Cazadores de Recompensas

Furia Ciega

2011-08-04T17:36:00.003+02:00

Furia ciega está protagonizada por Nicolas Cage en el papel de Milton, un delincuente habitual que se escapa de la cárcel en busca de una última oportunidad de redimirse. Decidido a detener a una despiadada secta de fanáticos que asesinó a su hija, tiene tres días para hacerlo antes de que sacrifiquen a su nieta bajo la luna llena. Milton debe encauzar su furia más allá de los límites del hombre para salvar a su último vínculo con la humanidad.

Le acompaña Piper, una joven camarera sexy y lista que "toma prestado" el Muscle Car rojo de su ex novio para ayudar a Milton. Ahora, ambos se encuentran tras la pista del carismático Jonah King y sus seguidores asesinos. King está dispuesto a lanzar a cada uno de sus fieles bajo las ruedas del Black Challenger turbo del 71 de Milton para cumplir su destino e instaurar el infierno en la Tierra.

Sin embargo, la sangrienta secta es el menor de los problemas de Milton. La policía también va tras sus pasos. Y aún peor. Un enigmático asesino conocido simplemente como El Contable hace lo propio. El Contable sabe lo que Milton intenta hacer y no le importa. Con una furia terrible, perversa e hipnótica, El Contable persigue a Milton sin descanso y a una gran velocidad por las carreteras olvidadas del Sur de Estados Unidos.

Impulsados por los octanos y por pura rabia, Milton y Piper deben combatir los ataques de los discípulos de King, vengar a su hija asesinada y salvar a su nieta antes de que se agote su última oportunidad para redimirse.

Seamos sinceros. La película no es buena. Y no lo es por varios motivos. Sin embargo, tiene un gran punto a su favor. Es capaz de no tomarse en serio a sí misma cuando corresponde.

Veamos. Nos encontramos ante una road movie con tintes sobrenaturales. Rodada en 3D (ahora volveremos sobre eso) por lo que nadie debería esperar una trama compleja y profunda. Y además con Nicolas "peluquín" Cage (menos mal que no le dejaron en su día hacer de Superman) a la cabeza del reparto. Y eso tampoco es especialmente bueno. Para colmo, muchos de los efectos digitales rozan el aprobado justito. Tampoco mola eso. Si hemos dicho que la trama no es compleja, también sería de recibo mencionar que es altamente previsible. Y para colmo, la supuesta "sorpresa" sobre el origen de protagonista, se ve venir desde los primeros compases de la historia.

Oye, y sin embargo, este que les escribe se lo ha pasado teta viéndola. Yo aún diría más, no me he aburrido ni siquiera un poquito. ¿Por qué? En primer lugar, porque efectivamente, la película está rodada en 3D, y muy bien rodada, prácticamente toda la película aprovecha las capacidades de la nueva tecnología. Y lo hace con muy buen gusto, huyendo del recurso fácil de lanzar cosas a la cara del protagonista y buscando encuadres con objetos y personajes en distintos términos (o planos) de profundidad. ¡Un minipunto para el equipo de la película! Y lo más importante. Que aunque la trama no pasa del entretenimiento somero, no se complica con florituras. Incluso se guarda algunas escenas para reirse de sí misma al más puro estilo "mira nena, como molo". Más de uno que ha intentado hacer películas similares en serio ha metido la pata. Y en relación a esto me gustaría meter un poco de cuña.

Esta película (obviamente con algún cambio sobre el personaje protagonista) hubiera funcionado de putísima madre (si me perdonan la expresión) como punto de partida para el Motorista Fantasma. Lo digo totalmente en serio. Obviamente no llegaría al nivel de el Batman de Christopher Nolan. Y seguramente no pasaría el listón de las últimas producciones de la Marvel (con la salvedad, quizás de IronMan 2 que también es mala con avaricia). Sin embargo, hubiera dado muchísimo mejor resultado que el despropósito que fue la primera película del cráneo llameante. Señor Cage, a ver si se deja usted caer con algo del estilo a esto para la segunda entrega que ya tienen entre manos.

Muchos defectos y tan solo dos puntos fuertes. Y vive Dios que las virtudes seguramente no puedan soportar la carga de los aspectos negativos en las mentes más críticas. Sin embargo, compensan lo suficiente como para que el resultado final sea medianamente digno, y sobre todo, entretenido. Seguramente no mereciera la pena lo que vale una entrada en salas 3D. Y seguro que no justifica la compra de un carísimo televisor provisto de esta tecnología. Lo que sí es seguro es que con el tiempo, cuando todos los televisores incorporen las dichosas gafas (o no), si que se trata de una opción muy a tener en cuenta para ver con los amigos.

En definitiva, un producto bastante entretenido pero que en sí mismo no posee ninguna cualidad que justifique un desembolso de dinero. Yo la recomendaría a más de uno.

Juego de Tronos

2011-07-31T17:41:00.002+02:00

Tras el largo verano, el invierno se acerca a los Siete Reinos. Lord Eddar Stark, señor de Invernalia, deja sus dominios para unirse a la corte de su amigo el rey Robert Baratheon, llamado el Usurpador, hombre díscolo y otrora guerrero audaz cuyas mayores aficiones son comer, beber y engendrar bastardos. Eddar Stark ocupará el cargo de Mano del Rey e intentará desentrañar una maraña de intrigas que pondrá en peligro su vida y la de todos los suyos.

En un mundo cuyas estaciones pueden durar decenios y en el que retazos de una magia inmemorial y olvidada surgen en los rincones más sombríos y maravillosos, la traición y la lealtad, la compasión y la sed de venganza, el amor y el poder hacen del juego de tronos una poderosa trampa que atrapará en sus fauces a los personajes... y al lector.

No le hace justicia. Y cuidado, se trata de la sinopsis oficial que podemos encontrar en la contraportada del libro. Pero, ¿que descripción haría justicia a una novela como esta?

Posiblemente ninguna. Y es que tratar de resumir Juego de Tronos en quince o veinte líneas resulta ardua tarea. Sobre todo si además, queremos captar la esencia, aquello por lo que se trata de una gran obra. No, definitivamente todo eso no se puede conseguir en un par de párrafos.

¿Qué es una novela río? Desconocía el término hasta que la novela cayó en mis manos. Digamos que es una novela en la que la historia se va bifurcando, como en un río, para al final acabar en una gran desembocadura. Si esto es así, no podemos encontrar mejor ejemplo de esta estructura narrativa que el del libro que nos ocupa. Lo más importante no es lo que está escrito (que es una verdadera maravilla). No, sobre todo, por lo que destaca el primer capítulo de la serie de Canción de Hielo y Fuego es por su estructura narrativa. Narrada en primera persona, con una decena de personajes protagonistas, y sin repetir escenas desde diversos puntos de vistal. R.R. Martin consigue que la historia avance a un ritmo endiablado.

Al finalizar cada capítulo nos deja en el punto más álgido de la situación. No queremos trasladar nuestra mirada a otro lugar (que puede encontrarse a miles de kilómetros de distancia), pero a las pocas páginas la cosa empieza a coger velocidad y justo cuando todo va a desbordarse... nuevo cambio de escenario. Lo dicho, un ritmo endiablado. Pero en ningún momento se cae en el error de hacer sentir al lector de forma estúpida. Y con sólo leer el nombre del protagonista de cada capítulo somos capaces de despegar en el mapa imaginario de Poniente y sobrevolarlo hasta la nueva hubicación.

Puede parecer que lo único importante de la historia es como está escrita. Y no el argumento en sí mismo. Para nada. La red de intrigas que el autor ha desarrollado es tan intricada, que a poco que se tire de uno de sus hilos empieza a desmadejarse completamente, aportando una cantidad de información (sobre todo traducida en nombres de personajes y casas nobiliarias) abrumadora. Los personajes son carismáticos. Están también elaborados que nos enamoramos de los más entrañables y detestamos profundamente a los más odiosos. La novela no deja indiferente. Y no se le puede sacar ningún defecto. En todo caso su duración, ya que Juego de Tronos sólo es el primer paso de un largo viaje que desgraciadamente aún está inconcluso. Y tal es la ansiedad de saber como acaba, que preocupa saber que el final, aún no está plasmado sobre el papel.

En definitiva, una novela no recomendada, sino de obligada lectura para todo el mundo. Sobre todo ahora que ha sido llevada a la pequeña pantalla con bastante acierto por la cadena HBO. Se acerca el invierno.

Green Lantern

2011-07-31T13:21:00.002+02:00

En un universo tan vasto como misterioso, una pequeña pero poderosa fuerza existió durante siglos. Protectores de la paz y la justicia son llamados el Cuerpo Green Lantern. Una hermandad de guerreros ordenados para mantener el orden intergaláctico, cada Green Lantern lleva un anillo que le garantiza superpoderes. Pero cuando un nuevo enemigo llamado Parallax amenaza con destruir el balance de poder en el Universo, su destino y el destino de la Tierra yace en las manos de su nuevo recluta, el primer humano jamás seleccionado: Hal Jordan.

Hal es un talentoso y arrogante piloto de pruebas, pero los Green Lanterns tienen poco respeto por los humanos, quienes nunca contemplaron los infinitos poderes del anillo. Pero Hal es claramente la pieza faltante del rompecabezas, y junto con esta determinación y el deseo de poder, él tiene algo que ningún otro miembro ha tenido: humanidad. Gracias al apoyo de otro piloto y el amor de la infancia Carol Ferris, si Hal puede rápidamente dominar los nuevos poderes y encontrar el coraje para sobreponerse a los miedos, él se puede demostrar no sólo como la clave para derrotar a Parallax… se transformará en el mejor de todos los Green Lanterns.

Ya se ha podido leer en numerosas críticas que pueblan la red en los últimos días. "Oportunidad perdida". Pocas veces dos palabras sirven de forma tan adecuada para criticar una obra. Y pocas veces, uno está totalmente de acuerdo con ellas.

Resulta acertado que hayan decidido olvidar más de 40 años de cómic para centrarse en la nueva mitología creada por Geoff Johns (más o menos los últimos 5 años de vida del personaje). Lo que no hay quién entienda, es por qué una vez elegida esa línea de trabajo, no se ha respetado. Veamos; la película no aburre prácticamente en ningún momento. Todo el trabajo de diseño es sencillamente espectacular (y eso que al principio no acababa de convencerme) y todas las escenas de acción o con los Green Lantern Corps nos recuerdan constantemente a los cómics. El metraje está lleno de guiños a los fans. ¿Donde falla la panacea entonces?

Seguramente, en lugar del director, los que no deberían repetir para una segunda entrega, son los guionistas. Dan la sensación de haber lazado todos los tebeos guionizados por Johns al aire, haber cogido cinco al azar, y de ahí sacaron la película. El batiburrillo es impresionante. Villanos que no son como deberían simplemente para poder justificar la aparición de un segundo aliado maligno. Villanos que se comportan como héroes si dejar asomar un solo atisbo de su maldad. Y por aquí nos vamos a quedar para no estropearle la película a nadie que aún conserve el interés por verla. No, la historia empieza a buen ritmo hasta que Hal encuentra el anillo, despues nos entran las prisas. Sorprendentemente se ha confirmado una secuela. Esto puede ser una buena noticia, siempre que aprendan de los errores cometidos y aprendan a hacer bien las cosas.

Pese a su mediocridad, la película tiene un punto fuerte, el trabajo de diseño. Green Lantern es Green Lantern. Los Corps son los Corps. Kilowog o Tomar-Re son ellos mismos. Incluso (cuestiones del argumento aparte) Sinestro es Sinestro. Todo está ahí. Lo único que hay que hacer es ordenarlo bien. Una segunda entrega podría darnos eso que todos los seguidores ansiamos, o volver a cagarla.

En definitiva, una primera entrega que no recomiendo a nadie, menos aún a los fans de la serie o aquellos interesados en leerla. Eso sí, habrá que estar pendiende a su secuela, a ver que ofrece...

After Dark

2011-07-21T13:24:00.002+02:00

Cerca ya de medianoche, Mari, sentada sola a la mesa de un restaurante, se toma un café, fuma y lee. Un joven la interrumpe: es Takahashi, un músico al que ha visto una única vez, en una cita de su hermana Eri, modelo profesional. Ésta, mientras tanto, duerme en su habitación, sumida en un sueño profundo, "demasiado perfecto, demasiado puro". Mari ha perdido el último tren de vuelta a casa y piensa pasarse la noche leyendo en el restaurante; Takahashi se va a ensayar con su grupo, pero promete regresar antes del alba. Mari sufre una segunda interrupción: Kaoru, la encargada de un "hotel por horas", solicita su ayuda. Mari habla chino y una prostituta de esa nacionalidad ha sido brutalmente agredida por un cliente. Dan las doce. En la habitación donde Eri sigue sumida en una dulce inconsciencia, el televisor cobra vida y poco a poco empieza a distinguirse en la pantalla una imagen turbadora: una amplia sala amueblada con una única silla en la que está sentado un hombre vestido de negro. Lo más inquietante es que el televisor no está enchufado...

