NOS HEMOS MUDADO

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Big Culo Day 2013

Desde nuestro más humilde rinconcito de la red de redes queremos sumarnos a tan fantástica iniciativa por primera vez en nuestra historia (aquellos que no tengan muy claro de qué va la cosa, que visiten el blog del Maestro: El Blog de Jotacé y ya allí les informan). Pero para compensar  nuestra ausencia en anteriores ediciones (seis añazos viendo culos ya... quién diría que esto de las nalgas tendría futuro en internet...) vamos a saltarnos las normas impuestas desde la dirección, que para eso es un evento de culos, y vamos a poner un culo por cada una de las disciplinas que trabajamos en Cazadores de Recompensas.

Culo #1: CÓMIC

Seguramente sea uno de los culos más repetidos en anteriores ediciones del Big Culo Day, pero hablamos de Arthur de Pins, y este señor tiene aquí a un admirador, un amigo, un esclavo, un siervo. No se puede hablar de culos dentro de viñetas sin sacar a las bellezas de este señor.

Culo #2: CINE

Dificil elección, ya que algunos llevamos mamando culos (que expresión más rara, ¿verdad?) en esto del cine desde que éramos unos pipiolos. Al final el premio se lo lleva ella, la gran Natalie Portman. Porque ella se lo merece, porque es guapa, lista, judía y porque le comíamos hasta las uñas de los pies. Porque todos fuimos a ver Closer, cegados por el deseo nada más que por ella (¿o te creías tu que era por la Julia Roberts?). Ah, bueno, y que es una gran actriz... si, eso... por eso también.

Culo #3: VIDEOJUEGOS

Vale, era un delito no sacarla. Posiblemente una de las superheroínas/supervillanas más veteranas en esto del Culo Day. El hecho de que Barman: Arkham City fuera uno de los mejores juegos del 2012 y que el poder manejar a la gata uno de sus mayores alicientes, Selina Kyle se ha ganado el puesto por delante de otros más obvios como Bayonetta o cualquier combatiente femenino de los miles de juegos de lucha que existen.

Y hasta aquí el podio de los vencedores, cada uno en su respectiva categoría. Tres culos hermosos que seguro que nos han alejado de la realidad en más de una ocasión. Y si, desgraciadamente, tres culos femeninos, pues este que les escribe tiene el problema de ser un hombre. Pero que no se preocupen mis seguidoras, que no quiero despedirme de ellas sin dejarles un culo de regalo. Para ellas va el culo extra de este año.

Culo #4: EXTRA (para ellas)

Puedo escuchar el mar

Rikako Muto es una estudiante de Tokio que acaba de ser trasladada a uno de los institutos de Kochi, una ciudad costera alejada de la capital. Es guapa, inteligente, buena en los estudios y en los deportes. Pero, sin que se sepa por qué motivo, no consigue adaptarse a la vida social de la escuela. A ese mismo instituto acuden Taku Morisaki y Yukata Matsuno, dos grandes amigos de toda la vida. Algo ocurrirá cuando el primero de los dos comience a fijarse visiblemente en la joven recién llegada.

En un catálogo tan amplio como el de Studio Ghibli, muchos son los títulos que vienen a la cabeza cuando se intentan enumerar una a una las producciones de la compañía. Sin embargo, quedan en último lugar, por norma general, algunos rezagados que sólo los más avispados logran poner en pie. ¿Es debido esto a una falta de calidad? Bueno. Está claro que hay películas y películas. Pero ya hemos comentado en varias ocasiones que incluso la peor obra de Ghibli, queda bastante por encima que cualquier otra en su género. Algo que sólo ocurre en Occidente con PIXAR.

No, la respuesta a este tipo de pesquisas suele venir de la mano de la publicidad. Esa extraña disciplina, tan cercana y tan desconocida a la vez que dictamina quien se queda y quién se va en nuestra sociedad globalizada (y si no, que se lo cuenten al vídeo Beta). Es un hecho que la totalidad de las cintas del estudio han arrasado en su país de origen, pero lo que llega a nuestras costas, es harina de otro costal. Y los señores que deciden invertir su dinero en una película del calibre de El viaje de Chihiro o La Princesa Mononoke (de las pocas que recuerdo estrenarse en salas de cine comerciales) ya se encargarán de que el filme llegue a nuestro conocimiento. Pero los productos "menores", que se importan porque vienen con un nombre detrás que hace que tengan su pequeño público, pasan mucho más desapercibidos ante el ojo profano. Si además añadimos que esta Puedo escuchar el mar ya en japón contó con un circuito de distribución "inferior" al de sus hermanas mayores (la película fue producida directamente para el mercado televisivo) quizás quede claro por qué es una de las últimas en las quinielas de Studio Ghibli.

No por ello se trata de una mala película. Es cierto que no alcanza calidad (especialmente a nivel argumental) de otras obras. Pero mantiene el tipo de forma más que digna. El objetivo de la cinta era el dar a los nuevos talentos la oportunidad de promocionarse. Y hay que reconocer que estos jóvenes nipones han hecho su mejor esfuerzo. Puede que por tratarse de un equipo de desarrollo de determinada edad, les haya quedado una historia muy de "instituto". Pero la verdad es que sin enamorar, la trama entretiene con soltura. Además, nos encontramos con poco más de una hora de metraje por lo que no tendremos ocasión de aburrirnos. La animación es muy correcta y los personajes resultan atractivos (obviamente, quien nos tiene que caer mal, lo hace desde primera hora) y seguramente conectemos con uno u otro recordando nuestros días de juventud.

Quizás a alguien que haya prestado más atención a la película no le resulte extraño, pero el título no acaba de convencer hasta el punto de que al término de la misma más de uno se preguntará donde está el mar que se menciona y no aparece. Se podría llegar a pensar que hemos sido víctimas una vez más de una mala traducción. Pero no es así, la película contó con dos títulos en su distribución internacional: Ocean Waves en países de habla inglesa y Puedo escuchar el mar es el que le pusieron sus seguidores por ser una traducción literal del nombre japonés. Así que en este caso contamos con una mayor precisión que los anglohablantes. No, el título es y seguirá siendo un misterio. Al menos para éste que les escribe.

En resumen, una película entretenida, sin pretensiones. De marcado corte costumbrista. Recomendada sólo para los incondicionales del estudio nipón. El resto, bueno, pueden acercarse sin miedo. 

Porco Rosso

Período de entreguerras. Marco Pagot es un experimentado piloto militar italiano que, después de ver a un compañero morir en una batalla, cae víctima de un extraño hechizo que le hace tener apariencia de cerdo. Debido a esto y a que el hidroavión que pilota es de color carmín, toma el nombre de Porco Rosso; convirtiéndose en un conocido cazarrecompensas. A Porco le encanta frustrar los intentos de pillaje de las bandas de piratas que surcan los cielos de la costa del mar Adriático. Los piratas, cansados del boicot de Porco, deciden contraatacar contratando a un aventurero estadounidense cuyo objetivo es acabar con el as del aire.

Por todos es sabido que los nombres Miyazaki y Ghibli están unidos de la mano irremediablemente. Recientemente comentábamos que como era lógico en una filmografía de más de veinte películas, no todas podían ser maravillas. Es ley natural. Pero, ¿se trata de una ley para todos? ¿O quizás Hayao Miyazaki está exento de cumplirla? Porque resulta innegable que todas y cada una de sus películas se encuentran por encima de la media. ¿Cuál es el secreto?

Se trata de una pregunta de difícil respuesta. Pudiera ser que repite una serie de elementos, una especie de fórmula secreta para el éxito que sólo el conoce. Pero... ¿no tratan todas sus películas temas diferentes? Salvo cuatro pinceladas ya comentadas en estas páginas, poco o nada tienen que ver unas con otras. No, realmente no me siento capaz de discernir por qué este nipón de 71 años parece no encontrar rival. Incluso en una película como esta, de temática tan especializada (no sólo hablamos de aviones, sino de hidroaviones; hidroaviones de entreguerras) logra cautivar a un público tan amplio. No hablamos de una película infantil que cautiva también a los adultos, por lo que en principio cuenta con un público objetivo tan amplio. A saber lo que dirán en Japón, pero aquí en España es de sobras conocida la expresión "cuando los cerdos vuelen"... ¿En qué estaría pensando este señor al plantear Porco Rosso? ¿Será esa precisamente la genialidad tan buscada?

Defender la película sería ya redundar otra vez sobre lo mismo. Que buenos que son los del Studio. Que grande que es Miyazaki. Que carisma tienen los personajes. Que animación tan entrañable. Que música tan deliciosa. ¿Para que entrar otra vez en lo mismo? Ya sabemos que cuando compañía y director unen fuerzas, nos encontramos ante una cinta de obligado visionado. Lo mismo de siempre pero con otra historia. Y lo más curioso de todo es que inicialmente no se trataba de un proyecto destinado a acabar en cines. Se trataba de un producto pensado para ser proyectado en vuelos de aerolíneas. Pero ya se sabe, cuando las cosas funcionan, crecen solas.

Hay algo que se le puede reprochar a este Porco Rosso, que la película se acaba. Y no nos estamos refiriendo al tópico en plan "es tan genial que da pena de que termine". No. La cinta va avanzando lentamente hasta engancharnos por completo y cuando nos acaba de sujetar sin posibilidad de escapatoria... Se termina. Falta media hora (el filme ronda los 90  minutos) que ha desaparecido sin más. No es que la película no haya llegado intacta hasta nuestros días, es que está pensada para acabar en lo mejor. No seré yo quién se lo discuta al Sr. Miyazaki.  Pero ahí si que hemos patinado, ¿verdad? Esto no lo digo yo. Se trata de la única producción de Studio Ghibli que sigue vertiendo ríos de tinta en internet sobre la posibilidad de una secuela. Y aunque nadie sepa qué ocurrirá en el futuro (lo más probable es que sean sólo rumores) Porco Rosso: The Last Sortie (Porco Rosso: La Última Salida) sigue estando en las listas de deseos de miles de seguidores que no tienen muy claro por qué, pero adoran el filme.

En resumen, como siempre, una película de animación de altísima calidad. Recomendada para todos pero especialmente como ya es tradición a los seguidores de Ghibli y, aquí vamos a sorprender, los amantes de la aeronautica y la aviación. Se van a hartar de avioncitos.

