyo interés radica en tomar una novela ya existente y de reconocido merito cultural, e introducir el elemento zombi. Desconozco (de momento) el resultado de dicha novela, pero sí podemos hablar de como ha quedado este lazarillo matazombis.

El resultado es bastante aceptable. Aunque hay que avisar al futurible lector de que el libro engaña un poquito. Aquél que lea la sinospsis, puede pensar que se trata de un libro de humor. En absoluto, al menos no más allá de lo que fuera la novela original, ya que, al menos en los primeros compases, las similitudes son bastante claras. No, la novela que nos ocupa vendría a ser más una novela de aventuras o intriga con tintes sobrenaturales. Posiblemente un tímido acercamiento al terror. Desde primera hora también se da a entender que la novea está escrita por el auténtico Lazarillo de Tormes. La broma está bien, aunque no es del todo acertada. Dentro del libro, tenemos dos historias, una ambientada en la actualidad y narrada en forma de reportaje periodístico (y firmada por el verdadero autor del mismo, que dejaremos en el anonimato para respetar esa curiosa decisión suya de no darse a conocer hasta la firma en la última línea de la obra). La otra es un manuscrito que lee uno de los personajes y que (éste si) está escrito de puño y letra de Lázaro González Pérez de Tormes. Esta división argumental favorece a la novela dotándola de esa falsa credibilidad de la que ya hablabamos en Apocalipsis Z.

Centrándonos ya en el argumento. Hablaremos sobre todo de la historia que narra las andanzas de Lázaro ya que es el auténtico grueso del libro. Ya que la verdadera labor de la historia contemporánea es funcionar como prólogo y épilogo de la misma. En general el libro está bien escrito y resulta en todo momento ameno de leer. No es muy extenso (apenas llega a las 200 páginas) y cuenta con un tamaño de fuente generoso; así que los lectores más voraces serán capaces de dar buena cuenta de él en un día a lo sumo. Una vez ya metidos en faena, se observa claramente que el tema sobrenatural, supuesto centro argumental de la historia, se trata de forma, tímida, disimulada, muy sutilmente. Y esto le sienta bien a la obra. Pues en los primeros Tratados (así se dividen los capítulos) seguiremos prácticamente el mismo camino de la novela original, para despues lanzarnos de cabeza al meollo del asunto. Aunque de nuevo recalcar que dada su breve extensión la obra no se presta a alcanzar una profundidad excesiva. Quizás lo unico que le pueda faltar a la novela sea eso, el haber sido más ambiciosa y haber apostado fuerte por crear una mitología propia, que a fin de cuentas es lo que suele funcionar en este tipo de productos.

En definitiva, una lectura bastante amena, recomendada para los amantes de los libros de zombies, vampiros y demás seres preternaturales, que si bien no merecería la pena en un formato más caro, en bosillo cumple a la perfección.

viernes, enero 15, 2010

TURTLES Forever

Algo extraño esta pasando en la ciudad de las tortugas. En realidad, 4 cosas extrañas... Y verdes. Así es que, investigando una base de los Purple Dragons, Leonardo, Donatello, Raphael y Michelangelo conocen a: Leonardo, Donatello, Raphael y a Michelangelo... ¡De la serie de 1987!. Y si ellas estan aquí, su Shredder no puede estar muy lejos. Ahora, las ocho tortugas tendran que trabajar juntas para vencer a dos Shredders, un Krang, mutantes y muchos, pero muchos robots en esta historia que conmemora los 25 años de las TMNT.

Seamos sinceros, ¿quién no conoce a día de hoy a las Tortugas Ninja Mutantes Adolescentes (TMNT para entendernos)? Ya seamos viejunos que crecimos con sus aventuras de animación, neófitos que las vieron en el cine en "carne y hueso", frikis absolutos que las coleccionaron en papel, o los más jovencillos de la casa que supieron de ellas por su reciente serie de animación o la ultima película que estrenaron en cines. Todos y cada uno de nosotros conocemos a las tortugas.

Y es que se hace raro, empezar con ellas de nuevo justo por el final. Porque mal que nos pueda pesar a algunos, el tiempo no pasa en balde, ni siquiera para los personajes de ficción. Muchos caen en el olvido, otros sufren tremendas modificaciones. O quizás un poco de ambas. Y es que poco tienen que ver las "tortugas primarias" que crearon Kevin Eastman y Peter Laird allá por 1984, con todas aquellas que han visto la luz con el pasar del tiempo. Más adultas unas, totalmente infantiles otras, pero tortugas a fin y al cabo.

Supongo que habrá más gente como yo que se sorprende a sí misma en ocasiones intentando explicar esa "existencia" de diferentes realidades de un mismo personaje. Como si Super Mario, Spiderman, Sonic, etc. fueran una suerte de actores que se reunen para proporcionarnos una nueva actuación en cada película, juego o cómic, dotando así de "continuidad" a todas y cada una de las publicaciones de una franquicia, por absurdas o poco oficiales que sean. ¿Pero quién iba a decirme que para celebrar el 25 aniversario de las tortugas ninja, los guionistas de la seríe habían pensado algo parecido...? Y es que el argumento del multiverso es muy socorrido ya que permite explicar practicamente cualquier cosa en manos habilidosas. ¿Y si no se trata de las mismas cuatro tortugas? ¿Y si cada equipo perteneciese a un universo diferente? Por supuesto, una vez contestadas afirmativamente estas preguntas, llega la del millón de euros... ¿Qué ocurriría si se cruzasen sus caminos?