Se confirman las sospechas. La literatura japonesa (a la que hasta hace muy poco jamás hubiera planteado acercarme) es muy parecida al cine japonés. Cosas de la cultura, digo yo.

Me permiten que (como habitualmente hago), me vaya por las ramas. Dado el tipo de productos de ocio que suelo consumir, en ningún universo alternativo hubieran estas manos cogido un libro de literatura orienta de una estantería de su correspondiente librería. Pero vivimos tiempos interesantes. Tiempos donde el ávido lector puede llevar en una pantallita del tamaño de un tebeo una biblioteca de más de 80 ejemplares (y aumentando). Yo aún diría más. Vivimos tiempos donde hay gente que disfruta poniendo a disposición de los demás, un trabajo fino, elegante y de calidad. Estoy hablando de los chic@s de ePUB GRATIS: Libros con estilo. Una auténtica mina de oro para aquellos amantes de la lectura. Ya sea por la cantidad de libros disponibles, ya sea por la variedad de los mismos; ya sea, sobre todo, por la calidad y el mimo con el que están hechos. Gracias esta página estén ustedes seguros que muchos más libros serán analizados en estas lineas.

Haruki Murakami. ¿Les suena? Si la respuesta es afirmativa, ya son ustedes mucho más cultos que yo. A los que le suene a chino el nombre (concretamente a japonés), no cometan el error que este que les escribe cometió de quedarse sólo con las últimas líneas de la sinopsis, esas que parecen estar hablando de última película de terror oriental de moda. Aunque pensandolo bien, si pensar que se encuentran ante una novela de miedo es la excusa para que se acerquen al libro. Por favor, equivoquense. En cualquier caso, pasen y vean.

Porque no, definitivamente no, After Dark no es una novela para pasar miedo. Es verdad que hay misterio. Ese algo sobrenatural que tiene la noche. Aquello que parece acechar en las horas de la madrugada, en los lugares más oscuros. Pero la novela que nos ocupa tiene un marcado tono costumbrista. Sólo por eso ya resulta interesante. En poco más de 150 páginas, se muestra un reflejo de como funcionan las urbes niponas en la noche. Se dice que Tokyo es la ciudad que no duerme (¿o esa era Nueva York?, en cualquier caso, nos sirve el ejemplo); y en este libro vemos muy bien como funciona esa segunda vida diaria de la ciudad. Y en ese latir incesante, un grupo de personas, sin aparentes vínculos en común entre ellos, veran como por una noche, sus vidas se cruzan obligandoles a mostrar su verdadera cara, esa que nos devuelve la mirada cuando nos reflejamos en el espejo.

El ritmo pausado del que suelen hacer gala los japoneses en el cine se ve reflejado en su literatura. El libro casi parece más un guión cinematográfico con anotaciones explicativas. Aqui la única duda que le queda al lector es el misterio en sí. Por lo demás, en todo momento somos informados con todo lujo de detalles de lo que ocurre. Esto que podría llegar a desesperar a los más impacientes, si se recibe como lo que es, una invitación a disfrutar de una lectura pausada (los protagonistas tienen varias horas por delante, usted querido lector, también; no hay prisa); ayuda a la inmersión en la obra. No se trata de una historia lenta. Es más bien una trama paciente, donde cada cosa será revelada a su debido tiempo. Puede que las cosas desconcierten un poco al principio, que algunos detalles no desvelen la importancia que parecen tener. Pero cuando corresponda, todo cobrará sentido.

En definitiva, After Dark nos presenta una historia muy interesante, muy bien llevada (de forma original para los que no seguimos la literatura del país del Sol Naciente) y que nos llevará a escarbar en los rincones más oscuros del alma del nipón cosmopolita.

Cars 2

2011-07-10T11:40:00.005+02:00

Rayo McQueen y su amigo, la adorable grúa Mate, viajan al extranjero para participar en el primer Campeonato Mundial en el que se decidirá cuál es el coche más rápido del planeta. La primera escala es Tokio (Japón), donde Mate tendrá que convertirse en una espía secreta al verse envuelta inesperadamente en un caso de espionaje internacional, que la llevará a París y a Londres. También vivirán una aventura de proporciones épicas al viajar a Porto Corsa (Italia), para disputar el Campeonato. Sin embargo, la pareja tendrá que renunciar a los placeres de la Riviera italiana -yates, playas y pasta al pesto- ya que Mate está muy ocupado con su labor de espía, mientras que McQueen compite contra los mejores coches del mundo.

Los chicos de PIXAR lo han vuelto a hacer. Esto es: un trabajo bien hecho. Después de 12 años (desde que se estrenara en cines Toy Story, la primera película de animación por ordenador), el trabajo de este estudio de animación ha sido tan constante que ha convertido el visionado de sus películas en la pantalla grande en una tradición. Siempre, siempre, siempre. Trailer de la nueva producción (que se estrenará el verano que viene), un cortometraje (posiblemente superior a cualquier largometrage visto) y dos horas de diversión, buenas historias y animación sorprendente.

El combo de este año han sido Brave (trailer), Toy Story Toons: Vacaciones en Hawaii (cortometraje) y por supuesto Cars 2 (película). Del trailer no podemos decir mucho, sólo que pinta estupendamente y que, como siempre hacen en la casa de Luxo Jr. cuando no trabajan en una secuela, se tratará de un enfoque completamente nuevo. El cortometraje nos permite hablar un poco más. Delirante, como suele ser habitual. El subsello Toons parece dar pie a una posible serie de cortometrajes con los personajes de Toy Story (como ya ocurriera con Cars Toons: Los Cuentos de Mate). De momento siguen aprovechando el filón de Ken (nunca un juguete dio tanto juego) para darnos unos minutos de la diversión más imaginativa.

Y entramos ya en materia. Cars 2. Película a la que algunos se han acercado recelosos y otros ni siquiera van a darle la oportunidad. Reacciones justificadas (hasta cierto punto) si recordamos que su primera entrega es posiblemente el peor trabajo de la compañía. Lo que no quiere decir ni muchísimo menos que fuera malo. Pero claro, cuando te acostumbran a delicias como Wall-E, Toy Story 3 o Monstruos S.A., las expectativas no perdonan. ¿Qué vamos a encontrar en Cars 2 entonces? Empecemos por lo más sencillo. La animación. El trabajo de animación en PIXAR suele ser tan sobresaliente que no recaemos en su importancia. Estos estudios de animación no sólo intentan superarse película a película para traer una historia más original y divertida (cosa que suelen conseguir habitualmente). Para cada nueva entrega, además intentan innovar en el campo de la animación. Y ya sólo por esto merece la pena ver la segunda entrega de las aventuras de estos coches tan peculiares. Se trata de un trabajo delirantemente delicioso. Si en su día me sorprendió el pelo de Sully (Monstruos S.A.) o el tratamiento del agua en Buscando a Nemo hoy me toca quitarme el sombrero ante el trabajo de decorados (al menos 4 ciudades enormes recreadas a la perfección) que han realizado aquí. Y nuevamente rompo (en la misma línea) una lanza a favor del 3D. Pero del buen 3D. El 3D de Avatar, El Santuario o las tres entregas de Toy Story. Definitivamente un trabajo sobresaliente. En este aspecto Cars 2 no debe envidiarle nada a ninguna de sus compañeras.

Vale, todo esto lo sabíamos sin ir a ver la película. ¿Pero realmente aporta algo? Eso es según se mire. Se trata de una película de coches. Si no te gustan, posiblemente no debas verla (aún así hay garantías de no sentir que tiras tu dinero). Si no es así (ya sea porque te gusten, o simplemente, te dé lo mismo), ya puedes plantearte otras cosas. Veamos. Una de las cosas que más se criticó en la primera Cars es que se notaba demasiado la mano de Disney en todo aquello. Problema resuelto. De verdad. En ese aspecto esta secuela es muchísimo más completa, trepidante y divertida. En cuanto al argumento en sí mismo... Ahora no se trata de una película de carreras. Por lo que es lógico que el protagonista ya no sea MacQueen. No, esta es una película de espías. Y aquí es donde creo que radica mayormente el interés del filme. Han hecho una película de James Bond (que no tiene absolutamente nada que envidiarle a muchas entregas del agente 007) donde "el coche de Bond es el protagonista". En su día sorprendió (gustara o no gustara la película) como era aquello de un mundo habitado por coches. Ese concepto se eleva a la enésima potencia y posiblemente sea el verdadero motor que mueve la trama. Y si MacQueen no puede ser el protagonista. ¿Quién pueden serlo? La respuesta era clara. Pero no porque Matte sea un elemento cómico fácil de introducir en cualquier secuencia (que lo es), sino porque cumplía los requisitos para ascender de secundario a protagonista. Si no te cae bien Mate, no veas esta película. Pero, ¿a quién no le cae bien esta campechana grúa? Dejemoslo claro entonces, el argumento no estará al nivel de las grandes joyas de PIXAR, pero supera por enteros a su precuela y lo que es más importante. El estudio de animación del flexo sigue jugando en su propia liga.

En definitiva, película recomendada al 100% para prácticamente todo el mundo. Una animación sublime, un 3D impresionante y dos horas de diversión sin complicaciones. Gracias PIXAR por seguir haciendo bien vuestro trabajo. Nos vemos dentro de un año en Brave.

¡Caramba!

2011-06-15T17:07:00.004+02:00

¡Caramba! es un fanzine de humor que habla de eso mismo, del humor. Un total de 30 autores reunidos en 100 páginas para hablar de los mecanismos que nos hacen reír, descubrir cuántos significados se le pueden dar a un mismo chiste y ponerle cara a Jaimito, al perro Mistetas, a los de Lepe y al inglés, al francés y al español, entre otros personajes populares.

En ¡Caramba! podrás encontrar historietas, textos y pasatiempos de Albert Monteys, López Rubiño, Joan Cornellà, Mauro Entrialgo, Juanele, Rubén Fernández, Jorge Parras, Raúl Minchinela y Puño, Bernardo Vergara, Santiago García y Javier Olivares, Jorge de Cascante, Laura Pacheco, Sergio Córdoba y Juaco Vizuete, Manuel Castaño, Guille Martínez-Vela, Jose Luís Ágreda, Carlos de Diego, Luis Bustos, Juarma, Clara Soriano, John Tones y Guitián, Paco Alcázar, Andrés Palomino, Néstor F, Manel Fontdevila, Pedro Vera y Manuel Bartual, que es quién se ha encargado de coordinar todo esto con la inestimable ayuda de Alba Diethelm.

¡Caramba! incluye como complemento el álbum de cromos "Holocausto Australopithecus" de David Sánchez. ¡Una monada de álbum!

No voy a engañar a nadie. En los salones suelo evitar las mesas con los fanzines. Y reconozco que es una mala acción por mi parte. Es en esas mesas llenas de folios grapados donde se sientan aquellos que editarán en tapa dura el día de mañana. Otro tópico. Mea culpa. Los fanzines necesariamente no son folios grapados. Antes si lo eran, pero cada vez podemos encontrar con mayor frecuencia trabajos que no tienen nada que envidiar a las publicaciones de algunas editoriales. No, definitivamente los fanzines, al menos de momento, no son lo mio. Prometo enmendarlo.

Pero, ¿porqué me he lanzado sin pensarmelo a hacerme con este ¡Caramba!? ¿Es por la mosca de plástico o la chapa del perro Mistetas? Bueno, si, un poquito. Pero lo que realmente me hizo pulsar en el botón de "comprar" fueron los nombres que aparecían en la contraportada. Muchos de ellos ya consagrados en la historieta española. Pero además, quise tener muy en cuenta la temática del fanzine. Algunos se centran en el terror. O en un especial superehéroes. O Volumenes Temáticos de Chicas en Bikini. Pero en este caso, lo que estos 30 autores quieren analizar en profundidad es el humor en sí mismo. Cómo funcione, de qué y porqué nos reímos. Donde están los límites. Veamos si lo han conseguido.

Las primeras impresiones al sacar el librito del paquete han sido inmejorables. Sobre todo por los regalitos. Pero es que la verdad es que vuelve a sorprender la calidad de la edición para ser un fanzines (repito que seguramente la que hable en estos momentos sea mi incultura, ya rendiré cuentas con ella). Sin embargo, al hojearlo se aprecia ese estilo fanzinero (voy a intentar no reincidir sobre estos conceptos más, puesto que conforme escribo me percato de mi error y me siento realmente mal por ello) que podemos encontrar en otras publicaciones. Cada autor ha aportado su granito de arena dando su visión sobre el humor. Algo que recuerda mucho a los "extras" de la revista El Jueves.