Recuerdos del ayer

Taeko Okajima es una joven de veintisiete años que pide permiso de vacaciones para poder regresar a su casa de Yamagata, el pueblo de su cuñada, y donde guarda tiernos momentos. En el transcurso del viaje a la granja donde pasa se queda en esos días de descanso y su posterior estancia en la misma, Taeko irá recordando su pasado en el colegio, mientras vive intensamente su presente, sin saber muy bien qué hacer con su vida. Una propuesta por sorpresa terminará por poner patas arriba el frágil mundo de Taeko.

Quién no ha paseado, en solitario por algún lugar que ya creía perdido en la memoria  para sorprenderse a sí mismo, recordando momentos de una niñez que desafortunadamente ya no volverá. Con esta premisa Studio Ghibli vuelve a dar un nuevo giro de tuerca a sus producciones presentándonos una rara avis dentro de su catálogo.

Y es que en no pocas ocasiones en esta retrospectiva que estamos haciendo del Estudio hemos mencionado que un elemento clave en sus obras es la fantasía. Con los dedos de una mano podemos contar aquellas que no presenten algún tipo de elemento de cuento o de mundos más allá de nuestra realidad. Incluso en La tumba de las luciérnagas, a pesar de su crudeza, la historia está llevada de un modo más clásico, podríamos decir. Pero en ésta Recuerdos del ayer Studio Ghibli muestra su lado más costumbrista. Casi de cine independiente (si es que un calificativo semejante se puede aplicar a las películas de animación). En esta ocasión, la trama tiene como objetivo a un público claramente adulto y femenino.

Muchas cosas se pueden contar ahora para justificarla como una cinta a tener en cuenta. Sin embargo, sería de justicia afirmar que no todo el monte es orégano y que incluso los grandes tienen momentos donde la gloria se escapa entre los dedos. Recuerdos del ayer es una buena película. Pero el listón se encuentra tan alto que pasa desapercibida (llegando incluso a resultar pesada en algunos momentos, precisamente debido a su temática) entre el abultado catálogo de genialidades de la compañía. Dicho esto, es mi deber recalcar que todo seguidor de Ghibli o del cine de animación japonés debe sentarse delante de la historia de Taeko. El bloque de los recuerdos, donde vemos a la pequeña Taeko en el colegio, si pasa por el listón de lo que estamos acostumbrados. Estos japoneses usan la ternura (como no me cansaré de repetir) para comprarnos a base de dibujarnos tímidas sonrisas de complicidad con los protagonistas. 

Harina de otro costal es la sección dedicada a la Taeko adulta en la granja. Y a la vez, por extraño que pueda parecer, es el motivo más importante por el que el amante de la animación debe prestar atención a esta parte de la cinta. Al contrario de lo que sucede por norma, los diálogos se grabaron previos a la animación, de esta forma los animadores lograron una sincronía perfecta (en japones, huelga decirlo) de los personajes con sus diálogos. Esto les permitió conseguir expresiones faciales más realistas, pero aquí es donde la magia desaparece. Y es que en esta casa somos partidarios de que la animación no debe buscar el realismo, si no la caricatura. Y en esta ocasión en dibujo se antoja por momentos en algo poco agradable a la vista. A pesar de todo, el conjunto, aunque pueda resultar lento en algunas partes (sobre todo hacia el final) queda por encima del aprobado con suficiente nota, pero sabiendo de lo que son capaces por aquí, es de recibo no subirla demasiado a la espera de que vuelvan a sorprendernos como hicieron antaño.

En resumen, una película correcta. Dulce por algunos momentos, pesada por otros. Recomendada sólo si queréis conocer al completo la filmografía de Studio Ghibli.

Nicky, la aprendiz de bruja

Por tradición, las brujas, al cumplir los 13 años, deben abandonar la casa de los padres y buscar una ciudad donde sus servicios sean requeridos para quedarse allí durante algún tiempo. De esta manera, Nicky, comenzará el camino que la llevará a convertirse definitivamente en una bruja adulta. Para ello partirá junto a su amigo Jiji, un gato negro muy parlanchín, montada en su escoba voladora. Su viaje iniciático la llevará a instalarse en una ciudad marítima donde comenzará a conocer el mundo y a sí misma. Grandes amigos como Tombo y Osono la ayudarán en el camino.

¿Como afronta un creador el reto de superarse a sí mismo? Sobre todo cuando el reconocimiento llega una y otra vez con más fuerza. ¿De donde se saca la creatividad para no volver sobre los mismos pasos y buscar un nuevo camino por el que marchar en busca de nuevas vistas? Hayao Miyazaki parece ser una de esas personas dotadas del don eterno de la imaginación. Bueno, quizás se le acabe algún día, pero de momento el Maestro ha conseguido mantener el listón por las nubes sin repetir palo de la baraja. 

¿Quiere decir esto que Nicky, la aprendiz de bruja es mejor que la imbatible Mi vecino Totoro? Ni muchísimo menos. Pero donde otros dan una de cal y una de arena, Miyazaki siempre da cal (o arena, no recuerdo cual de las dos era la buena). A lo mejor no todas sus películas llevan la etiqueta de obra maestra, es algo inevitable. Pero la peor de sus películas consigue quedar a varios cuerpos de distancia por delante del resto de competidores. Este es el caso de Nicky. Un filme que en otras manos hubiera resultado mediocre; en manos del Maestro y su estudio consigue encandilar a los espectadores una vez más. Tal vez no soporte estoicamente un segundo visionado. Es posible. Pero de primeras dudo mucho que despierte algún sentimiento negativo en aquel que la vea.

Aquí se vuelven a conjugar con acierto todos los elementos característicos de Ghibli (aeronáutica, bosques, protagonista femenina de relativa corta edad, amigo masculino que la ayudará en su camino...) dando como resultado un conjunto, una vez más, cargado de ternura y cariño sin caer en la ñoñería (del latín ñoñerum: aquello que empalaga hasta decir basta) fácil en la que la mayoría suele tropezar una y otra vez para ganarse espectadores "cultos". Es verdad que el listón quedaba muy alto después del doble mortal que fueron La tumba de las luciérnagas y Mi vecino Totoro. Pero los personajes, una vez más vuelven a conectar con nosotros desde primera hora haciéndonos reír cuando son felices y entristecernos cuando pasan por malos momentos.

Una vez más queda patente también que en este país (al menos de momento) todavía no somos amigos de confianza del cuidar el mimo y los detalles (como ocurre de manera envidiable fuera de nuestras fronteras). Y es que por enésima vez (y parece que de nuevo para no pervertir a las mentes más inocentes de nuestros hogares) volvemos a ser víctimas de los cambios en el doblaje. Y es que el verdadero título del filme vendría a ser como El servicio de reparto de Kiki. Con el cual la película gana mayor sentido, pero... Si, han oído bien: KIKI. ¿No se ha desmayado ninguna señora en el fondo de la sala? Menos mal, prometemos no volver a pronunciar semejante palabro. El experimento no molestaría en exceso si no fuera porque queda raro llamar durante toda la historia Nicky a una niña para que después la jodía (me van a perdonar, pero hoy estoy de un basto que asusto, ¿verdad?) le plante un letrero la mar de hermoso a su negocio donde pone... si, efectivamente: K-I-K-I. Perdón, señora. Afortunadamente este es de los pocos cambios que han permanecido en la edición actual para el mercado doméstico. La mayoría de las barbaridades que se hicieron en su día han sido eliminadas para esta nueva edición.

En resumen, poco se puede decir ya para sonar medianamente objetivo. Nicky es una película de Ghibli, y con eso ya bastará a muchos. Los que no se hayan atrevido, que le den una oportunidad. Mal no lo van a pasar. Palabra de boy-scout. 

Mi vecino Totoro

Un profesor universitario se traslada junto a sus dos hijas a una casa cerca del bosque mientras su mujer se recupera de tuberculosis en un sanatorio rural. Sus hijas descubren la existencia de "los duendecillos del polvo", de este modo aprenden que hay seres que no todos pueden ver, como los espíritus del bosque, solamente aquellos de corazón puro. Mei, de cuatro años de edad, queda fascinada a encontrar a dos pequeños seres y se determina a encontrar al rey del bosque: Totoro.

¿Puede una obra alcanzar el éxito gracias a uno sólo de sus personajes? Seguramente la respuesta sea sí. Aunque es algo que realmente debemos de responder cada uno de nosotros de manera individual. Sin embargo, el hecho de que cuando hablamos de Studio Ghibli la primera palabra que nos venga a la mente sea, Totoro; nos indica hasta que punto la afirmación puede ser cierta.

Si tenemos que seleccionar una sola de las películas del estudio japonés como máximo referente de su obra, pocas personas se opondrían a que Mi vecino Totoro se alzase con el puesto. Creo que es algo muy a tener en cuenta dado que ni siquiera en factorías como Disney o PIXAR nos lanzaríamos tan rápidamente a mencionar una única respuesta. No, Totoro tiene algo. Algo que trasciende la calidad del filme (algo en lo que ahondaremos en unas líneas). Quizás sea por que se trata de la personificación de lo entrañable. Porque cada vez que aparece nos hace reír. Porque impone el respeto justo. Sea cual fuere el motivo, todos deseamos volver a nuestra infancia para poder encontrarlo y pasar un día con él.

La película tal vez sea una de las que tiene un argumento y un tratamiento de los más simples de toda la trayectoria de Miyazaki y del estudio. Sin embargo, en varias ocasiones hemos mencionado que el adjetivo más justo a la hora de calificar la obra de Ghibli es la ternura. Y aquí la tenemos para dar y regalar. Aquél que haga oídos sordos a lo que Hayao Miyazaki tiene que contar aquí puede ser calificado de insensible sin temor a represalias. La historia es azucarada y bonita hasta decir basta. Y posiblemente como ya hemos mencionado el mérito de esto sean los personajes (ahora no sólo le cedo el mérito al rey del bosque). Desde unas niñas adorables, hasta un padre despistado pero que derrocha amor hacia sus hijas, pasando por una madre en pleno esfuerzo por disimular su enfermedad, pasando por toda la cartera de secundarios (humanos o no). Todos y cada uno de ellos conecta con nosotros desde el primer segundo. Y lo más curioso, no hay más antagonista en la historia que la enfermedad de la madre. Es decir, nadie representa el papel del villano. Aún así, la trama avanza rápidamente hasta el final de la película sin que el espectador tenga momento para el aburrimiento.