Ni más ni menos es lo que podemos encontrar en esta película de animación, hubicada dentro de la cronología de la última serie de animación, pero que sirve como enlace también para la de 1987. Como sucede con este tipo de productos, volvemos a encontrarnos con un capítulo de mayor duracion, ni más ni menos. Por lo que si disfrutamos con la serie, también lo haremos ahora. Sin embargo, pese a que nos hayamos ante 68 minutos bastante entretenidos (siempre que seamos amigos de las series/peículas de animación; seguramente muchísimos adultos ni siquiera se planteen acercarse), el interés no es otro que ver las diferencias entre una serie de animación y otra. Especialmente si ya somos algo talluditos, podremos ver realmente lo inocentes que eramos en los 80, cuando nuestra mayor preocupación era discutir con los compañeros de patio cual de las 4 tortugas encarnaríamos. Si el guión es entretenido (ninguna maravilla, pero que narices, tampoco lo eran los de ambas series, lo importante es divertirse viendolas); la animación tampoco está mal, respetando los diseños y estilos de cada una de las series mencionadas.

En definitiva, una película bastante entretenida, que además hará recordar buenos tiempos a los más mayorcetes de la casa. De obligado visionado para cualquier seguidor de la saga, sobre todo atención al final.

sábado, enero 02, 2010

Solomon Kane

En la Inglaterra del siglo XVI, Solomon Kane es un sanguinario asesino que libra guerras por todo el mundo en nombre de su país. Una maldición demoníaca parece perseguirle desde que saqueó un castillo en el norte de África, así que decide redimirse de sus pecados y consagrarse a la vida espiritual. Sin embargo, cuando unos guerreros capitaneados por un jinete enmascarado asesinan a sus amigos y raptan a su hija, Kane volverá a las armas, convertido en un vengador contra las fuerzas del mal.

¿Cual es el canon que ha de pasar una adaptación cinematográfica para ser considerada como buena? Habrá quien diga que ha de ser fiel a la obra original, un calco si es preciso. Otros defenderán que lo importante es la esencia, pero el director (o guionista) debe arriesgarse e innovar dando su versión. Desde luego, no existe una clave mágica más allá de que la película encandile a cada espectador de forma individual (aquello de que los gustos son como los culos, que cada uno tiene el suyo). Sin embargo, desde aquí siempre hemos defendido que cualquier adaptación es "buena" por el simple hecho de existir.

Maticemos esta idea antes de que legiones de sufridos espectadores que despues de haber visto filmes como The Spirit, Dragones y Mazmorras o así en general la filmografía completa de Uwe Boll se me tiren al cuello.

Nadie puede negar que el cine es posiblemente el medio cultural que goza de mayor difusión (no entraremos a hablar de prestigio) hoy en día. Hollywood busca y rebusca despesperadamente en los cajones del resto de medios de entrentenimiento en busca de un nuevo taquillazo que envíe masivamente a la gente a los cines. Ese rebuscar en los trasteros de los demás, hace que salgan a flote productos (o licencias) de gran calidad largo tiempo olvidadas, o simplemente desconocidas para el gran publico. Esa es la gran ventaja de ser victima de una adaptación a la gran pantalla. Aunque la película sea un bodrio infumable, la resurrección de la obra original es inevitable.

Y por desgracia, este es el único punto positivo del que goza Solomon Kane, personaje desconocido (al menos para este que les escribe) por el hecho de haber nacido a la sombra de su hermano Conan. No, no nos encontramos ante una película de las buenas. Y se trata de una verdadera lástima, porque el personaje tiene una base interesante. Seguramente los relatos originales de Robert E. Howard gocen de una calidad que la película no ha sabido trasmitir. Pero antes de empezar a disparar, demosle un poco de ventaja argumentando que no vamos a hablar sobre una superproducción americana. El filme que nos ocupa es una coproducción entre Francia, la República Checa y el Reino Unido. Así que salvo los fallos de guión, que a fin de cuenta son lo que hacen a una película aburrida o no, el resto de errores que se listarán a continuación, deben ser tenidos en consideración como resultado de un presupuesto, a todas luces, no muy elevado.

Así que cómo comentamos, si bien la película adolece de esa presencia que solo otorgan los billetes de dolar en grandes cantidades y que tan necesaria se antoja para obras de corte fantástico como esta: las localizaciones en exteriores están bien, pero tanto como la figuración y los efectos especiales son bastante pobres. Sin embargo, el gran lastre es culpa del guión. Después de ver la película ningún espectador tendrá duda sobre como era la vida de los peregrinos de la época. O que en Inglaterra llueve mucho desde el siglo XVI por lo menos. Sin embargo, de la historia de Solomon no podemos decir lo mismo. El inicio es claro, Solomon debe cumplir un pacto que jura no haber cometido con el Diablo y entregarle su alma. Esto le empuja a alejarse del mal camino para luego retomarlo por una causa noble. Hasta aqui bien, pero si el planteamiento del filme era esa persecución a la que se iba a ver sometido por las fuerzas del Infierno, se vuelve completamente inexistente. Y los pocos enigmas planteados en torno a ese pacto no reconocido, anuncian su aparición con más de 10 minutos de antelación. Así que bueno, podemos hablar de una película entretenida si te pilla en un buen momento. Nada más.

En definitiva, una película pasable, pero por los pelos y en gran medida a la benevolencia que algunos estamos dispuestos a otorgar dado su origen humilde. Afortunadamente, gracias a una película floja, algunos tenemos conocimiento de la obra original que esperamos comentar más adelante con mejores resultados.