Es precisamente este formato (fanzinero o de revista de humor, cada uno que escoja lo que prefiera) el que convierte a ¡Caramba! en una obra irregular; ya que depende de cada página por sí misma el salir airosa en la valoración del lector. He de decir en líneas generales que el conjunto total aprueba. Pero tampoco está demasiado cerca del sobresaliente. No deja de ser un experimento, y como tal, será en su continuidad (si llega a darse) donde con el tiempo, termine por aflorar la genialidad (o no).

En definitiva, una obra curiosa. Recomendada si te gusta un porcentaje alto de los autores aquí englobados, o tienes muchas ganas de poder ponerte una chapa que diga: ¿Has visto a Mistetas?.

Flash nº 01: La infame muerte de los villanos

2011-06-14T17:02:00.010+02:00

Después de una temporada bastante agitada, Barry Allen por fin tiene tiempo para estar con su querida Iris y retomar su trabajo en la policía de Central City. Por desgracia, esa tranquilidad terminará en cuanto aparezca el cadáver de uno de sus peores enemigos. Con una investigación que tendrá unas consecuencias imprevisibles, comienza la nueva serie de flash escrita por Geoff Johns y dibujada por Francis Manapul con la ayuda de Scott Kolins.

La noche más oscura nos devolvió a varios personajes, entre los que se encontraban el Flash Reverso y el primer Capitán Bumerán. Este volumen relata y amplía el origen secreto de ambos villanos con ese estilo característico que usaban Geoff Johns y Scot Kolins cuando se ocupaban con las aventuras del Flash: Wally West. Pero eso no es todo, ya que los acontecimientos que aquí se incluyen suponen el primer paso hacia Flashpoint, la próxima gran saga del Universo DC.

Nueva etapa. No se cuantas van ya. Casi nos parecemos a esto de los tebeos. Donde nuestros héroes favoritos vuelven una y otra vez bajo el estandarte el archiconocido número 1. Y nunca mejor dicho en este caso, ya que nos encontramos ante el nuevo relanzamiento de el velocista escarlata después de lo acontecido en La noche más oscura. Resulta curioso que acabe de salir en nuestro país el primer recopilatorio de esta nueva etapa cuando acaban de anunciar que tras lo ocurrido en Flaspoint (ya veremos algo en el número 2) la totalidad de las colecciones del universo DC comienza desde cero. Esperemos durar mas que esta nueva colección de Flash.

De un tiempo a esta parte, el ciudadano español ha sido consciente de algo que en los callejones más oscuros de nuestras ciudades se denomina como "la crisis". Seguro que os ha llegado algo. Nadie ha escapado a esta situación, ni siquiera el mercado del cómic. Sin embargo, parece que hemos sabido disimularlo muy bien. Ya que no sólo se ha mantenido el ritmo de publicación habitual, sino que en algunos meses de salón, parece que seguimos empeñados en reventar las carteras de los lectores a base de tochales en tapa dura. En un intento de ser más selectivo, y por ello de gastar menos dinero (una vez más, una nueva etapa) este que les escribes canceló por completo su suscripción a la totalidad de las series regulares (o no) que seguía y que no eran pocas. Siempre se puede encontrar calidad en la novela gráfica, pero seamos serios. Por mucho que nos guste lo bueno, nunca nos resistimos a nuestra ración de mallas de colores. Pero... ¿qué comprar? ¿Qué seleccionar entre la ingente cantidad de colecciones de numeraciones interminables?

La respuesta tenía nombre propio. Geoff Johns. Durante largo tiempo puedo afirmar de haber disfrutado como cuando tenía 15 años leyendo lo que el mencionado guionista ha ido trabajando poco a poco, lentamente en Green Lantern, sus colecciones hermanas y sus correspondientes eventos. Si. Teniendo que elegir una sola colección, iba a ser Green Lantern. Pero la curiosidad mató al gato, o en este caso a su cartera. Y mirando y remirando qué más había escrito este señor, pude comprobar que lo del portador del anillo no había sido casualiad. Aquí había calidad. Especialmente a largo plazo. Y es que si de algo puede presumir Johns, es de saber plantar las semillas para crear toda una nueva mitología desde cero. Lo hizo con Green Lantern y después de leer Flash: Renacimiento y Flash: La Noche más Oscura. ¿Cómo no hincarle el diente a esta nueva etapa del velocista más famoso?

Sin embargo, por mucho que nos guste ver a Flash correr, las prisas no son buenas. Y en lugar de dejar que nuestro guionista preferido vaya sembrando su campo lentamente, como él sabe hacer; resulta que tenemos evento (de los gordos, señores) antes del primer año de colección, y que al final del mismo, Johns deja la colección para relanzar a Aquaman. Y es que, efectivamente, nos encontramos a un hombre con una hablidad reconocida para reiniciar o recolocar tanto a personajes como la totalidad de sus mitologías. Pero sinceramente, quedarse sólo con eso es como comprar un helado y comerse sólo el cucurucho. Y leyendo este Flash: La infame muerte de los villanos uno no tiene esa sensación de estar ante algo grande. Algo que nos deparará largas horas de entretenimiento cuando releamos etapas enteras de la serie. No. Se trata de una colección, de momento, muy entretenida. Una colección que de seguro nos reportará buenas sorpresas. Pero no es Green Lantern. Esperemos que Aquaman sí lo sea.

¿Quiere esto decir que alguien que ande apurando los centimos debajo de los cojines del sofá tiraría su dinero al comprar este tomo? Ni muchísimo menos. Que no sea de lo mejor de Geoff Johns no significa que no esté bien. Que lo está. Además, en el apartado gráfico nos encontramos como segundo dibujante a Scott Kolins. Y el tandem Johns-Kolins en Flash siempre es señal de calidad. Pero eso no es todo en la parte gráfica. A los lápices contamos con el que para mi era un completo desconocido, Francis Manapul. No se porqué, pero me gusta. Mucho. A partir de ahora estaremos muy pendiente a ver que más se trae este hombre entre manos (o entre lápices). Un buen guión (aunque no toque techo como otras veces) y dibujo delicioso. ¿Que más pedir?

Además, ya para ir cerrando, la verdad es que Planeta DeAgostini parece haber dado en el clavo con el nuevo formato para las colecciones del Universo DC. Tanto en el tipo de papel, como en el diseño y numeración. Especialmente interesantes me parecen los resumenes de la primera página. Además, este tomo (con nada menos que 8 números USA, más un especial) viene relativamente bien servido de extras. Ya que si bien la nueva mitología de Green Lantern es bastante fácil de asimilar, por aquello de los colorines. Todas estas nuevas teorías en torno a la Fuerza de la Velocidad son muchísimo más rebuscadas, y dificultan bastante la lectura sin los complementos explicativos adecuados. Como todo en esta vida, este diseño de colección pasará seguramente a mejor vida por uno nuevo. Incluso antes de que termine la colección.

En definitiva, un buen cómic. Muy entretenido con una interesante reintegración de Barry Allen al Universo DC. No llega al nivel de Green Lantern pero se puede recomendar sin miedo a represalias.

Thor

2011-04-30T10:28:00.003+02:00

La épica aventura de "Thor" traslada el Universo Marvel desde la Tierra en el presente hasta el reino místico de Asgard. En el centro de la historia está el Poderoso Thor, un poderoso pero arrogante guerrero cuyos imprudentes actos reavivan una antigua guerra. Como consecuencia, Thor es castigado a ser enviado a la Tierra, donde se ve obligado a vivir entre humanos. Cuando el villano más peligroso de su mundo envía a las fuerzas más oscuras de Asgard, Thor aprende lo que hace falta para ser un verdadero héroe.

Como ya hiciera en alguna otra ocasión, hoy me voy a permitir la licencia de parafrasear de nuevo a Rafael Marín. Y es que cuando coincido en una opinión sobre gustos con este hombre, dificil me resulta expresar lo que tengo en la cabeza sin sus mismas palabras.

"Marvel va construyendo poquito a poquito su versión cinematográfica de su universo historietístico. A la espera de que rescate los otros personajes que ya hipotecó en su día a otras empresas, el gran puzzle que se está formando en torno a la próxima película de Los Vengadores tiene en Thor un elemento más: como si estuviéramos viendo el Preview película a película, parece que se da casi tanta importancia al anuncio de lo por venir que a la película que nos toca ver en este momento.

Y la película es Thor. Dirigida por Kenneth Branagh, o sea, ese hombre que es experto en Shakespeare, que tiene un puñado de buenas películas en su haber, al que la crítica puso verde por su versión de Frankenstein (una película que no me gustó en su estreno y que he aprendido a valorar con el paso de los años, quizá porque a Branagh, como a todos, hay que escucharlo con su voz). De entrada, porque siempre hemos querido creernos que los tebeos del dios del Trueno, gracias a la labor de Stan Lee, son una mezcla de la jerga shakespeariana con la Biblia del rey Jaime, Branagh parecía el director ideal para el proyecto. Y, aunque no sale mal parado del reto, tampoco es que se note demasiado su personalidad. Pesa demasiado la producción, los efectos especiales, y sobre todo la gramática nueva a la que obliga el 3D (yo vi la peli en plano) , que obliga a demasiadas tomas generales y a objetos que flotan en los lados de la pantalla para que creen la ilusión óptica de que pueden tocarse.

La película es divertida. Lo mejor que puede decirse de ella es que se pasa volando. Lo peor, que es más simple que el mecanismo de un botijo. Con un presupuesto medianamente aceptable, parece que nos encontramos ante un episodio piloto de una serie de televisión y poco más. Se cuentan (y se cuentan bien) las bases del personaje, todo el entramado mitológico-contemporáneo, su ilación con la trama de SHIELD (aquí se vuelve a llamar SHIELD, no Escudo), y lo mejor de todo es que consigue algo que los cómics del personaje han logrado pocas veces: que la historia en Asgard y la historia en la Tierra se complementen bien. Thor parece en los tebeos condenado siempre a una división imposible: o eres superhéroe en Midgard o eres dios en Asgard; no siempre han casado bien las dos naturalezas del personaje: los propios creadores no se dieron cuenta hasta bien entrada la serie, o hasta que Larry Lieber dejó el campo libre a su hermano Stan (en los créditos, por cierto, se reconoce la autoría de Stan, Larry y Jack Kirby).

Un prólogo in media res algo fuera de lugar, una vuelta atrás para contar una infancia en una pincelada, una escena de coronatio interruptus (que recuerda, ay, a las producciones de Dino de Laurentiis), y luego una batallita espectacular con los gigantes del hielo (donde, para variar, no se ve nada), nos conducen a lo que ya esperamos: Thor exiliado en la Tierra, el encuentro con Jane Foster (ahora astrofísica, moderna y liberada: buen guiño a Donald Blake, aunque a mí me hubiera gustado que no eliminaran la parte del doctor cojo precursor de House y el encuentro del martillo) y las maquinaciones de Loki. O sea, la historia que hemos leído cientos de veces, con pocas variantes, en los cómics.

Con abundantes momentos humorísticos bastante bien conseguidos, los típicos "easter eggs" metareferentes que hacen las delicias del espectador conoscieur y pasan desapercibidos para el común de los mortales (el juego con Donald Blake, la alusión a Bruce Banner y a Tony Stark, el cameo de Clint Barton), personalmente eché de menos algo más de complejidad en la trama. La película casi se viene abajo cuando los Tres Guerreros más Sif aparecen en las calles del pueblito de Nuevo Mexico, puesto que nada pintan allí, pero como ya queda tan poco metraje, no hay tiempo de estropear mucho. Endereza en seguida, y antes de que uno se de cuenta está esperando que terminen los largos títulos de crédito para ver la escena postrera: como más del noventa por ciento de los espectadores de la sala se largan en cuanto empiezan las letras, uno no comprende esta manía, la verdad. Entre los trompazos del shot down final, pueden ustedes entretenerse leyendo los carteles que se van destrozando, y que casi parecen mensajes subliminales.

Chris Hemsworth da el papel. No tiene tiempo para más florituras, su personaje pasa velozmente de ser Cristiano Ronaldo a convertirse en Jed Bartlet, y habría que verlo con su voz original, porque la del doblaje es atroz (pero no se preocupen, más atroces son la de Hogun -el peor del casting-, y la de Sif). Anthony Hopkins hace de Odín en piloto automático (yo hubiera preferido a Brian Blessed, pero entonces Odin habría sido el Odín vanidoso y gritón). Y el controvertido papel de Heimdall, interpretado por Idris Elba... pues a mí me parece muy bien, qué quieren que les diga. El actor comunica bien la fuerza y la inmensidad física del personaje. Otra cosa es que el papel tampoco de para más, convertido poco menos que en el encargado del teletransportador del puente de mando de la Viking Enterprise.