En este filme (al igual que ocurría con La Tumba de las Luciérnagas) el estilo de la compañía está más que asentado. Curiosamente no ocurre lo mismo con la música de las cintas. Pese a que desde la primera película, la banda sonora siempre ha tenido un papel correcto es en La Tumba de las Luciérnagas y especialmente en esta Mi vecino Totoro (no obstante ambas se estrenaron a la par) donde parece que finalmente el estilo musical termina por definirse. Y precisamente ya que hablamos de ambas películas, no se puede tachar del ser pesado el volver a recalcar que ambas son las dos caras de la misma moneda. Presentando a la inocencia infantil como leiv motif la primera nos mantiene con el corazón encogido durante toda la historia (raro es el momento en el que nos alegramos) mientras que en Totoro no queda sitio para la tristeza, todo es alegría incontenida.

En resumen, la Obra Magna de Studio Ghibli se encuentra ante ustedes. La verdad es que me resulta imposible recomendar sólo una película de los nipones, pero si por alguna extraña razón, se ven en la obligación de elegir sólo una, ésta debe ser su elección. Los demás busquen el hueco cuando les venga bien, pero todos tienen que sentarse a compartir esta hora y media con Totoro.

La tumba de las luciernagas

El 21 de septiembre de 1945, un indigente adolescente de 14 años agoniza en una estación de tren. Al morir de inanición, su espíritu empieza a recordar los sucesos anteriores a su muerte. Nos encontramos en el Japón de finales de la Segunda Guerra Mundial; la aviación estadounidense somete las ciudades japonesas a continuos ataques aéreos. En uno de los bombardeos, la ciudad de Köbe se convierte en un infierno humeante para Seita, nuestro protagonista y su hermana pequeña Setsuko, de 5 años, hijos de un oficial de la marina japonesa. Durante la guerra, ambos viven con su madre, pero tras un bombardeo ellos se retrasan y no consiguen llegar al búnker donde los espera. Cuando la buscan, Seita la encuentra muy malherida en la escuela que ha sido convertida en hospital de campaña. Pero cuando poco después su madre muere, los dos hermanos deben alojarse con sus tíos, quienes no los reciben con agrado. Así que los dos hermanos terminarán por irse a vivir por su cuenta a un refugio antiaéreo abandonado. Pero aunque allí pueden vivir con mayor desahogo y sin suponer un estorbo para nadie, las cosas no les van mejor: la comida escasea, no pueden esperar ningún tipo de ayuda; y lo que es peor, los estragos de la desnutrición cada vez son más visibles en la pequeña Satsuko.

Aunque podemos afirmar que se trata de una tendencia cambiante, aún son muchos los espectadores de cine que afirman sin tapujos que el cine de animación (sí, eso que en casa conocemos desde chicos como "dibujitos animados") no deja de ser más que un producto claramente enfocado a un público infantil. Afortunadamente contamos en la industria con artistas dispuestos a hacernos cambiar de opinión golpeándonos en la cara con la mano abierta.

Y es que cuando La Tumba de las Luciérnagas se proyecta en cines lo más que la gente esperaba del cine de animación eran cuentos infantiles o aventuras juveniles (las películas previas del estudio son una buena muestra de ello). Incluso si queremos ahondar más el dedo en la llaga, el filme que nos ocupa se presentó a la par que Mi vecino Totoro, posiblemente una de las más azucaradas de Ghibli. Precisamente fue este estreno doble el que favoreció a la película del duende del bosque dejando de lado a esa extraña película de dibujos que ni siquiera el más fuerte de los adultos podía ver sin que se le encogiera el corazón.

Porque eso es lo que ocurre cuando vemos esta película. Da igual que no seamos cercanos a la animación, o que estemos más que acostumbrados a ver todo lo que puede dar de sí. Este filme te deja con el aliento contenido desde el primer minuto, deseando que llegue un final que en el fondo sabemos que nunca llegará. Precisamente porque la historia la escriben los vencedores, y pocas veces tenemos la ocasión de ver las cosas desde el punto de vista de aquellos que perdieron, independientemente de quién tuviera la culpa en un principio. Y todos sabemos quienes son los primeros en perder siempre en uno y otro bando. Aquellos que son la inocencia personificada: los niños. En un ejercicio de masoquismo, la película nos daña en el corazón una y otra vez. Y lo aguantamos estoicamente porque sabemos que es lo que ocurrió de verdad; y sigue ocurriendo a día de hoy. Y por una extraña razón, no somos capaces de hacer oídos sordos como en otras ocasiones hacemos cuando vemos las noticias. Porque desde el inicio, el valiente Seita y la adorable Satsuko se aferran a nuestro pecho como se aferran el uno al otro por sobrevivir.Y todo con la ternura propia de Studio Ghibli, porque quizás esa sea el plato de la casa: la ternura. Independientemente del corte de la cinta que veamos, el cariño que desprende se nos antoja abrumador.

No, los dibujos animados demuestran ser un medio tan válido como cualquier otro para expresar todo tipo de temas. Inolvidable experiencia tuvo que ser, allá por el 88, poder ver el lado más tierno de Ghibli junto a la experiencia más desgarradora. Y poder salir de esa sala de cine con argumentos desde primera hora para cerrarle la boca al más pintado que dice que los dibujitos son para los niños. Efectivamente tras ver esta película, queda demostrado que son para los más pequeños. Pero para gritar a viva voz y con un estilo digno del mejor de los gustos, que son ellos los más necesitados en las peores situaciones y que muchas veces olvidamos la importancia que hay que darles. No se trata de donde, cuando y en que lado de la pelea se desarrolla la historia. Lo importante son sus protagonistas. Y los protagonistas de en estas situaciones no lucen medallas ni vuelven a casa arropados por el cariño de una nación.

En resumen un peliculón de los pies a la cabeza. Desgraciadamente aún sigue sin el reconocimiento que se merece por ser una película de animación. Una parte de mí cree firmemente que es un filme que todo el mundo tendría que ver al menos una vez en la vida. Pero quizás, no todos estemos preparados para mirar al interior de La Tumba de las Luciérnagas...

Lincoln

En 1865, mientras la Guerra Civil Americana se acerca a su fin, el presidente Abraham Lincoln propone la instauración de una enmienda que prohíba la esclavitud en los Estados Unidos. Sin embargo, esto presenta un gran dilema: si la paz llega antes de que se acepte la enmienda, el Sur tendrá poder para rechazarla y mantener la esclavitud; si la paz llega después, cientos de personas seguirán muriendo en el frente. En una carrera contrarreloj para conseguir los votos necesarios, Lincoln se enfrenta a la mayor crisis de conciencia de su vida.

Veamos... Una película, ¿vale? Basada en un momento histórico de los Estados Unidos de Norteamérica. Voy más allá. Una película basada en un momento histórico y político de los ya mencionados EE.UU. Y además, contado a través de la figura de un americano. Uno de los americanos más importantes de la historia de donde ya dijimos. Y además, está dirigida, escrita, producida, rodada e interpretada por americanos... correcto. Y se ha hecho para venderla en todo el mundo pero principalmente a... si exacto, a los americanos. ¿De verdad hay alguien que se permite el lujo de calificarla de americanada? ¿Qué esperaban? ¿Una película sobre flamenco y toros?

Si señores, Lincoln era americano y en esta película la bandera de las barras y estrellas está presente (como también lo está la cruz estrellada sobre fondo rojo de los Estados Confederados), es algo tan inevitable como que cuando Spiderman suba a lo alto del Empire State se la encuentre entre paloma y paloma. ¿Acaso importa eso en el mundo globalizado en que vivimos? Sólo si somos lo suficientemente cerrados de mente para no ser capaces de ver las cosas como son realmente en lugar de una amenaza a nuestro "enterismo" (lo siento, le voy a coger prestado el término a los chicos de #ElMundoEsNuestro, ¿una "españolada", tal vez?).

No. Lincoln es cine. Cine con mayúsculas. Y lo es por muchos motivos. Tal vez lo que se cuenta puede que a muchos ni nos vaya ni nos venga. Y cuidado que aquí en esta casa somos defensores de la importancia de lo qué se cuenta sobre el cómo se cuenta. Pero en ocasiones, la historia está tan bien llevada, que quienes lo hacen son capaces de lanzar a lo más alto ese interés por algo que de un primer vistazo no hubiera captado nuestra atención. Por eso desde ya no puedo hacer sino recomendar que todo el mundo le dé una oportunidad (no importa cuando) a está película. Pocos serán los que se vean decepcionados.

Sin desmerecer el trabajo de todo el equipo de la película, que son los que realmente hacen posible el resultado final, me veo en la obligación de centrarme en dos nombres propios: Daniel-Day Lewis y Steven Spielberg. Son aquellos que desmarcan lo que de otra forma sería una buena película a ser una película de Oscar (yo no la llevaría al altar de Obra Maestra, pero bueno, quedarse cerca tampoco es malo). No se si el director se llevará la preciada estatuilla. Desde hace muchos años se viene diciendo en ciertos círculos que Spielberg ya no es Spielberg, comentario con el que me siento en consonancia. ¿Significa esto que este señor se ha vuelto malo con los años? Ni muchísimo menos, pero lo que es innegable es que cualquiera que haya visto sus películas, sabe de lo que es capaz. De cotas que hace mucho que no alcanza. Con Lincoln he visto algo de eso. El Rey Midas que todos recordamos sigue ahí. Quizás ya no convierta en oro todo lo que toca, pero si es capaz de dar un brillo dorado especial a sus creaciones cuando de verdad se lo propone. Y es que pese a que a veces lo critiquemos, los que de verdad lo queremos por lo que ha hecho, reconocemos que pocos saben coger la cámara como él lo hace.