La película le pertenece a Loki, y es ahí donde se nota que Branagh disfruta más, quizá porque el personaje es sibilino y manipulador y cobarde y mentiroso y resentido (o sea, puro Ricardo III), pero a la vez está lleno de matices y la sensación de incomprensión que le rodea hace que nos caiga bien. Tom Hiddleston, que ya compartió escenas con el propio Branagh en Wallander, comunica a la perfección las diversas capas de personalidad del dios del engaño: ahora noble, ahora dubitativo, ahora decepcionado, ahora malvado.

No, no sale Balder, lástima. Y si se preguntan ustedes, como me venía preguntando yo todo el rato, por qué el propio Branagh no había interpretado el papel del doctor Selvig, tendrán que esperar a los largos títulos de crédito para comprobarlo, más allá del hecho de la nacionalidad de Stellan Skarsgaard."

Gru, mi villano favorito

2011-02-26T13:29:00.002+01:00

En un feliz barrio suburbano, se encuentra una casa negra con césped muerto. Escondida debajo de esta casa, oculta de los vecinos, existe una gran guarida secreta. Rodeado por un pequeño ejército de siervos, descubrimos a Gru (voz de Steve Carell), planeando el mayor atraco de la historia del mundo: robar la Luna. Gru, vence a todo el que se interponga en su camino. Hasta el día en que se cruza con tres niñas huérfanas que al mirarlo ven algo que nadie ha visto jamás: un padre potencial. El mayor villano del mundo, acaba de enfrentarse a su mayor desafío: Margo, Edith y Agnes.

¿3D sí o 3D no? ¿Merece la pena? ¿Es una tecnología que ha llegado para quedarse? ¿Se está implantando con calidad o sólo es una excusa para subir el precio de las entradas de cine?

Sólo el tiempo tendrá respuestas a estas cuestiones. Pero desde este momento sí que podemos atisbar algunas de ellas para referirnos a casos concretos. Por aquí ya hemos hablado con anterioridad del 3D, sobre todo en cines. Ya hemos dicho que con el 3D no todo vale (se requiere de una buena grabación o de un remasterizado sublime para justificar ese precio mayor que suelen ostentar las butacas de este tipo de proyecciones). Por el contrario también seguimos defendiendo que no es necesario que el tono sea exagerado y que constantemente salgan cosas de la pantalla (se trata de algo muy espectacular pero que rompe el ritmo de la narración cinematográfica). Todo esto lo cumplen, o no, numerosos filmes que llegan a la gran pantalla. ¿Qué ocurrirá entonces en nuestro salón?

Obviamente, por cuestiones monetarias, la implementación del 3D doméstico será mucho más lenta que en los cines, pero son pasos que se van dando en buena dirección. Sin embargo, la tecnología, que tiene poco que envidiar a la gran pantalla, aún debe mejorar. Y un único fallos se ha manifestado visionando Gru en casa. Se trata de un defecto conocido como crosstalk y que se da cuando uno de los ojos capta la imagen destinada a su gemelo, produciendose un desdoblamiento de la imagen, o una ligera sombra paralela a la misma. ¿La causa? La potencia de los actuales televisores y gafas 3D. Es la consecuencia lógica (hasta cierto punto) de ser conejillos de indias.

En el caso de el filme que nos ocupa se aprecia el dichoso efecto en algunos momentos, pero tampoco es nada muy pronunciado. De hecho, el problema puede variar según el televisor con el que contemos, pero no está de más comentarlo. Concretamente el título de la película que en teoría debe salir de la pantalla, no sólo no lo hace sino que se ve completamente doble. Como decimos, la tecnología aún está en pañales. Queremos recalcar que esto no llega a ser un problema (al menos para aquellos que no se obsesionen buscando sombras) y que no entorpecen el desarrollo de una película sobresaliente para algunos, divertidísima para otros.

Ya está todo inventado, y aunque hemos podido ver numerosas películas donde el malo es el protagonista, nunca lo habíamos visto de forma tan descarada. Siempre se trataba de anti-héroes, o villanos cuyas acciones las separaba del bien y del mal una línea muy delgada. En este caso se trata de un criminal de operetta, un malhechor arquetípico sacado de la más paródica película de James Bond. Robar las pirámides, la estatua de la libertad o la luna (MUAHAHAHAHAHA) es el pan de cada día de estos señores ávidos de poder. Científicos locos, esbirros creados genéticamente, locos gadgets a cada cual más sorprendente. Ser malo nunca había sido tan divertido.

Como viene siendo habitual en este tipo de filmes de animación nos encontramos con un humor de muy buena factura. Sigo sin entender porqué las películas de animación tradicional se dirigen hacia un público totalmente infantil (recordad que siempre andamos generalizando) mientras que las de animación 3D suelen contar con chistes dirigidos también a los más mayores de la sala.

Un desarrollo dinámico. Unos golpes divertidísimos. Y como suele funcionar muy bien en este tipo de filmes, un reparto de secundarios desternillante. En este caso el oscar va para los minions, los secuaces de Gru. Criaturas que además de protagonizar los mejores momentos de la película, se pasean por 3 cortometrajes (extras en el Blu-Ray) a cada cual mejor. Si la película es divertida, la edición en Blu-Ray, sin ser para tirar cohetes, no anda nada mal. Dos discos: Blu-Ray y Blu-Ray 3D. El segundo sólo cuenta con la película. Mientras que el primero tiene en su haber los 3 cortometrajes antes mencionados, dos making-off (uno sobre los personajes y sus voces y otros sobre la banda sonora, muy recomendable esta última), un libro de recetas de galletas inspiradas en las que venden las niñas protagonistas y el consabido audiocomentario. Cabe destacar el Gru-Control. Esto no es otra cosa que la propia película con constantes interrupciones de los minions, Gru, las niñas o el mismísimo Vector. Algo bastante curioso a la par que divertido.

En definitiva, una película entretenidísima que hará las delicias de niños y grandes. Con una edición bastante decente en Blu-Ray. Recomendada en 3D para aquellos que puedan disfrutar de dicha tecnología y que no se agobien por el conocido crosstalk.

El arte de volar

2011-02-22T15:54:00.006+01:00

El 4 de mayo de 2001 el padre de Antonio Altarriba se suicidó. De esa manera ponía fin a una vida marcada por el fracaso y la frustración. Al igual que otros muchos hombres y mujeres del pasado siglo intentó construir un mundo más justo y la Historia se dio la espalda, quiso volar con las alas de la ilusión y acabó estrellándose. Se trata de una gran crónica del siglo XX y de un despiadado retrato de la condición humana en el que todos nos encontramos representados.

Con este material Antonio Altarriba elabora un guión desgarrado en el que se implica profundamente. Y junto con Kim, que lo pone en imágenes con un estilo único, construyen una historia vibrante en la que padecimientos y atrocidades no impiden que el amor y el humor ocupen un lugar importante.

La obra, inesperada y sorprendente, lleva un paso más lejos la capacidad expresiva del medio y se convierte en un hito que marca la madurez de la historieta como una narrativa adulta. Su categoría argumental y gráfica, la calidad y complejidad del relato en su conjunto, hacen que este libro se inscriba por derecho propio entre las grandes novelas de los últimos años. Estamos ante una obra magistral que recupera la Historia de los españoles y que hará Historia.

Tengo una tarea dificil entre manos. ¿Cómo recomendar una obra como esta? No por su falta de calidad. De eso tiene a raudales. No. ¿Cómo recomendar una obra que te agarra el corazón y lo aprieta hasta hacer que te duela?

Las referencias al hacercarme a El arte de volar no me preparaban para lo que me iba a encontrar. Premio Nacional de la Historieta 2010. Muy bien. "Ciertas similitudes con Maus en cuanto al enfoque". Fantástico. ¿Cómo alguien es capaz de expresar calificativos positivos cuando, después de leer el cómic, todo parece tan triste? El arte de volar no es una historia. No es narrativa, aunque pueda parecerlo. No, la obra que nos ocupa es una intrusión. Una intrusión en la relación de Antonio Altarriba con su padre. Un vínculo tan íntimo que debería estar prohibido para todos aquellos ajenos, asomar la cabeza y mirar. Nos encontramos ante algo, que iba a ser escrito, llegara a publicarse o no. Por lo que él mismo nos cuenta en el epílogo, necesitaba aclararse con su padre ya muerto. Y escribir, o reescribir, su vida; podría ayudar a ello.

En El arte de volar no vamos a encontrar moralejas (o cada uno podrá hallar la suya propia, quién sabe). No se trata de la aventura del héroe en desgracia, que tras un duro enfrentamiento contra el mundo termina en felicidad y dicha merecidas. No encontraremos un final feliz. El arte de volar es un intento de dignificar a una persona, que lo más que pudo hacer dignamente en toda su vida fue morir. ¿Cómo recomendar esta obra? Podría decir, centrándonos solamente en la técnica, que esta escrita con muchísimo cariño. Antonio Altarriba se convierte en su padre página a página para contarnos su vida desde la forma más cercana posible. Podría decir, que Kim, hace suya la desdicha de Antonio Altarriba padre, transmitiendo desde su dibujo todos y cada uno de los matices que Antonio Altarriba hijo querría transmitirnos. Muchos conocemos el trabajo de Kim por su página semanal de El Jueves: Martinez el facha y jamás podríamos haber imaginado que de sus lápices pudiera salir algo como esto.

¿Cómo puedo recomendar una obra, que me engaña vilmente, haciéndome creer que se trata de una historia más sobre la Guerra Civil y la postguerra; para después, sin previo aviso, sorprenderme; haciéndome sentir tremendamente triste? ¿Cómo recomendar una obra que te abofetea a la cara, recordándote que esta vida es una mierda y que, sí, puedes esforzarte en luchar para forjarte tu propio destino; pero eso no es garantía de nada?

No, no puedo recomendar El arte de volar a nadie. No puedo porque, en definitiva: El arte de volar ya se recomienda por sí sólo.

Pecados Veniales 2

2011-02-19T17:36:00.004+01:00

Clara cambia de hombre como de bragas, pero para ella todos son artículos de desecho.

En el supermercado del ligue no se encuentran príncipes azules, ni en las rebajas, sólo un montón de amantes.

¿Y si eso fuera lo mejor?

Sinopsis breve la que podemos encontrar en la contraportada del segundo volúmen de la serie revelación del año pasado: Pecados Veniales ¿Para qué más, si echando un vistazo al interior adivinamos perfectamente por donde van los tiros?

Pecados Veniales 2 recopila los tomos 3 y 4 de la edición original francesa. Clara y Arthur, nuestros protagonistas rompieron al final del número anterior, y ahora Clara se lanza a un puro exceso de sexo. Si en el tomo primero original, convivíamos con un Arthur soltero, y en el segundo con las idas y venidas de la pareja (ambos recopilados en el primer Pecados Veniales de la edición española). Y las diferencias entre la niña y el niño son notables. Arthur ligaba, si. Pero Clara tiene quemada ya a toda la oficina. Y... bueno, mejor leerlo uno mismo ya que Arthur de Pins y Maïa Mazaurette embarcan al lector en un viaje sin frenos, que acelera sin remedio en el tomo 4 francés con la boda de los mejores amigos y/o amantes de nuestros protagonistas.

El dibujo de la obra sigue en la sobresaliente línea del anterior tomo. Y quizás el humor... bueno, sigue igual de cafre que siempre. Aunque se ha perdido la sorpresa inicial (como ocurre con todo) mantiene un buen nivel. Algunos lo calificarán inferior a la anterior entrega, yo prefiero calificarlo de diferente. Todo lo que hacían genuínos estos Pecados Veniales sigue ahí. Pero también se aprecian cambios que hacen la serie avanzar. No sólo nos encontramos una sucesión de tiras cómicas aisladas unas de otras (idea original de la serie). No, los personajes ya son viejos conocidos, no sólo Arthur y Clara, sino algunos de los secundarios ya vienen siendo habituales (especialmente Paul y Cassandra) y nos proporcionarán algunos de los momentos más delirantes de la obra.

Es verdad que en algunos momentos (especialmente en todo lo relacionado a Clara) la obra puede llegar a cansar por su intensidad. Seguramente debido a que devoraremos el libro sin dejar siquiera tiempo para respirar. Hacedlo. Pero dedicarle una segunda lectura más pausada. No olvidemos que la serie se publica originalmente en una revista semanal a razón de una tira por entrega. Yo no he sido nunca capaz de leer sólo una. Pero creedme, aquellos que tengáis el primero ya, releedlo. Comprobaréis que estáis ante una obra que no va a envejecer nunca. Desconocemos si la serie continuará en Francia, donde de momento no hay nada más publicado. Lo que sí está claro es que De Pins tiene cuerda para rato. Y en esa cuerda tenemos regalos para todos los gustos. Atentos a ver que trae este hombre debajo del brazo, siempre puede sorprendernos como hizo en su día con Pecados Veniales.

En definita, una obra 100% recomendada para todos los lectores. ¡Todo el mundo corriendo a hacerse con su copia! ¿Cómo, que no habéis leído el primero? ¡A por él también!