Y de dorado, y de estatuillas, puedo asegurar que Lincoln, (y hablo del personaje, porque el actor desaparece para convertirse en el mismísimo Presidente) se va a volver cargadito a su casa, blanca o no. Es lo que por aquí denominamos, "hacer un papelón" (algunos más brutos dirían algo como "salirse de la pelleja" estimen ustedes lo oportuno de comentario o no). La postura, el timbre de voz, el tono, la mirada, todo está clavado. No, yo tampoco conozco en persona al Presidente Lincoln, pero puedo asegurarles que no me lo imaginaba de otra forma. Y por favor les pido, sepan recompensar el arduo esfuerzo del interprete yendo a ver el filme en versión original, les saldrá más barato y les merecerá la pena, se lo aseguro (aunque reconozco que es algo que cuesta en este país).

Por debajo de la genialidad, todos los demás mantienen el tipo como campeones, dando como resultado un conjunto perfecto. Es verdad que el hecho de que sea una "americanada" (ea, ya lo he dicho) hace que en algún momento el espectador no nacido al otro lado del charco pueda perderse por falta de conocimiento previo de Historia yankee (especialmente en las escenas iniciales donde se enumeran un sinfín de senadores, leyes, estados y decretos), pero todo en esta vida pasa y en cuanto nos sumerjamos en la trama no podremos reprimir la emoción y la tensión en los momentos finales, a pesar de que ya sepamos como termina la cosa. Especialmente no puedo evitar aplaudir al responsable decidir cómo tratar la el final del querido presidente. Algo que uno nunca hubiera esperado ya que el magnicidio es de los más conocidos de la Historia.

En resumen, un peliculón de los buenos. Que engancha poco a poco y al final no quieres que termine. Las casi dos horas y media que dura se antojan pocas. Recomendada para los amantes del buen cine o de la historia política americana. Los que aborrezcan esto último... bueno, ellos se lo pierden.

El Castillo en el Cielo

Una aeronave se desliza sobre un mar de nubes en una noche de luna llena. Muska, un agente secreto del Gobierno, acompaña a una joven llamada Sheeta. Repentinamente, la nave es atacada por piratas que, al igual que el Gobierno, buscan el secreto de la piedra que Sheeta lleva alrededor del cuello. Se trata de la llave que abrirá las puertas de la Fortaleza Celeste, una isla flotante en medio del cielo creada por una antigua civilización que hace mucho tiempo desapareció del planeta. Pazu, un joven muchacho, se hace amigo de Sheeta, le ayuda a escapar de sus perseguidores y juntos se disponen a resolver el misterio de la Fortaleza. Cuando inicien su viaje, pondrán en marcha una cadena de acontecimientos irreversibles. En este misterioso lugar encontrarán un tesoro mucho más grande que el poder de gobernar el mundo.

Si hace poco hablábamos de que Studio Ghibli consta como el nombre propio más potente en el mundo de la animación japonesa, el de Hayao Miyazaki está unido a fuego a la marca. No obstante se trata del director que más veces ha repetido cargo al frente de las obras de la compañía, además de ser uno de sus fundadores. Seguramente debido a ello, la inmensa mayoría de los filmes tienen una enorme cantidad de elementos comunes. (Algo que ni siquiera monstruos de la animación como Disney han logrado en un margen de tiempo mucho más amplio).

Pese a que Nausicaä del Valle del Viento está considerada la opera prima de Ghibli, realmente es ésta que nos ocupa hoy la primera en ser rodada bajo el sello del estudio. Sin embargo, en aquí empiezan a hacerse ya patentes algunos elementos recurrentes en la obra de Miyazaki (y por lo tanto de Studio Ghibli). Obviando el estilo gráfico (ya pudimos atisbarlo en Nausicaä y ahora ya podemos decir que ha llegado para quedarse) hay una serie de conceptos que se repiten una y otra vez (en mayor o menor grado) sea cual sea la película que escojamos. El primero de ellos es el protagonista femenino (Nausicaä, El viaje de Ghihiro, Mi vecino Totoro, Ponyo en el acantilado, El Castillo Ambulante, Arriety y el mundo de los diminutos...). Generalmente nos encontramos ante una chica, relativamente joven que no tendrá que afrontar su aventura en solitario ya que casi siempre contará con la ayuda de un co-protagonista masculino de su misma edad (Mi vecino Totoro, El viaje de Chihiro). Y es que el concepto de la amistad parece ser un elemento muy fuerte para el director japonés,

La aeronáutica también parece ser elemento recurrente y es que no resulta dificil ver en sus cintas toda una suerte de vehículos para desplazarse por el aire (Nausicaä del Valle del Viento, Porco Rosso), de una u otra forma, los personajes siempre acaban volando en algún momento de la historia. El tercer tema son los castillos, hasta el punto de protagonizar más de un título de la filmografía (El Castillo Ambulante, El Castillo en el Cielo, Nausicaä, El viaje del Chihiro). Y la naturaleza siempre parece estar presente también, de manera habitual en forma de bosque y las criaturas que lo habitan (Mi vecino Totoro, La Princesa Mononoke).

Pero lo más curioso es que absolutamente todos esos elementos (que ya eran visibles en Nausicaä del Valle del Viento) es aqui donde se conjugan con mayor fuerza. Baste con decir que la historia gira en torno a una chica que junto a su amigo lucha por encontrar un castillo construido en torno a un árbol en el cielo, más claro agua. Por todos estos motivos, El Castillo en el Cielo se me antoja de vital importancia a la hora de ser tenida en cuenta por cualquiera que quiera enumerar las obras más fundamentales de Studio Ghibli. Más allá de su calidad individual como película. Que no le falta. Aquí es donde nos encontramos con el cuento. Esa historia cargada de inocencia tan propia de Miyazaki donde el valor y la amistad son el motor que empuja a unos protagonistas que actúan movidos por su buena conciencia. Porque es lo correcto. No se encuentra entre los "grandes" de la fimografía, pero si que consigue destacar con la suficiente fuerza.

Artísticamente quizás el trabajo sea un poco más pobre que en la película previa. Pero aún así está lo suficientemente trabajado para mostrarnos un mundo creíble. Los personajes, especialmente Pazu, conectan con nosotros rápidamente. Aunque no terminan de convencerme los diseños de los piratas, especialmente el de su capitán. No se los conceptos que funcionan o no en Japón, pero aquí una señora mayor (y quiero decir MAYOR), voluptuosa y con dos trenzas rosas me trae a la cabeza ideas bastante desagradables. Al menos estéticamente.

En resumen, una película muy entretenida y bonita. Creo que es una de esas obras que se pueden recomendar a todo el mundo sin excepciones, siempre y cuando no esperen una obra maestra. Prohibida a aquellas mentes inmaduras que vayan a estar riéndose y señalando a la pantalla cada vez que se mencione que el Reino Celeste responde al nombre de Laputa...

Nausicaä del Valle del Viento

1.000 años después de una horrible Guerra Mundial, la humanidad apenas sobrevive a orillas de un bosque contaminado con gases tóxicos e insectos mutantes gigantes, que cubren gran parte de la Tierra. Una situación provocada por dicha guerra. El Valle del Viento es un reinado minúsculo, rodeado de reinos más poderosos y hostiles que suelen tener conflictos entre ellos. Nausicaä es la princesa del Valle y única hija del rey Jihl. Gran piloto y guerrera, es también compasiva y solícita de toda vida. Ella trata de encontrar un sentido al bosque contaminado y se resiste a ver a los insectos como enemigos. La crisis estalla cuando el reino vecino de Tormekia, liderado por su princesa, Lady Kushana, invade el Valle del Viento para intentar revivir a un mortífero Dios Guerrero de la antigüedad con el propósito de triunfar ante sus enemigos y el bosque contaminado. La situación empeorará cuando el reino de Pejite entre en conflicto también.

Seamos amantes del cine de animación o no. Rara es aquella persona que no conoce, al menos de pasada a Totoro. Seguramente la mayoría de quienes son capaces de imaginarlo difusamente en sus mentes no logren siquiera ponerle nombre. Sin embargo, ahí está el icono. Pero este duende de aspecto gatuno, significa algo mucho más grande para el ojo entrenado. Es la inconfundible firma de Studio Ghibli. Cine de animación con MAYÚSCULAS. Pero, ¿cuales fueron los orígenes? ¿Que primeros pasos dieron aquellos que hoy se consideran los mejores en su trabajo?

Cuando la compañía de animación aún ni siquiera existía como tal, un grupo de nipones amantes de eso que nuestros padres siempre han llamado "dibujitos animados" buscaban alcanzar un sueño. El de fundar una empresa que se dedicara a producir películas animadas. Al frente de estos soñadores, Hayao Miyazaki, al que hoy en día calificarlo de Maestro es quedarse corto. La cuestión es que en los ochenta se encontraron con el mismo problema que existe hoy en día: para lograr financiación los inversores querían ver al menos un trabajo previo. Y nadie estaba dispuesto a soltar un duro (que se dice comúnmente) en un proyecto que no estuviera basado en un manga. Ya sabemos como son estos japoneses (rara es la vez que no podemos encontrar la misma obra en papel y celuloide). Afortunadamente, Miyazaki ya llevaba años trabajando en algo. La cosa debió cuajar si estamos hablando de esto hoy. 

De la versión impresa de Nausicaä no vamos a hablar (al menos de momento). Hoy el protagonismo se lo lleva la película. Siempre resulta muy divertido comprobar como todas las obras son deudoras de su tiempo. En este caso el chivatazo nos lo da el sonido, con unos efectos casi idénticos al que hacían personajes de Bola de Dragón o Caballeros del Zodiaco. Cosas del anime. No se preocupen, aquellos con más de 30 años sabrán a qué me refiero. 

Pero más allá de la anécdota, se pueden decir muchas más cosas del filme. De lo más general a lo más concreto, el ritmo resulta un poco lento (para que vean hasta que punto, la película fue recortada 30 minutos en su primera distribución en EEUU) y además cuesta pillarle bastante el hilo al asunto. En este último aspecto concreto recuerda bastante a casos como el de Akira donde uno se siente bastante perdido durante el metraje, como si los personajes nos llevaran de un lugar a otro sin decirnos qué es eso que ocurre y que todo el mundo conoce menos nosotros. Fallo, a mi entender, como consecuencia del trasvase de información del guión del tebeo al guión de la película. Un goteo de información perdido por el camino, que si bien no es imprescindible para el buen desarrollo de la trama, si se antoja bastante importante (en algunos momentos el espectador mira a su compañero de butaca como si se hubiera quedado dormido unos segundos críticos) para la correcta comprensión de la misma. Que le vamos a hacer, consecuencias de tener que contar lo mismo en solo un par de horas.

La animación, sin ser sobresaliente (Ghibli nos ha acostumbrado a la excelencia) ya apunta maneras sin quedarse muy lejos de lo que aún queda por venir. Y los personajes ya tienen ese inconfundible "toque" que aquellos que disfrutamos con las películas del estudio, ya reconocemos con tan solo ver un par de fotogramas. Sin embargo, aquellos que sólo hayan visto los filmes más populares (Mi vecino Totoro, El viaje de Chihiro por poner las primeras que vienen a mi mente) y que erróneamente puedan pensar que las obras de estos japoneses siempre son de corte más infantil o azucarado, se sorprenderán al encontrar una obra más adulta con mucha más acción (aunque sin llegar al extremo de La Princesa Mononoke). Los personajes están todos correctos, aunque ninguno llega a calarnos tan hondo como sí lo harán futuros protagonistas. Ni siquiera la propia Nausicaä, a pesar de estar bien construida (se pierde algo de ese "don" que se comenta de pasada que tiene y queda mucho más aclarado en el manga) llega a conseguir que nos emocionemos en los momentos álgidos de la cinta.

En cuanto a la edición en castellano, poco podemos decir ya que ahora mismo se trata de un producto difícil de encontrar. Sony la editó en Blu-Ray como parte de la Studio Ghibli Collection, pero los derechos posteriormente pasaron a Aurum que de momento no se ha animado a reeditarla. Así que de momento, queda el mercado de segunda mano para aquellos que quieran hacerse con ella.

En resumen un producto muy correcto. Por encima de cualquier opera prima de animación, que ya deja entrever la colección de joyas que llegarían con el tiempo. Posiblemente a tener en cuenta más sobre el papel. Aún así una vision obligada para todos los amantes del cine de Hayao Miyazaki o de Studio Ghibli.

Transformers: Infiltration

Están entre nosotros. Aquí, ahora. Han estado en la Tierra por más de dos años. La población ha ignorado su presencia o sus terribles intenciones. Una fuerza de avance de mecanoides alienígenas, en formas diseñadas para imitar los vehículos locales de transporte, aparatos de comunicación y armamento, promoviendo la puesta en marcha de un plan de asombrosas proporciones. 
La fugitiva Verity Carlo ha adquirido una palm, pero el "vendedor" de quién la ha robado es más de lo que parece. Ahora, ella y el seguidor de la teoría de la conspiración, Hunter O'Nion han sido perseguidos por una unidad Decepticon de infiltración, y su única esperanza de sobrevivir yace en el Autobot médico Ratchet.

Ha pasado tiempo. Tal vez demasiado. Una afirmación muy adecuada para este que les escribe. Y para aquello sobre lo que escribe. Ha pasado prácticamente un año desde la última actualización de este blog. Y tengo sensación de vértigo si me paro a pensar cuanto tiempo ha transcurrido desde que estos ojos (antaño mucho más inocentes) vieran por última vez a aquellos robots transformables de Hasbro, bien en su versión de animación; bien físicamente siendo modificados por mis propias manos como figuras de acción. Blog, Transformers. Transformers, blog. Buen momento para recuperarlos a ambos, ¿no creen?
Y es que el tiempo no pasa en balde. Y todos sabemos que hay franquicias que envejecen mejor que otras. Lo que nadie pone en duda, es que si una vez dieron dinero, volverán a hacerlo. Sólo hay que dar con el enésimo giro de tuerca que conecte con las generaciones contemporáneas. Y a rodar. Cierto es que los famosos muñequitos han sido protágonistas de una nueva serie de animación tras otra en ese intento de mantener moribunda a una gallina que, sin que haya oro de por medio, casi ni pone huevos. Hollywood, fiel a su cada vez más acuciante carencia de ideas innovadoras también ha probado suerte con los seres venidos de Cybertron, con el consecuente éxito de taquilla, y las imprescindibles malas críticas en los medios. Pero se trata de un inteligente intento en otro medio artístico y de ocio, como es el mundo de los videojuegos, el que reavive mi interés por la serie: Transformers: Guerra por Cybertron del que posiblemente hablemos en un futuro no muy lejano.

El medio más plausible para calmar mis nuevas ansias no era otro que volver a revisionar la serie de animación original (aquella que los entendidos coinciden en llamar Generación 1); tarea que aún no he completado con éxito. Precisamente porque se trata de una serie pensada para los ojos de un niño. No obstante, su único propósito era la de promocionar y dotar de trasfondo a una línea de juguetes. Para los argumentos complejos, ya contabamos con nuestra imaginación. ¿Dónde encontrar esos argumentos de mayor interés que además contaran con los protagonistas causantes de mis inquietudes? La respuesta es sencilla: tebeos. Esa suerte de cajón de sastre donde toda saga con un mínimo de seguidores acaba encontrando la continuidad que le fuera negada en su medio de origen. Pero, los Transformers han pasado por al menos tres editoriales, cada una de las cuales cuenta con su propia línea temporal. ¿Cual elegir?

Como la idea era que esto no se tratase de una moda pasajera como tantas otras, opté por los robots de IDW Publising. Por aquello de que son los que se publican en la actualidad. Sin embargo, no resultó fácil seguirle la pista a lo ya impreso en Estados Unidos (aqui, como es habitual, de momento nada de nada). Ya que el sistema de publicación está basado en una colección de miniseries interconectadas entre si. Esto que puede asustar al lector más casual, se convierte en un gran aliciente para el amante de la caza de la continuidad. Y pese a que lo ideal es leerlo todo por fecha de publicación, intercalando las distintas series conforme se fueron poniendo a la venta (para ayudaros os recomiendo la imprescincible http://comicbookdb.com), aquí hablaremos de cada una de ellas por separado por cuestiones de logística.

Los seis primeros números de la saga (más un numero 0 introductorio publicado con varios meses de antelación) reciben el subtítulo de Infiltration. En esta reinterpretación de la saga, tras arrasar Cybertron, la guerra entre Autobots y Decepticons se ha extendido por toda la galaxia. Un punto bastante interesante que nos permite tener a la centena de robots de uno y otro bando en distintos escenarios de manera coherente. Así nos evitamos esas molestas apariciones de nuevos personajes sin avisar en la serie de animación, o aquellos capítulos de relevancia donde sólo aparecian un puñado de los héroes (siempre pensabamos que los demás estaban de permiso, ¿verdad?). Pero además, permite estructurar la totalidad de las miniseries en torno al argumento, ya que en cada planeta donde se traslada el conflicto, se siguen una serie de fases protocolarias para su conquista (dejando el conflicto directo para miniseries posteriores). La Infiltración es sólo la primera de ellas. Así que de momento, no contamos con un gran números de personajes en el planeta, algo positivo para aquellos con dificultad a la hora de ir haciéndose con los nombres de cada uno de los robots. 

El objetivo de esta entrega, es el de captar el interés. Como pueden ustedes imaginar, las cosas se salen del cauce habitual al meter en la ecuación a los inevitables humanos adolescentes. En esta ocasión el guionista ha logrado que no resulten tan planos como en adaptaciones previas (no, no vamos a entrar a hablar de las películas, ¿verdad que no?) de manera que no molestan al lector, aunque éste dificilmente los hará salir del discreto segundo plano que se merecen al lado de los cybertronianos, auténticos protagonistas. El hecho de que, tras la lectura de los seis números, sepamos que hay más fases (y mucho peores); los giros argumentales de última hora que ponen a la Tierra en el punto de mira de toda la contienda galáctica, los indicios de que al menos hay dos facciones más en juego (ambas representadas por humanos) y algún misterio planteado para dar juego durante varias entregas hacen que el lector se quede con ganas de más. Y eso no siempre ocurre.

Gráficamente la verdad es que el cómic resulta muy agradable a la vista. Más que correctamente dibujado, todos y cada uno de los robots son cláramente reconocibles para el ojo amigo; tanto en su forma de vehículo como de robot. Los humanos y las tan difíciles reacciones faciales también cumplen por encima de la media. Y la narrativa gráfica en su conjunto resulta atractiva. Así que técnicamente nos encontramos ante una obra que cumple sin problemas.

En definitiva, una grata sorpresa si alguno anda buscando historias protagonizadas por los Transformers que tengan algo más de "enjundia" que las protagonizadas en la ya veterana serie de animación. Imprescindible para los fans, recomendable para los curiosos. Si los robots que se convierten en coches no son lo tuyo, aquí no tienes gran cosa que hacer.

Furia Ciega

Furia ciega está protagonizada por Nicolas Cage en el papel de Milton, un delincuente habitual que se escapa de la cárcel en busca de una última oportunidad de redimirse. Decidido a detener a una despiadada secta de fanáticos que asesinó a su hija, tiene tres días para hacerlo antes de que sacrifiquen a su nieta bajo la luna llena. Milton debe encauzar su furia más allá de los límites del hombre para salvar a su último vínculo con la humanidad.

Le acompaña Piper, una joven camarera sexy y lista que "toma prestado" el Muscle Car rojo de su ex novio para ayudar a Milton. Ahora, ambos se encuentran tras la pista del carismático Jonah King y sus seguidores asesinos. King está dispuesto a lanzar a cada uno de sus fieles bajo las ruedas del Black Challenger turbo del 71 de Milton para cumplir su destino e instaurar el infierno en la Tierra.

Sin embargo, la sangrienta secta es el menor de los problemas de Milton. La policía también va tras sus pasos. Y aún peor. Un enigmático asesino conocido simplemente como El Contable hace lo propio. El Contable sabe lo que Milton intenta hacer y no le importa. Con una furia terrible, perversa e hipnótica, El Contable persigue a Milton sin descanso y a una gran velocidad por las carreteras olvidadas del Sur de Estados Unidos.

Impulsados por los octanos y por pura rabia, Milton y Piper deben combatir los ataques de los discípulos de King, vengar a su hija asesinada y salvar a su nieta antes de que se agote su última oportunidad para redimirse.

Seamos sinceros. La película no es buena. Y no lo es por varios motivos. Sin embargo, tiene un gran punto a su favor. Es capaz de no tomarse en serio a sí misma cuando corresponde.