El Santuario

2011-02-16T01:36:00.003+01:00

Aventura submarina que sigue a un equipo de submarinistas de cuevas subacuáticas en una peligrosa expedición por la red de cuevas más extensa, hermosa e inaccesible del mundo. Cuando una tormenta tropical los obliga a internarse en las profundidades de las cuevas, deberán enfrentarse a las embravecidas aguas, el mortífero terreno y el creciente pánico, para tratar de encontrar una posible salida (que ninguno de ellos conoce) que los conduzca hasta el mar.

El experto submarinista Frank McGuire lleva meses explorando las cuevas de Esa’ala, en el Pacífico Sur. Sin embargo, cuando una riada les corta la salida, el equipo principal de Frank (que incluye a su hijo de 17 años, Josh, y al financiero Carl Hurley) se ve obligado a cambiar radicalmente de plan.

El equipo (en el que también figuran la novia de Carl, Victoria, y a Crazy George) ve cómo sus provisiones van escaseando cada vez más y no tendrán más remedio que intentar abrirse paso por un auténtico laberinto submarino para tratar de hallar una salida. No tardarán mucho en tener que hacer frente a la inevitable pregunta: ¿Podrán sobrevivir, o quedarán atrapados para siempre?.

¿Qué será lo que pasa con el 3D en nuestros días? ¿Realmente es la nueva revolución del cine como lo fueron el sonido, el color o el formato panorámico?

Vistas ya unas pocas de películas en el novedoso formato, uno no lo tiene claro. Ya que uno se encuentra desde bodrios infumables donde la película se puede ver perfectamente con o sin gafas (Airbender, Furia de Titanes o Alicia en el País de las Maravillas hasta maravillas tecnológicas como Avatar o esta película que nos ocupa. En medio sin embargo, queda un amplio abanico de películas que uno no sabe muy bien como calificar. ¿Hasta donde debe llegar la sensación de profundidad? ¿Deben saltar constantemente cosas desde la pantalla a nuestros ojos? ¿O simplemente tenemos que conformarnos con la sensación de estar mirando por una ventana en lugar de ver simplemente una pantalla?

Muchos espectadores tienden a creer que el 3D es un desfile de objetos flotando frente a la pantalla. Los defensores más acérrimos de la tecnología afirman que esta nueva forma de ver el cine simplemente tiene como objetivo dotar a la pantalla de una ligera profundidad. Visto este El Santuario por fin puedo aportar alguna conclusión desde mi humilde criterio. La respuesta correcta es la B: una película en 3D no necesita (necesariamente) que ningun objeto salga de la pantalla (supone una ruptura en la inmersión en la película, así que deben estar muy bien medidos dichos momentos). Sin embargo, esa profundidad que se espera debe ser correcta. Y esto últimamente parece ser difícil de encontrar, con infinidad de filmes rodados en 2D que después se "inflan" digitalmente. En estos casos el efecto es pobre y no tiene mayor función que la de aumentar astronómicamente el precio de la entrada.

Pero cuando el trabajo se hace bien. Cuando se rueda realmente en tres dimensiones... Imaginen por un momento Avatar (vamos, seamos sinceros, seguro que la han visto todos). Eliminen a los seres azules larguiruchos, cojan a los humanos y sumerjanlos en agua. En un espacio muy reducido. Así podrán hacerse una ligera idea de lo que puede mostrarnos El Santuario.

A priori la sinopsis no nos augura nada espectacular. Hemos visto cosas parecidas con volcanes, túneles, tormentas, tornados, e incluso con el mundo entero. ¿Cuál es el reclamo entonces? Bueno, en el caso de este que les escribe fue algo así como: ¿qué se puede hacer con el 3D bajo el agua. Y teniendo en cuenta que la película se había rodado con la misma tecnología que Avatar... había garantías de no encontrarme con los fotogramas "inflados" en postproducción. Y el resultado, tecnológicamente hablando es bastante bueno. En los exteriores al inicio de la película la sensación de profundidad no es muy marcada. Pero cuando llega el momento de meterse bajo tierra... la cosa cambia y mucho. Uno puede apreciar en todo momento la profundidad de cada tunel. La distancia que los buzos han de recorrer sin aire. Cada burbuja de aire está en su sitio. Chapó. Nada que reprochar, al menos ya tenemos lo que veníamos a buscar.

Pero es que además, argumentalmente la película cumple. Ocurre algo parecido, nuevamente, que con Avatar (aunque esta última me parecio tremendamente divertida). Efectivamente el argumento no va a revolucionar el género. Pero la trama se articula de forma muy efectiva. Metiendonos en la historia junto a los personajes y produciendo momentos de absoluta tensión. No ganará ningún oscar, pero las dos horas de duración se pasarán rápidas (o muy lentas, dependiendo de como llevemos eso de ver gente constantemente al borde del ahogamiento).

En definitiva una grata sorpresa inesperada. Muy recomendada por su buena factura técnica, sin olvidar que resulta realmente entretenida. A tener en cuenta.

Cronologías: Dead Space

2011-02-14T15:45:00.008+01:00

No resulta infrecuente hoy en día, que una franquicia se extienda más allá de un unico soporte, incluso cambiando de formato. Numerosos videojuegos se expanden en novelas, películas o cómics. Para aquellos completistas que ansían tenerlo todo, o simplemente para aquellos que no desean perder ni un solo detalle de la trama inauguramos una nueva sección llamada Cronologías, donde podremos poner en pie el orden de lectura/visionado/juego de las últimas sagas. Si tenéis ganas de saber como haceros con algo en concreto, no dudéis en hacer vuestras peticiones.

DEAD SPACE

1.- Dead Space: Mártir
Ubicada mucho antes de los sucesos de Dead Space (PS3/360), narra como Michael Altman encuentra la primera Efigie (o Marker) y se funda la Iglesia de la Unitología.

2.- Dead Space (cómic)
Precuela del filme Dead Space: Perdición narra como en Aegis VII se encuentra la Efigie Roja y el proceso de paranoia que va sufriendo la colonia hasta que se desata el caos.

3.- Dead Space: Extraction (cómic)
Complemento al videojuego Dead Space: Extraction (Wii/PS3). Narra lo ocurrido con la novia de Isaac Clarke a bordo el Ishimura.

4.- Dead Space: Extraction (Wii/PS3)
Precuela de Dead Space (PS3/360). Narra como un grupo de supervivientes de la colonia consigue subir al Ishimura, para acto seguido tener que escapar al haber llegado la infección a la nave.

5.- Dead Space: Perdición
Filme precuela de Dead Space (PS3/360) Narra los momentos de la extracción de la Efigie Roja y la posterior infección del Ishimura desde el punto de vista de la jefa de seguridad de la nave.

6.- Dead Space (PS3/360)
El juego original. Narra como un equipo de reparaciones llega al Ishimura tras haber perdido contacto con la nave. Isaac Clarke aparece por primera vez.

7.- Dead Space: Aftermath
Filme secuela de Dead Space (PS3/360) y precuela de Dead Space 2. Narra lo ocurrido a la tripulación del USG O'Bannion al ir a recuperar los fragmentos de la Efigie Roja en Aegis VII tras lo ocurrido en el juego original.

8.- Dead Space (iPhone/iPad)
Precuela de Dead Space 2 cuenta el origen de la infección en el Eje en los niveles gubernamentales desde el punto de vista de Vandal, el ingeniero unitologista que la provocó.

9.- Dead Space: Ignition
Continuación de Dead Space (iPhone/iPad), nos cuenta en la piel de un equipo de seguridad como la infección llega a los sectores públicos.

10.- Dead Space 2
Continuación de Dead Space (PS3/360).

11.- Dead Space: Salvage
Aún por ubicar. Posiblemente al final de la saga.

True Blood (Temporada 2)

2011-02-13T09:48:00.002+01:00

La segunda temporada explora la relación de la telépata Sookie Stackhouse con su amante vampiro, Bill Compton. También introduce un número de participación de la Fraternidad anti-vampiros de la iglesia del Sol y el adoctrinamiento de Jason Stackhouse en la iglesia por sus líderes, Reverendo Steve Newlin y su esposa Sarah. También amplía el papel de Maryann Forrester, una poderosa criatura sobrenatural que controla lentamente al pueblo de Bon Temps. Sookie viaja a Dallas con Bill para ayudar a encontrar al creador de Eric, un vampiro de dos mil años de edad llamado Godric, que ha desaparecido y se cree que han sido secuestrado por el movimiento del Sol.

Resultaba muy complicado, en los últimos años, defender el mundo de los vampiros como una fuente de buenas historias alejado del mundo adolescente. Todo se lo debemos a la saga Crepúsculo de la que, sin entrar a valorar su calidad, sólo diremos una cosa: los vampiros no brillan a la luz del sol.

Cuando True Blood escapó de las páginas de Charlaine Harris para nacer en las pantallas de aquellos que sintonizaban la HBO, muchos temíamos que se tratase de un nuevo subproducto nacido a la sombra (o a la luz) de los "vampiros gusiluz". Después de que un par de valientes se lanzaran a visionarla, empezaron a llegar las criticas. Y no eran nada malas, no. Así que como para criticar hay que ver primero, nos lanzamos a por la primera temporada con la guardia bien alta, por lo que pudiera pasar.

Un momento, esto está muy bien. Efectivamente los vampiros eran tales cosas. Bebían sangre de personas, dormían en ataúdes (o semi-enterrados), son alérgicos a la plata y no, no pueden caminar a la luz del sol (al menos, no más allá de lo justo para proporcionar un momento dramático). Además, el hecho de que sean conocidos por la opinión pública ofrece un buen argumento para que haya conflicto entre los personajes. ¿A favor o en contra? ¿Buenos vecinos, o criaturas del infierno? Para no alargarnos más, la primera temporada fue una cosa muy buena.

Llegada ya la segunda, la sensación fue bien distinta. Con la guardia baja, uno esperaba más de lo mismo. Y efectivamente eso fue. Todo lo que había funcionado seguía ahí. Pero ahora iba in crescendo. Desde el primer episodio se pisaba el acelerador y no se soltaba hasta llegar al último. Y eso en una recta puede estar bien. Pero en un recorrido lleno de curvas, corres el peligro de tirar del asiendo al espectador. Dicho de otro modo, la serie empieza a volverse increíble por momentos. Todo ocurre en Bon Temps, todos y cada uno de los habitantes del pueblo tienen algo que ocultar o son poseedores de los más oscuros secretos. Y Sookie... Sookie es Antoñita la Fantástica. Todo le pasa a ella. Y donde antes teníamos una telépata... ahora ni siquiera ella sabe muy bién qué es lo que es. Tanta sorpresa junta se carga el principal puntal con el que contaba la serie: la credibilidad.

Esto no implica que la serie sea aburrida. En absoluto. La información se desvela a buen ritmo, y en lineas muy generales, los personajes actúan consecuentemente a sus personalidades. Son las situaciones, las que uno no es capaz de asimilar sin hacer aspavientos, soltar un "si, hombre, venga ya" o directamente reírse. No, la segunda temporada de True Blood no está mal. Pero dista mucho de estar bien. Hay que frenar un poco. Dejar que las aguas vuelvan a su cauce, para que nos demos cuenta que debajo hay una nueva amenaza. Porque si seguimos desvelando sorpresas en medio del temporal, no nos sorprenderemos. Y en el fantástico, lo que no sorprende: o "mola mucho" (generalmente entre el público adolescente) o "no se lo cree nadie" (entre los sectores más críticos).

En definitiva, la temporada no aburre, pero dista mucho de ser buena. No digamos ya de alcanzar el nivel de la primera. Pero no está todo perdido. Si los guionistas son capaces de reconducirla a lo que fue, tendrán serie para rato. Tengo entendido que no es lo que ha ocurrido con la tercera temporada (ya finalizada) pero creo que por aquí, todavía, no vamos a bajarnos del barco. Ya veremos más adelante.

Angelina y el honor de un brigadier

2011-02-12T13:23:00.003+01:00

Todo es teatro. En el escenario, otro escenario. Telones pintados, trampantojos y candilejas con su luz dorada y temblorosa. Y las sombras, personajes con sombra. Es otro tiempo, un siglo lejano, para Jardiel, las postimetrías de la época colonial española. Transposición teatral de la memoria. Angelina transcurre en la primavera de 1880. Un tiempo nuevo llama a la puerta. Renovarse o morir, aunque morir de risa. Jardiel trae humor nuevo, el tinglado de la antigua farsa cruje y descubrimos atónitos que lo que relucía no era oro, sino latón. Y se oxida. Este humor ventila, airea, ilumina, hiere, purifica y es un gratificante distanciamiento para revisar los mitos y las grandes palabras, ya tan polvorientas, que durante siglos, guardadas en escapularios, fueron santo y seña de este pueblo y de su teatro. Ironías del tiempo. Lo que hoy es humor, ayer fue llanto. A esta ceremonia acudirá Don Juan, que ahora se llama Germán. ¡Pobre mito desmitificado! Y Angelina, con su candorosa inocencia, desbancará a Doña Inés. Y tendremos también invitados de lujo: los cuernos que han florecido en la azotea del brigadier. Y ya se sabe, donde hay cuernos acuden, estén invitados o no, el honor desvirgado y ofendido, la honra, la humillación y el ultraje. ¡Qué gentío! ¡Ay Jardiel, la que has liado!