Veamos. Nos encontramos ante una road movie con tintes sobrenaturales. Rodada en 3D (ahora volveremos sobre eso) por lo que nadie debería esperar una trama compleja y profunda. Y además con Nicolas "peluquín" Cage (menos mal que no le dejaron en su día hacer de Superman) a la cabeza del reparto. Y eso tampoco es especialmente bueno. Para colmo, muchos de los efectos digitales rozan el aprobado justito. Tampoco mola eso. Si hemos dicho que la trama no es compleja, también sería de recibo mencionar que es altamente previsible. Y para colmo, la supuesta "sorpresa" sobre el origen de protagonista, se ve venir desde los primeros compases de la historia.

Oye, y sin embargo, este que les escribe se lo ha pasado teta viéndola. Yo aún diría más, no me he aburrido ni siquiera un poquito. ¿Por qué? En primer lugar, porque efectivamente, la película está rodada en 3D, y muy bien rodada, prácticamente toda la película aprovecha las capacidades de la nueva tecnología. Y lo hace con muy buen gusto, huyendo del recurso fácil de lanzar cosas a la cara del protagonista y buscando encuadres con objetos y personajes en distintos términos (o planos) de profundidad. ¡Un minipunto para el equipo de la película! Y lo más importante. Que aunque la trama no pasa del entretenimiento somero, no se complica con florituras. Incluso se guarda algunas escenas para reirse de sí misma al más puro estilo "mira nena, como molo". Más de uno que ha intentado hacer películas similares en serio ha metido la pata. Y en relación a esto me gustaría meter un poco de cuña.

Esta película (obviamente con algún cambio sobre el personaje protagonista) hubiera funcionado de putísima madre (si me perdonan la expresión) como punto de partida para el Motorista Fantasma. Lo digo totalmente en serio. Obviamente no llegaría al nivel de el Batman de Christopher Nolan. Y seguramente no pasaría el listón de las últimas producciones de la Marvel (con la salvedad, quizás de IronMan 2 que también es mala con avaricia). Sin embargo, hubiera dado muchísimo mejor resultado que el despropósito que fue la primera película del cráneo llameante. Señor Cage, a ver si se deja usted caer con algo del estilo a esto para la segunda entrega que ya tienen entre manos.

Muchos defectos y tan solo dos puntos fuertes. Y vive Dios que las virtudes seguramente no puedan soportar la carga de los aspectos negativos en las mentes más críticas. Sin embargo, compensan lo suficiente como para que el resultado final sea medianamente digno, y sobre todo, entretenido. Seguramente no mereciera la pena lo que vale una entrada en salas 3D. Y seguro que no justifica la compra de un carísimo televisor provisto de esta tecnología. Lo que sí es seguro es que con el tiempo, cuando todos los televisores incorporen las dichosas gafas (o no), si que se trata de una opción muy a tener en cuenta para ver con los amigos.

En definitiva, un producto bastante entretenido pero que en sí mismo no posee ninguna cualidad que justifique un desembolso de dinero. Yo la recomendaría a más de uno.

Juego de Tronos

Tras el largo verano, el invierno se acerca a los Siete Reinos. Lord Eddar Stark, señor de Invernalia, deja sus dominios para unirse a la corte de su amigo el rey Robert Baratheon, llamado el Usurpador, hombre díscolo y otrora guerrero audaz cuyas mayores aficiones son comer, beber y engendrar bastardos. Eddar Stark ocupará el cargo de Mano del Rey e intentará desentrañar una maraña de intrigas que pondrá en peligro su vida y la de todos los suyos.

En un mundo cuyas estaciones pueden durar decenios y en el que retazos de una magia inmemorial y olvidada surgen en los rincones más sombríos y maravillosos, la traición y la lealtad, la compasión y la sed de venganza, el amor y el poder hacen del juego de tronos una poderosa trampa que atrapará en sus fauces a los personajes... y al lector.

No le hace justicia. Y cuidado, se trata de la sinopsis oficial que podemos encontrar en la contraportada del libro. Pero, ¿que descripción haría justicia a una novela como esta?

Posiblemente ninguna. Y es que tratar de resumir Juego de Tronos en quince o veinte líneas resulta ardua tarea. Sobre todo si además, queremos captar la esencia, aquello por lo que se trata de una gran obra. No, definitivamente todo eso no se puede conseguir en un par de párrafos.

¿Qué es una novela río? Desconocía el término hasta que la novela cayó en mis manos. Digamos que es una novela en la que la historia se va bifurcando, como en un río, para al final acabar en una gran desembocadura. Si esto es así, no podemos encontrar mejor ejemplo de esta estructura narrativa que el del libro que nos ocupa. Lo más importante no es lo que está escrito (que es una verdadera maravilla). No, sobre todo, por lo que destaca el primer capítulo de la serie de Canción de Hielo y Fuego es por su estructura narrativa. Narrada en primera persona, con una decena de personajes protagonistas, y sin repetir escenas desde diversos puntos de vistal. R.R. Martin consigue que la historia avance a un ritmo endiablado.

Al finalizar cada capítulo nos deja en el punto más álgido de la situación. No queremos trasladar nuestra mirada a otro lugar (que puede encontrarse a miles de kilómetros de distancia), pero a las pocas páginas la cosa empieza a coger velocidad y justo cuando todo va a desbordarse... nuevo cambio de escenario. Lo dicho, un ritmo endiablado. Pero en ningún momento se cae en el error de hacer sentir al lector de forma estúpida. Y con sólo leer el nombre del protagonista de cada capítulo somos capaces de despegar en el mapa imaginario de Poniente y sobrevolarlo hasta la nueva hubicación.

Puede parecer que lo único importante de la historia es como está escrita. Y no el argumento en sí mismo. Para nada. La red de intrigas que el autor ha desarrollado es tan intricada, que a poco que se tire de uno de sus hilos empieza a desmadejarse completamente, aportando una cantidad de información (sobre todo traducida en nombres de personajes y casas nobiliarias) abrumadora. Los personajes son carismáticos. Están también elaborados que nos enamoramos de los más entrañables y detestamos profundamente a los más odiosos. La novela no deja indiferente. Y no se le puede sacar ningún defecto. En todo caso su duración, ya que Juego de Tronos sólo es el primer paso de un largo viaje que desgraciadamente aún está inconcluso. Y tal es la ansiedad de saber como acaba, que preocupa saber que el final, aún no está plasmado sobre el papel.

En definitiva, una novela no recomendada, sino de obligada lectura para todo el mundo. Sobre todo ahora que ha sido llevada a la pequeña pantalla con bastante acierto por la cadena HBO. Se acerca el invierno.

Green Lantern

En un universo tan vasto como misterioso, una pequeña pero poderosa fuerza existió durante siglos. Protectores de la paz y la justicia son llamados el Cuerpo Green Lantern. Una hermandad de guerreros ordenados para mantener el orden intergaláctico, cada Green Lantern lleva un anillo que le garantiza superpoderes. Pero cuando un nuevo enemigo llamado Parallax amenaza con destruir el balance de poder en el Universo, su destino y el destino de la Tierra yace en las manos de su nuevo recluta, el primer humano jamás seleccionado: Hal Jordan.

Hal es un talentoso y arrogante piloto de pruebas, pero los Green Lanterns tienen poco respeto por los humanos, quienes nunca contemplaron los infinitos poderes del anillo. Pero Hal es claramente la pieza faltante del rompecabezas, y junto con esta determinación y el deseo de poder, él tiene algo que ningún otro miembro ha tenido: humanidad. Gracias al apoyo de otro piloto y el amor de la infancia Carol Ferris, si Hal puede rápidamente dominar los nuevos poderes y encontrar el coraje para sobreponerse a los miedos, él se puede demostrar no sólo como la clave para derrotar a Parallax… se transformará en el mejor de todos los Green Lanterns.

Ya se ha podido leer en numerosas críticas que pueblan la red en los últimos días. "Oportunidad perdida". Pocas veces dos palabras sirven de forma tan adecuada para criticar una obra. Y pocas veces, uno está totalmente de acuerdo con ellas.

Resulta acertado que hayan decidido olvidar más de 40 años de cómic para centrarse en la nueva mitología creada por Geoff Johns (más o menos los últimos 5 años de vida del personaje). Lo que no hay quién entienda, es por qué una vez elegida esa línea de trabajo, no se ha respetado. Veamos; la película no aburre prácticamente en ningún momento. Todo el trabajo de diseño es sencillamente espectacular (y eso que al principio no acababa de convencerme) y todas las escenas de acción o con los Green Lantern Corps nos recuerdan constantemente a los cómics. El metraje está lleno de guiños a los fans. ¿Donde falla la panacea entonces?

Seguramente, en lugar del director, los que no deberían repetir para una segunda entrega, son los guionistas. Dan la sensación de haber lazado todos los tebeos guionizados por Johns al aire, haber cogido cinco al azar, y de ahí sacaron la película. El batiburrillo es impresionante. Villanos que no son como deberían simplemente para poder justificar la aparición de un segundo aliado maligno. Villanos que se comportan como héroes si dejar asomar un solo atisbo de su maldad. Y por aquí nos vamos a quedar para no estropearle la película a nadie que aún conserve el interés por verla. No, la historia empieza a buen ritmo hasta que Hal encuentra el anillo, despues nos entran las prisas. Sorprendentemente se ha confirmado una secuela. Esto puede ser una buena noticia, siempre que aprendan de los errores cometidos y aprendan a hacer bien las cosas.

Pese a su mediocridad, la película tiene un punto fuerte, el trabajo de diseño. Green Lantern es Green Lantern. Los Corps son los Corps. Kilowog o Tomar-Re son ellos mismos. Incluso (cuestiones del argumento aparte) Sinestro es Sinestro. Todo está ahí. Lo único que hay que hacer es ordenarlo bien. Una segunda entrega podría darnos eso que todos los seguidores ansiamos, o volver a cagarla.

En definitiva, una primera entrega que no recomiendo a nadie, menos aún a los fans de la serie o aquellos interesados en leerla. Eso sí, habrá que estar pendiende a su secuela, a ver que ofrece...

After Dark

Cerca ya de medianoche, Mari, sentada sola a la mesa de un restaurante, se toma un café, fuma y lee. Un joven la interrumpe: es Takahashi, un músico al que ha visto una única vez, en una cita de su hermana Eri, modelo profesional. Ésta, mientras tanto, duerme en su habitación, sumida en un sueño profundo, "demasiado perfecto, demasiado puro". Mari ha perdido el último tren de vuelta a casa y piensa pasarse la noche leyendo en el restaurante; Takahashi se va a ensayar con su grupo, pero promete regresar antes del alba. Mari sufre una segunda interrupción: Kaoru, la encargada de un "hotel por horas", solicita su ayuda. Mari habla chino y una prostituta de esa nacionalidad ha sido brutalmente agredida por un cliente. Dan las doce. En la habitación donde Eri sigue sumida en una dulce inconsciencia, el televisor cobra vida y poco a poco empieza a distinguirse en la pantalla una imagen turbadora: una amplia sala amueblada con una única silla en la que está sentado un hombre vestido de negro. Lo más inquietante es que el televisor no está enchufado...

Se confirman las sospechas. La literatura japonesa (a la que hasta hace muy poco jamás hubiera planteado acercarme) es muy parecida al cine japonés. Cosas de la cultura, digo yo.

Me permiten que (como habitualmente hago), me vaya por las ramas. Dado el tipo de productos de ocio que suelo consumir, en ningún universo alternativo hubieran estas manos cogido un libro de literatura orienta de una estantería de su correspondiente librería. Pero vivimos tiempos interesantes. Tiempos donde el ávido lector puede llevar en una pantallita del tamaño de un tebeo una biblioteca de más de 80 ejemplares (y aumentando). Yo aún diría más. Vivimos tiempos donde hay gente que disfruta poniendo a disposición de los demás, un trabajo fino, elegante y de calidad. Estoy hablando de los chic@s de ePUB GRATIS: Libros con estilo. Una auténtica mina de oro para aquellos amantes de la lectura. Ya sea por la cantidad de libros disponibles, ya sea por la variedad de los mismos; ya sea, sobre todo, por la calidad y el mimo con el que están hechos. Gracias esta página estén ustedes seguros que muchos más libros serán analizados en estas lineas.

Haruki Murakami. ¿Les suena? Si la respuesta es afirmativa, ya son ustedes mucho más cultos que yo. A los que le suene a chino el nombre (concretamente a japonés), no cometan el error que este que les escribe cometió de quedarse sólo con las últimas líneas de la sinopsis, esas que parecen estar hablando de última película de terror oriental de moda. Aunque pensandolo bien, si pensar que se encuentran ante una novela de miedo es la excusa para que se acerquen al libro. Por favor, equivoquense. En cualquier caso, pasen y vean.

Porque no, definitivamente no, After Dark no es una novela para pasar miedo. Es verdad que hay misterio. Ese algo sobrenatural que tiene la noche. Aquello que parece acechar en las horas de la madrugada, en los lugares más oscuros. Pero la novela que nos ocupa tiene un marcado tono costumbrista. Sólo por eso ya resulta interesante. En poco más de 150 páginas, se muestra un reflejo de como funcionan las urbes niponas en la noche. Se dice que Tokyo es la ciudad que no duerme (¿o esa era Nueva York?, en cualquier caso, nos sirve el ejemplo); y en este libro vemos muy bien como funciona esa segunda vida diaria de la ciudad. Y en ese latir incesante, un grupo de personas, sin aparentes vínculos en común entre ellos, veran como por una noche, sus vidas se cruzan obligandoles a mostrar su verdadera cara, esa que nos devuelve la mirada cuando nos reflejamos en el espejo.

El ritmo pausado del que suelen hacer gala los japoneses en el cine se ve reflejado en su literatura. El libro casi parece más un guión cinematográfico con anotaciones explicativas. Aqui la única duda que le queda al lector es el misterio en sí. Por lo demás, en todo momento somos informados con todo lujo de detalles de lo que ocurre. Esto que podría llegar a desesperar a los más impacientes, si se recibe como lo que es, una invitación a disfrutar de una lectura pausada (los protagonistas tienen varias horas por delante, usted querido lector, también; no hay prisa); ayuda a la inmersión en la obra. No se trata de una historia lenta. Es más bien una trama paciente, donde cada cosa será revelada a su debido tiempo. Puede que las cosas desconcierten un poco al principio, que algunos detalles no desvelen la importancia que parecen tener. Pero cuando corresponda, todo cobrará sentido.

En definitiva, After Dark nos presenta una historia muy interesante, muy bien llevada (de forma original para los que no seguimos la literatura del país del Sol Naciente) y que nos llevará a escarbar en los rincones más oscuros del alma del nipón cosmopolita.

Cars 2

Rayo McQueen y su amigo, la adorable grúa Mate, viajan al extranjero para participar en el primer Campeonato Mundial en el que se decidirá cuál es el coche más rápido del planeta. La primera escala es Tokio (Japón), donde Mate tendrá que convertirse en una espía secreta al verse envuelta inesperadamente en un caso de espionaje internacional, que la llevará a París y a Londres. También vivirán una aventura de proporciones épicas al viajar a Porto Corsa (Italia), para disputar el Campeonato. Sin embargo, la pareja tendrá que renunciar a los placeres de la Riviera italiana -yates, playas y pasta al pesto- ya que Mate está muy ocupado con su labor de espía, mientras que McQueen compite contra los mejores coches del mundo.

Los chicos de PIXAR lo han vuelto a hacer. Esto es: un trabajo bien hecho. Después de 12 años (desde que se estrenara en cines Toy Story, la primera película de animación por ordenador), el trabajo de este estudio de animación ha sido tan constante que ha convertido el visionado de sus películas en la pantalla grande en una tradición. Siempre, siempre, siempre. Trailer de la nueva producción (que se estrenará el verano que viene), un cortometraje (posiblemente superior a cualquier largometrage visto) y dos horas de diversión, buenas historias y animación sorprendente.

El combo de este año han sido Brave (trailer), Toy Story Toons: Vacaciones en Hawaii (cortometraje) y por supuesto Cars 2 (película). Del trailer no podemos decir mucho, sólo que pinta estupendamente y que, como siempre hacen en la casa de Luxo Jr. cuando no trabajan en una secuela, se tratará de un enfoque completamente nuevo. El cortometraje nos permite hablar un poco más. Delirante, como suele ser habitual. El subsello Toons parece dar pie a una posible serie de cortometrajes con los personajes de Toy Story (como ya ocurriera con Cars Toons: Los Cuentos de Mate). De momento siguen aprovechando el filón de Ken (nunca un juguete dio tanto juego) para darnos unos minutos de la diversión más imaginativa.

Y entramos ya en materia. Cars 2. Película a la que algunos se han acercado recelosos y otros ni siquiera van a darle la oportunidad. Reacciones justificadas (hasta cierto punto) si recordamos que su primera entrega es posiblemente el peor trabajo de la compañía. Lo que no quiere decir ni muchísimo menos que fuera malo. Pero claro, cuando te acostumbran a delicias como Wall-E, Toy Story 3 o Monstruos S.A., las expectativas no perdonan. ¿Qué vamos a encontrar en Cars 2 entonces? Empecemos por lo más sencillo. La animación. El trabajo de animación en PIXAR suele ser tan sobresaliente que no recaemos en su importancia. Estos estudios de animación no sólo intentan superarse película a película para traer una historia más original y divertida (cosa que suelen conseguir habitualmente). Para cada nueva entrega, además intentan innovar en el campo de la animación. Y ya sólo por esto merece la pena ver la segunda entrega de las aventuras de estos coches tan peculiares. Se trata de un trabajo delirantemente delicioso. Si en su día me sorprendió el pelo de Sully (Monstruos S.A.) o el tratamiento del agua en Buscando a Nemo hoy me toca quitarme el sombrero ante el trabajo de decorados (al menos 4 ciudades enormes recreadas a la perfección) que han realizado aquí. Y nuevamente rompo (en la misma línea) una lanza a favor del 3D. Pero del buen 3D. El 3D de Avatar, El Santuario o las tres entregas de Toy Story. Definitivamente un trabajo sobresaliente. En este aspecto Cars 2 no debe envidiarle nada a ninguna de sus compañeras.

Vale, todo esto lo sabíamos sin ir a ver la película. ¿Pero realmente aporta algo? Eso es según se mire. Se trata de una película de coches. Si no te gustan, posiblemente no debas verla (aún así hay garantías de no sentir que tiras tu dinero). Si no es así (ya sea porque te gusten, o simplemente, te dé lo mismo), ya puedes plantearte otras cosas. Veamos. Una de las cosas que más se criticó en la primera Cars es que se notaba demasiado la mano de Disney en todo aquello. Problema resuelto. De verdad. En ese aspecto esta secuela es muchísimo más completa, trepidante y divertida. En cuanto al argumento en sí mismo... Ahora no se trata de una película de carreras. Por lo que es lógico que el protagonista ya no sea MacQueen. No, esta es una película de espías. Y aquí es donde creo que radica mayormente el interés del filme. Han hecho una película de James Bond (que no tiene absolutamente nada que envidiarle a muchas entregas del agente 007) donde "el coche de Bond es el protagonista". En su día sorprendió (gustara o no gustara la película) como era aquello de un mundo habitado por coches. Ese concepto se eleva a la enésima potencia y posiblemente sea el verdadero motor que mueve la trama. Y si MacQueen no puede ser el protagonista. ¿Quién pueden serlo? La respuesta era clara. Pero no porque Matte sea un elemento cómico fácil de introducir en cualquier secuencia (que lo es), sino porque cumplía los requisitos para ascender de secundario a protagonista. Si no te cae bien Mate, no veas esta película. Pero, ¿a quién no le cae bien esta campechana grúa? Dejemoslo claro entonces, el argumento no estará al nivel de las grandes joyas de PIXAR, pero supera por enteros a su precuela y lo que es más importante. El estudio de animación del flexo sigue jugando en su propia liga.

En definitiva, película recomendada al 100% para prácticamente todo el mundo. Una animación sublime, un 3D impresionante y dos horas de diversión sin complicaciones. Gracias PIXAR por seguir haciendo bien vuestro trabajo. Nos vemos dentro de un año en Brave.

¡Caramba!