Se me escapa de la cabeza el dato, pero muchos años lleva ya esta página danzando por la red de redes. Cambios de nombre, de diseño y de planteamiento cada vez que la cosa se estancaba en un burdo intento de sobrevivir en un mar de blogs en el que el profesional se desmarca claramente del mero aficionado. Escasos días después de la última resurrección queremos reafirmar nuestro compromiso con aquellos pocos (o ingentes, todo depende de como prefiera mirarlo uno mismo) seguidores con los que contamos. Al menos, comprometernos todo lo que las obligaciones para con el traer el pan a la mesa nos permitan. Hay ganas de cultura, hay ganas de ocio y hay ganas de escribir. Prueba de nuestras energías renovadas (y que duren) es que por primera vez en nuestra corta historia nos vamos a lanzar a reseñar algo... nuevo. Sigan leyendo.

El ser humano cuenta de serie con el vicio de quejarse. El derecho al pataleo. Buena cosa que nos permite, cuando todo se tuerce en nuestra contra, desahogar nuestras frustraciones rápidamente. Pero hemos de reconocer, que muchas veces nos quejamos de vicio. Efectivamente, podemos lamentarnos de que Sevilla no cuenta con un circuito teatral cargado de obras conocidas por el gran público (mayoritariamente musicales de nombre y de renombre). Pero lamentarnos de que en Sevilla no se hace buen teatro... ya eso es harina de otro costal. Por pedir que no quede. Pero uno ha de pedir cuando se ha terminado lo que tiene en el plato. Plato al que, al menos, comenzaremos a darle vueltas, a ver que lleva realmente de guarnición.

De momento hemos puesto un pie en el Lope de Vega. Veamos. Angelina y el honor de un brigadier. No se de que va. No me atrae especialmente. Pero oye chico, llevo mucho sin ir al teatro y me lo pide el cuerpo. No se pierde nada por probar. Comienza la obra. Muy curioso, no hay nada en el escenario y los personajes portan linternas para iluminarse unos a otros. Alguien comenta en el patio de butacas que no le gustan esas cosas "tan modernas". Sin embargo, cuando comienza el primer acto me toca a mi perderme. Estos señores hablan muy raro. Usan un lenguaje antiguo y cargado de rimas. ¿Por qué se rie la gente? A mi me cuesta entender lo que dicen. A los cinco minutos pillo la primera broma. No esta nada mal. Me rio con el resto de la sala y por fin empiezo a dejarme llevar...

Y durante algo más de una hora y media, disfruto de una historia divertida. Nada que no haya visto antes, pero por su planteamiento algo totalmente nuevo. La rima empieza a convertirse en algo conocido y enriquece cada uno de los golpes que nos brindan unos actores (algunos conocidos, otros no tanto) que parecen disfrutar con su papel. Eso sí. No miro el reloj en todo el tiempo que dura la función (cosa que cada vez me sucede más en el cine, aunque no haya visto malas películas ultimamente), y al caer el telón, sin sentir que haya presenciado el espectáculo de mi vida, no puedo evitar sentir que la función se me antoja corta.

En definitiva, más allá de recalcar que se trata de una obra bastante interesante, no sabría a quién recomendarla. Lo que si voy a recomendar, a mí mismo el primero, es ir más al teatro. Y ya que nos ponemos, por qué no comenzar con Angelina y el honor de un brigadier que estará en el Teatro Lope de Vega del 4 al 13 de febrero.

Dead Space: Mártir

2011-02-11T15:50:00.003+01:00

Esta novela relata el descubrimiento de inició una nueva era y nos enfrentó cara a cara a nuestros orígenes y nuestro destino.

En el futuro, los recursos energéticos de la Tierra escasean. Las empresas mineras han perdido miles de millones de dólares y muchas vidas en una guerra sin sentido por el control y la explotación de la Luna. Ahora los robots rastrean el fondo marino.

El geofísico Michael Altman, destinado en una misión en la península de Yucatán, detecta extrañas fluctuaciones de gravedad dentro de un cráter. Algo pretérito y alienígena se esconde en las profundidades del océano, algo que puede beneficiar a la humanidad... o quizá no.

Altman decide llegar hasta el fondo de este misterio, un error que quizá le cueste la vida. Nadie quiere oír su teoría y el mundo se condena durante los siglos venideros. Ésta, finalmente, es su historia.

En el mundo del ocio, hay franquicias que funcionan, y otras que no. Ya sean superproducciones creadas a tal efecto; o pequeñas joyas nacidas de una buena idea y mucho trabajo. Mientras que de un juego estupendo como fue Mirror's Edge, no se supo más... otra obra nacida en las mismas fechas siguió unos derroteros muy diferentes.

La franquicia Dead Space ha dado lugar ya a cuatro videojuegos, tres cómics, dos películas de animación; y ahora, remontándonos al origen de todo: una novela. Entre las páginas del libro asistimos al inicio de todo. El protagonista, fundador de la religión dominante en la serie conocida como la Iglesia de la Unitología, aún no ha alcanzado su estatus de mesías. Será el descubrimiento de la primera Efigie (o Marker, todo depende de la traducción que encontremos) lo que de pie a que puedan nacer el resto de obras relacionadas con la saga.

Este es un movimiento que sin duda a día de hoy ya nos tomamos como natural. Desde que George Lucas popularizara el término "precuela" con su nueva trilogía de Star Wars cada vez hemos ido siendo testigos con más frecuencia de nuevas entregas que nos hacen retrodecer en el tiempo para rellenar esos huecos incompletos que las obras originales no explicaban; delibreradamente o no. En el caso que nos ocupa, aunque se aporta una cantidad de información considerable, al finalizar la novela el lector se sorprenderá (o no) planteándose nuevas dudas. Dudas que sumadas a las ya surgidas tras jugar a Dead Space y Dead Space: Extraction, haber leído sus respectivos prólogos en formato cómic, y haber visto Dead Space: Perdición; comienzan a ocupar un hueco bastante abultado en nuestras cabezas.

Ese pequeño truco de por cada respuesta, plantear dos preguntas, viene muy bien a la hora de desarrollar una trama en diferentes formatos; ya que de forma inexcusable los productos se entrelazan obligándonos a saltar de uno a otro en busca de las respuestas. Algo muy interesante para aquellos que reciben royalties por la franquicia. Pero no tanto para el fan que, contento en un principio por ser esa suerte de detective que intenta juntar las piezas del rompecabezas; pero que puede llegar a cansarse si el puzzle se complica demasiado. A día de hoy podemos garantizar que la serie Dead Space goza de buena salud. El tiempo dirá si estirar demasiado el chicle les pasa factura o no.

Centrándonos ya en la novela, se antoja entrenida. Los seguidores habituales reconoceran numerosos elementos que ir encajando con lo que ya saben de entregas anteriores (o posteriores, según se mire). El ritmo es adecuado, con capítulos muy cortos (de apenas un puñado de páginas) que saltan de personaje o escenario para ir desvelando la trama. Donde en los juegos el caos se desencadena nada más comenzar, aquí el argumento se va enrevesando, cargandose de fuerza para llegar al inevitable momento que nosotros, cazadores experimentados de necromorfos vemos venir. Bastante entretenida, y como ya decimos, satisfactoria en casi su totalidad por la cantidad de información que proporciona. Quizá, en sus páginas finales la cosa se enrevese demasiado (es verdad que casa a la perfección con lo que ya sabemos) dejando numerosos cabos por atar en una futura novela, o tal vez de forma retrospectiva en Dead Space 2 (lo acabaremos comentando aquí, tranquilidad).

En definitiva, una novela muy entretenida. De obligada lectura para aquellos que sigan fielmente la serie. Poco más. Incluso como libro de los amantes del terror flojea debido a que todo rompe en los últimos compases de la historia. Si has jugado a Dead Space, y te gustó: hazte con ella rápidamente.

El discurso del Rey

2011-02-05T19:04:00.002+01:00

Tras la muerte de su padre, el rey Jorge V (Michael Gambon), y la escandalosa abdicación del príncipe Eduardo VII (Guy Pearce), Bertie (Colin Firth), afectado desde siempre de un angustioso tartamudeo, asciende de pronto al trono como Jorge VI de Inglaterra. Su país se encuentra al borde de la guerra y necesita desesperadamente un líder, por lo que su esposa Isabel (Helena Bonham Carter), la futura reina madre, le pone en contacto con un excéntrico logopeda llamado Lionel Logue (Geoffrey Rush). A pesar del choque inicial, los dos se sumergen de lleno en una terapia poco ortodoxa que les llevará a establecer un vínculo inquebrantable. Con el apoyo de Logue, su familia, su gobierno y Winston Churchill (Timothy Spall), el rey supera su afección y pronuncia un discurso radiofónico que inspirará a su pueblo y lo unirá en la batalla.

Quién siga habitualmente la página habrá notado que lo que aquí gusta son las obras palomiteras. En Cazadores de Recompensas somos amantes de las explosiones, el 3D, el sonido envolvente y las carreras. Pero también (aunque alguien pueda llegar a pensar que sólo a veces) lo somos también de una buena historia. Y pese a que escapamos de las modas y la crítica mayoritaria hasta poder opinar por nuestra cuenta, hay ocasiones en las que el clamor popular habla tan claramente que no queda más remedio que hacer caso.

Debido a esto frente a un primer impulso que nos hubiera llevado a ver RED (ya tendremos ocasión de comentarla más adelante) decidimos hacer caso a ese gusanillo que de vez en cuando nos pide algo diferente y, por supuesto, a las magnificas críticas que está cosechando el filme junto a los premios más jugosos del panorama internacional. Es interesante mencionar antes (vaya a ser que algún amante de la película encuentre este análisis poco efusivo para su gusto) que no soy aficionado a ver películas que me recomienden por activa y por pasiva. Llámenme inocente si quieren, pero me resulta muy complicado no crearme expectativas a poco que me hablen bien de algo; y es muy fácil que dichas pretensiones sobrepasen la calidad del producto por muy elevada que sea la misma.

Es lo que me ocurrió con películas como Braveheart ando convencido de que pasará cuando vea El Padrino (venga, que lluevan las collejas). Cuidado, no hablo ni de que sean películas malas, ni siquiera que no me gusten. Reconozco su calidad indiscutible pero simplemente es que (erróneamente) me esperaba más.

Entrando ya en materia pudiera parecer que esto es lo que me ha ocurrido con El discurso del Rey. No exactamente. Bien es cierto que el trailer me había dado a pensar que en las dos horas de duración de la película encontraría una suerte de "entrenamientos" a cada cual más estrambótico y con más épica. Nada más lejos de la realidad (repito, cosa que no es mala). No, el peso de la narración se mueve en dos pilares, de mayor a menor: La relación que tiene el futuro Rey con todo lo que implica su posición real. Y por debajo, pero no menos importante la relación entre monarca y especialista del habla.

Un filme como este ha de descargar toda la responsabilidad en unos buenos actores (inmejorables Colin Firth y Geoffrey Rush) y un buen guión, recalcando los diálogos, motor de la narración en estos casos. Sobra decir que todos los indicados cumplen sobradamente con su cometido. A pesar de todo se aprecia un gran trabajo de dirección de cámara que se traduce en unos planos poco habituales en "películas de gente hablando", con unos aires muy marcados que refuerzan el dramatismo (o no) de cada escena. El paquete se completa con una banda sonora perfectamente apropiada para cada momento. Una obra que seguramente termine de arrasar en los premios internacionales que quedan por repartir como ya viene haciendo desde un tiempo atrás.

Mencionar que en algunos momentos muy pequeños, el ritmo puede hacerse ligeramente lento. Esto ocurre no por una bajada de calidad en las escenas en las que el Rey ha de asumir su papel y luchar contra las imposiciones de su familia. Dichas escenas son en algunos momentos auténticas proezas de interpretación. El "problema" es que el pulso que mantienen los dos coprotagonistas es tan delicioso que cada pausa es un mirar el reloj a la espera de que vuelvan a enfrentarse.

En definitiva, después de mucho tiempo visionando películas divertidas, o muy entretenidas; volvemos a encontrarnos con algo nuevo. Una película que se puede recomendar a todo el mundo a sabiendas de que, les guste más o menos... nunca podrán decir que es una mala película.

Crisis: Sobrevivir a las novedades de febrero con sólo 100€

2011-02-05T11:10:00.019+01:00

Nueva sección para revitalizar el blog. Dado que el objetivo de esta página (cuando funciona) es el de recomendar las mejores (y lograr que evitéis las peores) formas de ocio... ¿por qué no intentarlo antes de que salgan? De ahí que todos los meses intentemos recomendaros algunas compras (al menos serán las que un servidor se consiga)de acuerdo a un presupuesto (que en principio será de 100€ ya me diréis vosotros que cifra os interesa más) prefijado. Los artículos irán ordenados de acuerdo a su interés por si alguno se quiere ceñir a una cifra monetaria más baja. ¿Comenzamos?

1.- Pecados Veniales 2 (Arthur de Pins y Maïa Mazaurette): 15€

2.- Fantasía (Blu-ray): 25.95€

3.- El día más brillante nº 2: 4.5€

4.- Green Lantern nº 13: 3.95€

5.- Coleccionable Marvel Héroes: Hulk, los perros de la guerra: 9.99€

6.- Coleccionable Marvel Héroes: Los 4 Fantásticos, vuelta a los orígenes: 9.99€

7.- Desde las Profundidades, Asylum Pack 1: La Semilla del Durmiente: 14.95€

8.- Desde las Profundidades, Asylum Pack 2: El Horror bajo la Superficie: 14.95€

TOTAL: 99.28€

(Y recordad que queremos convertir el blog en algo más participativo, así que no dudéis en comentarnos presupuestos diferentes, o publicad vuestras própias listas, os esperamos a todos en esta nueva etapa!!)

La Noche más Oscura: Relatos

2010-11-09T01:13:00.003+01:00

La noche más oscura ya está aquí y ni siquiera los héroes místicos son inmunes a los planes de Nekron, el señor de los no vivos. Y es que, mientras investigaban la desaparición del cadáver de Deadman, el Espectro, el más poderoso de todos ellos, se ha convertido en un Black Lantern que está obsesionado con Hal Jordan, el que antaño fuera su huésped mortal. Por su parte, el héroe conocido como Átomo se ha unido temporalmente a la Tribu Índigo para ayudar a contener a los zombis que recorren la Tierra.

No hemos hablado por aquí previamente de La Noche más Oscura. Hacerlo implicaría hablar de Green Lantern (y Green Lantern Corps), posiblemente la mejor serie (o series) de superhéroes que se puede leer a día de hoy.

Y si una serie que lleva en danza unos pocos de años dejando caer miguitas de pan para llegar a el colofón final que implica esta Noche más Oscura tiene esa calidad, es de suponer que el cierre de etapa estará a la altura de las expectativas. Lo está, tranquilos. Por eso, más allá de animar a todo el mundo a hacerse con todo lo publicado sobre el Cuerpo de Green Lanterns desde Green Lantern: Renacimiento poco más diremos. Nos centraremos en este "relatos" que tenemos entre manos.

Y es que parece ser que como todo gran evento, el que nos ocupa no iba a pasar sin sus cruces con las series más punteras de la editorial. Y lo que viene más al caso, sus números especiales fuera de la colección principal. Por lo que además, de una miniserie titulada en USA: Blackest Night: Tales of the Corps que narra en capítulos de pocas páginas los orígenes de multitud de secundarios que han pasado por las páginas de los tebeos esmeraldas en los ultimos años enriqueciendo así una trama ya de por sí bien montada; podemos encontrar además, nueve números únicos que retoman la numeración de colecciones ya canceladas hace tiempo. Aquí podemos encontrar un punto negativo para este Relatos. En su interior encontramos sólo dos de estos nueve "one-shots" (Atom and Hawkman 46 y Phantom Stranger 42)y cinco historias de la miniserie Tales of the Corps (el resto se incluirán en números de Green Lantern como complemento), cuando lo más interesante habría sido publicar dos tomos (de esos que tanto gustan en España): uno con los 9 especiales y otro con la miniserie.

Decisiones editoriales aparte, cada historia es de su padre y de su madre. Bueno, realmente esto ocurre en los números dedicados al Átomo (bastante importante en su papel relacionado con La Noche más Oscura) y al Fantasma Errante (no tanto por la implicación del Fantasma como por las posibles repercusiones para Deadman en la futura Brightest Day). En el caso de los relatos, todos son o de Geoff Johns o de Peter Tomasi (y cada uno lleva una de las dos colecciones de los Lanterns) así que la calidad narrativa está asegurara. Y podemos decir que hay algunas muy interesantes.

En definitiva, un número de complemento, recomendado para los seguidores de La Noche más Oscura unicamente. Entretenido, aunque quizás hubiera sido más interesante publicarlo en otro formato.

Blacksad: El infierno, el silencio

2010-11-05T13:48:00.005+01:00

Nueva Orleans, la cuna del Jazz, se dispone a celebrar su carnaval. El color y la música invaden sus pintorescas calles durante el Mardi Gras. PEro la calurosa ciudad de Luisiana también tiene un lado oscuro. Inmerso en un sórdido ambiente de droga, vudú y bajas pasiones, nuestro detective tiene que encontrar al celebre pianista Sebastian "Little Hand" Fletcher antes del amanecer. La noche va a ser larga para Blacksad.

¿Cinco años ya? Como pasa el tiempo. Al menos eso es lo que pone en la contraportada del álbum. Cinco años desde que Alma Roja, la anterior entrega del detective Blacksad fuera publicada.

Quizás sea buen momento de hablar un poco de la serie en general, y es que pese a que dentro del mundo del lector de tebeos se trata de una serie muy conocida; raro es el lector ocasional que sabe de este gato detective. Causa de ello pueda ser, además de no pertenecer al género superhéroico (que dota a sus protagonistas de gran fama en forma de adaptaciones cinematográficas o televisivas) su distanciada periodicidad que le proporciona un menor tiempo en las estanterías de novedades de las grandes superficies. Centrandonos en este punto, para mi es una gran ventaja, ya que cada nueva entrega sale muchísimo más cuidada que en cualquier otra colección.

Siempre se ha comentado, aunque sea por lo bajini que la serie no puede permitirse alardear de un buen guión, cosa que lastra terriblemente al maravilloso dibujo resultando un conjunto altamente desigual. No quiero quitarles la razón a aquellos que realizan tales afirmaciones; pero si quiero constatar que si bien es cierto que no nos encontramos ante argumentos dignos de premios, si que resultan bastante "resultones" y cumplen perfectamente con su cometido. La verdad que en este caso concreto el trabajo de Díaz Canales no debe desmerecerse en exceso ya que plantea una trama interesante. Nada de sorpresas ni giros de guión enrevesados. Eso sí, intenta realizar un juego de flasbacks (la historia transcurre en una sola noche y todas las escenas que transcurren de día son de hechos pasados) que no termina de cuajar, confundiedo bastante al lector sobre cuál es el orden correcto de los acontecimientos.

Hablando del dibujo poco se puede decir al respecto. Mucho menos nada que sea negativo. Guarnido realiza una sucesión de auténticas obras de arte pictóricas. Sus animales antropomórficos son perfectamente creíbles y desbordan expresividad. (¡Qué narices, si hasta sus chicas son tremendamente sexys! Ando yo enamorado de cierta ardilla que...) Y eso si hablamos de los lápices. Si entramos ya en como sus acuarelas tratan el color... Desde aquí siempre hemos defendido que un buen guión ha de prevalecer sobre el dibujo, pero Blacksad es una serie que merece la pena comprar sólo por el apartado gráfico. Más que, como se dice, el guión lastra a la ilustración; en esta ocasión más bien diría que es el dibujo el que se encarga de ocultar las carencias de la narrativa.

De la edición al castellano de Norma Editorial tampoco podemos decir mucho. Mantienen el formato de las tres entregas anteriores. Tamaño albúm, cartoné. Aunque si no fallan mis neuronas creo que el precio ha subido de 12€ que costaban los anteriores, a 15€, cosas de la economía, imagino, después de 5 años. No se aprecian erratas de ningun tipo ni fallos de impresión (la verdad es que Norma mantiene algunos de los precios más caros del mercado, pero también es muy raro encontrar fallos en sus ediciones), así que desembolsar 15 euros cada 5 años por una obra cuidada no duele demasiado.

En definitiva debería ser una compra obligada para cualquier buen amante de la ilustración o el arte secuencial. Sin embargo, es cierto de que el guión no puede ser recomendado por todos por lo que muchos no se acercarán sólo por el dibujo. A pesar de ello, sigue tratándose de una obra muy recomendada.

Sonic the Hedgehog 4: Episode I

2010-10-27T00:30:00.004+02:00

¡Nuestro héroe legendario regresa! Con la Death Egg finalmente destruida, y Angel Island de vuelta en el cielo, Sonic decide que es tiempo de tomarse un respiro y comienza a explorar un nuevo territorio por su cuenta. Sin embargo, para desconocimiento de Sonic, Eggman también ha sobrevivido después de perder la Master Emerald durante su último encuentro. Eggman se reagrupa con un nuevo objetivo; ¡remodelar y perfeccionar sus mejores creaciones en un esfuerzo para derrotar a Sonic!. Armado con su inimitable velocidad, su habilidad Spin Dash y el poderoso Homing Attack, ¡Sonic está preparado para una aventura completamente nueva!

Al contrario que el fontanero de Nintendo, que con cada juego nuevo aumentaba su éxito; el erizo más rapido del mundo de los videojuegos a visto como su veloz carrera se encontraba con algunos baches de distinta consideración.

Después de alcanzar la gloria en las dos dimensiones con el soberbio Sonic 3 y su ampliación Sonic & Knukles vino un tiempo incierto en el que no se acaba de dar con la fórmula para continuar con las aventuras de Sonic. Con Sonic Adventure parecimos allar la luz al final del tunel, pero un cansino a la par que innecesario intento de innovar constantemente la franquicia provocó que de la enorme cantidad de títulos que siguieron, ninguno pasara del aprobado justo. Multitud de interesantes personajes iban apareciendo, dando posiblidades con mucho jugo para la trama. Sin embargo, la ejecución en la jugabilidad acababa dando un espaldarazo al conjunto. Conscientes de que había que dar con una solución, se optó por volver a los orígenes.

Hacer una cronología con todos los títulos del erizo azul es ardua tarea. Sin embargo había cuatro juegos que, además de ser correlativos, teoricamente representaban el inicio de la franquicia: Sonic, Sonic 2, Sonic 3 y Sonic & Knuckles. Para mayor confirmación resultaron ser los grandes juegos de Sonic y compañía por lo que la nueva entrega se iba a ubicar inmediatamente a continuación de ellos e iba a recuperar el sistema de juego de scroll lateral tan añorado por los fans.

Sin embargo, aunque a priori no lo pueda parecer, hay suficientes novedades. En esta ocasión nos encontramos ante un "Episodio I" de un total de cuatro. Por lo que al final resultará una aventura mucho más larga y compleja que las anteriores. Recorreremos cuatro niveles de tres zonas cada uno ambientados en fases del primer juego. A lo que hay que añadir una última zona con el jefe final del juego. Los niveles de bonus están basados también en aquellos retos imposibles de la primera entrega. No nos llevará mucho tiempo acabar el juego, pero conseguir las siete esmeraldas y los diferentes trofeos alargarán ligeramente la vida de un título que, como sus antecesores, goza de muy buena salud en su rejugabilidad. Graficamente precioso en alta definición, las animaciones son muy buenas. Aunque bien es cierto que acostumbrados a los erizos de sprites y a los modelados 3D hay que darle un tiempo al jugador para hacerse con el juego. Y no solo a nivel estético, el protagonista se comporta con mayor "realismo" y ha de acelerar poco a poco hasta alcanzar su velocidad punta, por lo que puede parecer que las animaciones están mal hechas en un principio. Nada más lejos de la realidad.

Dicho todo esto puede parecer que nos encontramos ante el primer juego con un lavado de cara en alta definición. Y no va muy desencaminada la cosa, es cierto. Sin embargo, no hay que olvidar que nos encontramos ante un homenaje y que aún quedan tres episodios en los que desarrollar interesantes novedades. Pero pese a que el recuerdo de las primeras entregas es constante elementos jugables como lianas, antorchas para iluminarnos, vagonetas, etc. dan una nueva perspectiva a niveles familiares. Pero nada es perfecto en esta vida, aunque el Sonic Team parece ir bien encaminado. Los jugadores encontrarán problemas a la hora de subir sus récords (además del juego clásico en modo por puntos, podrán recorrer todas y cada una de las fases en modo contrarreloj) a la red. Por alguna extraña razón no siempre se cargan en las tablas obligando a repetir la fase y mejorar la marca (cosa que sigue sin garantizar que se solucione el problema). Y por otro lado el precio. 12.99€ se antojan un poco caros para un juego descargable de esta duración. Es cierto que contamos con la mitad de zonas que en entregas anteriores y vale la mitad de lo que valían los juegos de la vieja Megadrive. Pero la verdad que en la relación duración-precio hay algo que no termina de cuajar. Afortunadamente, volver a recorrer los niveles como Super Sonic nos dará la satisfacción de haber jugado ocho zonas. Lástima no poder conservar ese poder para los jefes finales y sí que se echa en falta un nuevo final que se desbloquee al completar el juego con todas las esmeraldas como en los Adventure. Aunque supondremos que lo veremos en la última entrega.