¡Caramba! es un fanzine de humor que habla de eso mismo, del humor. Un total de 30 autores reunidos en 100 páginas para hablar de los mecanismos que nos hacen reír, descubrir cuántos significados se le pueden dar a un mismo chiste y ponerle cara a Jaimito, al perro Mistetas, a los de Lepe y al inglés, al francés y al español, entre otros personajes populares.

En ¡Caramba! podrás encontrar historietas, textos y pasatiempos de Albert Monteys, López Rubiño, Joan Cornellà, Mauro Entrialgo, Juanele, Rubén Fernández, Jorge Parras, Raúl Minchinela y Puño, Bernardo Vergara, Santiago García y Javier Olivares, Jorge de Cascante, Laura Pacheco, Sergio Córdoba y Juaco Vizuete, Manuel Castaño, Guille Martínez-Vela, Jose Luís Ágreda, Carlos de Diego, Luis Bustos, Juarma, Clara Soriano, John Tones y Guitián, Paco Alcázar, Andrés Palomino, Néstor F, Manel Fontdevila, Pedro Vera y Manuel Bartual, que es quién se ha encargado de coordinar todo esto con la inestimable ayuda de Alba Diethelm.

¡Caramba! incluye como complemento el álbum de cromos "Holocausto Australopithecus" de David Sánchez. ¡Una monada de álbum!

No voy a engañar a nadie. En los salones suelo evitar las mesas con los fanzines. Y reconozco que es una mala acción por mi parte. Es en esas mesas llenas de folios grapados donde se sientan aquellos que editarán en tapa dura el día de mañana. Otro tópico. Mea culpa. Los fanzines necesariamente no son folios grapados. Antes si lo eran, pero cada vez podemos encontrar con mayor frecuencia trabajos que no tienen nada que envidiar a las publicaciones de algunas editoriales. No, definitivamente los fanzines, al menos de momento, no son lo mio. Prometo enmendarlo.

Pero, ¿porqué me he lanzado sin pensarmelo a hacerme con este ¡Caramba!? ¿Es por la mosca de plástico o la chapa del perro Mistetas? Bueno, si, un poquito. Pero lo que realmente me hizo pulsar en el botón de "comprar" fueron los nombres que aparecían en la contraportada. Muchos de ellos ya consagrados en la historieta española. Pero además, quise tener muy en cuenta la temática del fanzine. Algunos se centran en el terror. O en un especial superehéroes. O Volumenes Temáticos de Chicas en Bikini. Pero en este caso, lo que estos 30 autores quieren analizar en profundidad es el humor en sí mismo. Cómo funcione, de qué y porqué nos reímos. Donde están los límites. Veamos si lo han conseguido.

Las primeras impresiones al sacar el librito del paquete han sido inmejorables. Sobre todo por los regalitos. Pero es que la verdad es que vuelve a sorprender la calidad de la edición para ser un fanzines (repito que seguramente la que hable en estos momentos sea mi incultura, ya rendiré cuentas con ella). Sin embargo, al hojearlo se aprecia ese estilo fanzinero (voy a intentar no reincidir sobre estos conceptos más, puesto que conforme escribo me percato de mi error y me siento realmente mal por ello) que podemos encontrar en otras publicaciones. Cada autor ha aportado su granito de arena dando su visión sobre el humor. Algo que recuerda mucho a los "extras" de la revista El Jueves.

Es precisamente este formato (fanzinero o de revista de humor, cada uno que escoja lo que prefiera) el que convierte a ¡Caramba! en una obra irregular; ya que depende de cada página por sí misma el salir airosa en la valoración del lector. He de decir en líneas generales que el conjunto total aprueba. Pero tampoco está demasiado cerca del sobresaliente. No deja de ser un experimento, y como tal, será en su continuidad (si llega a darse) donde con el tiempo, termine por aflorar la genialidad (o no).

En definitiva, una obra curiosa. Recomendada si te gusta un porcentaje alto de los autores aquí englobados, o tienes muchas ganas de poder ponerte una chapa que diga: ¿Has visto a Mistetas?.

Flash nº 01: La infame muerte de los villanos

Después de una temporada bastante agitada, Barry Allen por fin tiene tiempo para estar con su querida Iris y retomar su trabajo en la policía de Central City. Por desgracia, esa tranquilidad terminará en cuanto aparezca el cadáver de uno de sus peores enemigos. Con una investigación que tendrá unas consecuencias imprevisibles, comienza la nueva serie de flash escrita por Geoff Johns y dibujada por Francis Manapul con la ayuda de Scott Kolins.

La noche más oscura nos devolvió a varios personajes, entre los que se encontraban el Flash Reverso y el primer Capitán Bumerán. Este volumen relata y amplía el origen secreto de ambos villanos con ese estilo característico que usaban Geoff Johns y Scot Kolins cuando se ocupaban con las aventuras del Flash: Wally West. Pero eso no es todo, ya que los acontecimientos que aquí se incluyen suponen el primer paso hacia Flashpoint, la próxima gran saga del Universo DC.

Nueva etapa. No se cuantas van ya. Casi nos parecemos a esto de los tebeos. Donde nuestros héroes favoritos vuelven una y otra vez bajo el estandarte el archiconocido número 1. Y nunca mejor dicho en este caso, ya que nos encontramos ante el nuevo relanzamiento de el velocista escarlata después de lo acontecido en La noche más oscura. Resulta curioso que acabe de salir en nuestro país el primer recopilatorio de esta nueva etapa cuando acaban de anunciar que tras lo ocurrido en Flaspoint (ya veremos algo en el número 2) la totalidad de las colecciones del universo DC comienza desde cero. Esperemos durar mas que esta nueva colección de Flash.

De un tiempo a esta parte, el ciudadano español ha sido consciente de algo que en los callejones más oscuros de nuestras ciudades se denomina como "la crisis". Seguro que os ha llegado algo. Nadie ha escapado a esta situación, ni siquiera el mercado del cómic. Sin embargo, parece que hemos sabido disimularlo muy bien. Ya que no sólo se ha mantenido el ritmo de publicación habitual, sino que en algunos meses de salón, parece que seguimos empeñados en reventar las carteras de los lectores a base de tochales en tapa dura. En un intento de ser más selectivo, y por ello de gastar menos dinero (una vez más, una nueva etapa) este que les escribes canceló por completo su suscripción a la totalidad de las series regulares (o no) que seguía y que no eran pocas. Siempre se puede encontrar calidad en la novela gráfica, pero seamos serios. Por mucho que nos guste lo bueno, nunca nos resistimos a nuestra ración de mallas de colores. Pero... ¿qué comprar? ¿Qué seleccionar entre la ingente cantidad de colecciones de numeraciones interminables?

La respuesta tenía nombre propio. Geoff Johns. Durante largo tiempo puedo afirmar de haber disfrutado como cuando tenía 15 años leyendo lo que el mencionado guionista ha ido trabajando poco a poco, lentamente en Green Lantern, sus colecciones hermanas y sus correspondientes eventos. Si. Teniendo que elegir una sola colección, iba a ser Green Lantern. Pero la curiosidad mató al gato, o en este caso a su cartera. Y mirando y remirando qué más había escrito este señor, pude comprobar que lo del portador del anillo no había sido casualiad. Aquí había calidad. Especialmente a largo plazo. Y es que si de algo puede presumir Johns, es de saber plantar las semillas para crear toda una nueva mitología desde cero. Lo hizo con Green Lantern y después de leer Flash: Renacimiento y Flash: La Noche más Oscura. ¿Cómo no hincarle el diente a esta nueva etapa del velocista más famoso?

Sin embargo, por mucho que nos guste ver a Flash correr, las prisas no son buenas. Y en lugar de dejar que nuestro guionista preferido vaya sembrando su campo lentamente, como él sabe hacer; resulta que tenemos evento (de los gordos, señores) antes del primer año de colección, y que al final del mismo, Johns deja la colección para relanzar a Aquaman. Y es que, efectivamente, nos encontramos a un hombre con una hablidad reconocida para reiniciar o recolocar tanto a personajes como la totalidad de sus mitologías. Pero sinceramente, quedarse sólo con eso es como comprar un helado y comerse sólo el cucurucho. Y leyendo este Flash: La infame muerte de los villanos uno no tiene esa sensación de estar ante algo grande. Algo que nos deparará largas horas de entretenimiento cuando releamos etapas enteras de la serie. No. Se trata de una colección, de momento, muy entretenida. Una colección que de seguro nos reportará buenas sorpresas. Pero no es Green Lantern. Esperemos que Aquaman sí lo sea.

¿Quiere esto decir que alguien que ande apurando los centimos debajo de los cojines del sofá tiraría su dinero al comprar este tomo? Ni muchísimo menos. Que no sea de lo mejor de Geoff Johns no significa que no esté bien. Que lo está. Además, en el apartado gráfico nos encontramos como segundo dibujante a Scott Kolins. Y el tandem Johns-Kolins en Flash siempre es señal de calidad. Pero eso no es todo en la parte gráfica. A los lápices contamos con el que para mi era un completo desconocido, Francis Manapul. No se porqué, pero me gusta. Mucho. A partir de ahora estaremos muy pendiente a ver que más se trae este hombre entre manos (o entre lápices). Un buen guión (aunque no toque techo como otras veces) y dibujo delicioso. ¿Que más pedir?

Además, ya para ir cerrando, la verdad es que Planeta DeAgostini parece haber dado en el clavo con el nuevo formato para las colecciones del Universo DC. Tanto en el tipo de papel, como en el diseño y numeración. Especialmente interesantes me parecen los resumenes de la primera página. Además, este tomo (con nada menos que 8 números USA, más un especial) viene relativamente bien servido de extras. Ya que si bien la nueva mitología de Green Lantern es bastante fácil de asimilar, por aquello de los colorines. Todas estas nuevas teorías en torno a la Fuerza de la Velocidad son muchísimo más rebuscadas, y dificultan bastante la lectura sin los complementos explicativos adecuados. Como todo en esta vida, este diseño de colección pasará seguramente a mejor vida por uno nuevo. Incluso antes de que termine la colección.

En definitiva, un buen cómic. Muy entretenido con una interesante reintegración de Barry Allen al Universo DC. No llega al nivel de Green Lantern pero se puede recomendar sin miedo a represalias.