En definitiva una compra obligada para los seguidores del erizo más veloz de los videojuegos. Muy recomendado para cualquier jugador, especialmente los amantes de los juegos en dos dimensiones. Pero desgraciadamente su precio echará para atrás a muchos posibles compradores.

Spiderman Noir: Los ojos sin rostro

2010-10-26T15:16:00.008+02:00

Existe una realidad donde Peter Parker vivió en la década de los años 30. En esa época tan dramática de la historia de Estados Unidos, dominada por la Gran Depresión, Nueva York se ha convertido en un campo abonado para la corrupción y las bandas de gángsters.

En medio de ese oscuro escenario, el joven Parker consiguió poderes arácnidos que le convirtieron en el Hombre Araña. Esto le permitió acabar con Norman Osborn, conocido por el sobrenombre de El Duende. Pero esto no ha significado el fin de los problemas en la Gran Manzana. En este segundo volumen de Spiderman Noir, nuestro heróico protagonista deberá enfrentarse a nuevos peligros como el imparable Hombre de Arena...

¡Los años 30 nunca tuvieron mejor albacea que el Hombre Araña! Y es que cuando las cosas dan juego, pues siguen y siguen. Lo curioso es que después del buen funcionamiento de la miniserie original no hayan lanzado una serie regular, sino apenas otros cuatro numeros, que aunque no saben a poco tampoco meten prisa a nadie por empezar a correr con la colección.

Resulta muy curioso que pese a que el número de cameos y apariciones aumenta considerablemente con respecto al tomo anterior, la temática siguen siendo las mafias y el crimen callejero. Incluso el Hombre de Arena, tan cacareado en la sinopsis no es más que un mero comparsa del mundo criminal. Si anteriormente contabamos con Urich, Jameson, Felicia, Osborn, Los Forzadores y El Buitre; ahora contaremos con Mary Jane, Robbie, De Wolfe, Otto Octavius, el Hombre de Arena, el Señor del Crimen e incluso. Curt Connors. Aunque repetimos que todos asumen sus papeles tradicionales de forma bastante sutil (incluso Octavius, que por su simple planteamiento debería ser el más aparatoso). Así que recalcándolo una vez más, aqui el ritmo no lo llevan las grandes batallas heroe-villano. En su lugar nos encontramos con el interés por desgranar un misterio, por la investigación que realiza Spiderman (al más puro estilo del Hombre Murcielago) para finalmente si, darse de tortas con los matones de turno.

El hecho de que sea el mismo equipo creativo el que repita partido hace que la obra presente una continuidad propia de serie regular. Se ve que los guionistas tienen muchas ideas y poca prisa por lo que se están aprovechando para presentar multitud de personajes a modo de planteamiento. No hay que correr, el crimen organizado da mucho juego, ya tendremos tiempo de meter al Trepamuros en problemas de verdad. Desde luego desde aqui le auguramos buena salud a la serie, siempre y cuando no se cambie el ritmo. Ya esperamos con ganas el tercer tomo, de cuatro números; repetimos: sin prisa.

Por otro lado Panini nos presenta una edición similar a la anterior. Con todas las portadas (incluye las alternativas) al final de la historia a modo de extras; y con el diseño de la colección Marvel Noir que están presentando todos los productos de la colección. Quizás el precio sea ligeramente elevado, ya que hablamos de tan sólo cuatro números USA y quizás se podría haber bajado un poco de los 10,50€. Pero tampoco se trata de un despropósito.

En definitiva, poco más que añadir a lo ya dicho del primer volumen. De compra obligada para aquellos que disfrutaron con las primeras aventuras del Spiderman más pulp de Marvel y muy recomendado para lectores Marvel en general.

Spiderman Noir

2010-10-25T23:24:00.011+02:00

Un gran poder conlleva una gran responsabilidad. Pero cuando aquellos que tienen ese poder abusan de él, el pueblo tiene la responsabilidad de derribarlos. El año es 1933. Nueva York está gobernada por políticos corruptos, policías que no hacen nada por proteger a los inocentes y hombres de negocios sin escrúpulos. Es entonces cuando una araña cambia el destino de Peter Parker, pero no es la historia que esperas. ¡Conoce a un Hombre Araña con sabor a pulp y género negro!

Seamos sinceros, nos gusta hacer puzzles con los tebeos. Ya sea encajando las piezas que suponen cada capítulo de los numerosos crossovers (perdón, perdón: eventos) que pueblan el panorama editorial. O de otra forma muy distinta comparando detalles entre diversas versiones de algo ya contado.

Y es que, por desgracia ya está todo inventado, que se dice. Y después de más de 75 años y centenares de números, los superhéroes no hacen más que mirar constantemente a sus origenes. Primero fueron los sempiternos "años uno". Más adelante los "What... if?" y los "Elsewords". Nos encanta especular con qué hubiera pasado si el más mínimo detalle de las historias que nos conocemos al dedillo hubiera acontecido de forma distinta. Faltaría más. Y eso es lo que nos cuenta la línea Noir de Marvel. ¿Qué hubiera pasado si nuestros superhéroes más dicharacheros hubieran aparecido en los años 30? Se trata pues de una premisa, a priori, tan parecida a las planteadas en Batman: Gotham by Gaslight o 1602; aunque quizás en esta ocasión, el marco temporal elegido tenga un atractivo mayor. Nadie puede negar que la época de la "ley seca" puede dar mucho juego, sobre todo si acompañando al marco temporal nos traen abundantes recursos temáticos y estilísticos.

Nada de color, nada de alta tecnología. Los años 30 son el marco de la novela negra, y como tales todo es mucho más oscuro y deprimente. Aquí lo más moderno que vamos a encontrar es un revolver. Los villanos pierden sus orígenes radiactivos para bucear en la farándula circense. ¿Kraven? Domador de animales. ¿El Buitre? Una suerte de Nosferatu de Murnau. ¿Los Forzadores? Forzudos y acróbatas. ¿El Duende? Bueno, de El Duende no desvelaremos nada ya que es una de las sorpresas de la miniserie. Los villanos noir no buscan dominar el mundo. Tan solo controlar sus ciudades como buenos mafiosos. De la misma forma, nuestro héroe no deberá sus poderes a arañas radiactivas o alteradas genéticamente. Parece ser que nuestro amigo Joseph Michael Straczynski marcó influencias con aquel origen "totémico" de los poderes de Spiderman; y esta es la línea que sigue la colección, aunque no se llega a profundizar en ningun momento.

Argumentalmente, lo de siempre. Más o menos. La muerte de tío Ben, los primeros pasos en el Bugle, los Forzadores, obtención de los poderes... pero la verdad es que los años 30 le sientan fenomenalmente al lanzarredes como para que no andemos haciendo comparaciones a cada página que pasamos. El dibujo, bastante acertado. Con uso y abuso de los negros, los marrones, sepias y ocres. Como anotación personal yo hubiera preferido el blanco y negro. Si ya está todo inventado, ¿por qué no hacer el Sin City del Universo Marvel? Pero la verdad es que poco hay que reprocharle a la obra, que sin ser una genialidad, se defiende bastante bien en un mercado saturado de mallas. Habrá quién se lance de cabeza a por el resto de títulos de la línea. Por lo menos dan ganas de curiosear, desde luego.

En definitiva, habrá quién lo tache de nueva vuelta de tuerca; y quien lo trate de soplo de aire fresco. Desde luego se trata de un producto bastante entretenido. Muy recomendado para seguidores del amistoso vecino, y como algo a tener en cuenta por aquellos que lean Marvel en general.

Spiderman: La Saga del Clon

2010-10-25T16:01:00.010+02:00

La Saga de Ben Reilly...

... tal y como debió ser contada. Entre 1994 y 1996, Marvel publicó la más polémica aventura de la historia de Spiderman. Ben Reilly, el clon de Peter Parker largo tiempo desaparecido, reaparecía en escena para reclamarse como el auténtico Hombre Araña. El evento se extendió durante decenas de comics, hasta convertirse en algo muy diferente a como lo habían imaginado sus autores. Ahora, Tom DeFalco y Howard Mackie, dos de los guionistas de "La Saga de Ben Reilly", vuelven a colocarse bajo la máscara de Spiderman para reconstruir aquella aventura tal y como debió haber sido contada en sus origenes, sin injerencias editoriales y con el único propósito de narrar un momento decisivo en la historia del Hombre Araña.

Todos recordamos con cariño el momento en que empezamos a leer cómics. Obviamente desde nuestra más tierna infancia hemos consumido tebeos en cantidades ingentes. No, me refiero a ese momento en el que comenzabamos a "coleccionar" cómics.

Los más mayores tuvieron la suerte de iniciarse con obras como Watchmen, The Dark Knight, La Saga de Fénix Oscura... Yo por el contrario comencé a dar mi primeros pasos detrás del lanzarredes... quiero decir... los lanzarredes. Y es que La Saga del Clon (hoy en día no puedes decirlo tres veces sin que aparezca algun fan enfurecido y te ataque por la espalda) fue mi primer contacto con el mundillo editorial. Cualquiera que conozca un poco de la historia de Marvel, sabrá que lo que en principio fue una gran idea, acabó convirtiéndose en un auténtico despropósito por cuestiones editoriales. Si al hecho de que la serie ya era de por sí caótica (creo que llegó a englobar más de cinco colecciones mensuales del amistoso vecino) le sumamos el detalle de que por aquel entonces uno no podía seguir la serie mensualmente por temas económicos (si no me falla la memoria, llegué a comprar los tomos 1, 2 y 18 de la primera colección de tomos de Forum) más de uno se estará preguntando que fue lo que me hizo seguir comprando tebeos hasta el día de hoy.

Primero, el amor incondicional que desde pequeñito profeso hacia la historieta. Pero es que por encima de eso, y del inmenso lío que se habían montado, la idea era jodídamente buena. Hasta el punto de que hoy, 15 años después, muy timidamente ya hemos visto aparecer a Kaine (uno de los personajes principales de aquel entonces) y más timidamente a Ben Reilly (el clon en cuestión) en la serie del trepamuros. Si señor, el clon nació para quedarse, pero cuesta mucho olvidar el error que supuso su saga. Por eso, a modo de un director's cut vio la luz esta Saga de Clon, una suerte de remake-resumen de lo que fueron aquellos casi 200 numeros de confusión. En seis episodios, separados argumentalmente por varios meses entre sí, asistimos a un resumen de los momentos clave de la saga, con suficientes cambios, para que todo cobre sentido. Posiblemente aún siga siendo confusa para aquellos que no leyeron nada en su día, ya que entre capítulo y capítulo sucedieron muchas cosas que no se nos cuentan ahora. Pero para aquellos que vivieron el caos que supuso aquello, sirve de recordatorio de todo lo sucedido de forma ordenada.

Es decir, argumentalmente hablamos de la que posiblemente sea la historia más importante de Spiderman, y el hecho de que se hayan corregido los errores del pasado debería hacerla rozar el sobresaliente. Sin embargo, ese caracter de miniserie cerrada, con tantas lagunas entre episodio y episodio (por otro lado necesarias en un producto de esta índole) hace que pierda la trascendecia que sí tuvo en su día la saga original. Los guionistas han querido hacer un homenaje, no rehacer la saga, y se notan sus intenciones. Aunque (y sin revelar ningun detalle), algunos de los cambios del final parecen dejar entrever que este tomo puede servir de justificación para esos tímidos acercamientos que se están realizando a día de hoy en Amazing Spiderman a (quizás) retomar esas ideas.

El dibujo cumple, sin resultar espectacular. Gana más en las escenas de acción, y pierde ligeramente en las expresiones faciales. Aunque generalmente ya sabemos que esto ha sido siempre cuestión de gustos. Y entrando ya en la edición de Panini, pues cumplen también con sus obligaciones. Un solo tomo en tapa blanda que recopila los seis episodios, con su correspondiente portada antes de cada capítulo, y las habituales solapas de la colección 100% Marvel (algún día entenderé esa manía que tenemos en España de englobar series en colecciones aunque no tengan nada que ver unas con otras más allá del formato). Sin embargo, notése que desde Panini han decidido cambiar el diseño de la colección (esperemos que definitivamente), cosa que no es que afecte mucho al englobar series tan diversas (series regulares como Motorista Fantasma o Daredevil o miniseries cerradas de infinidad de personajes diferentes).

En definitiva un producto obligado 100% para los seguidores de Spiderman, especialmente para aquellos que leyeron al menos algo de la Saga del Clon original y nos sigue pareciendo una buena etapa, aunque no se ejecutará de la manera correcta.

Dumbo

2010-08-25T22:56:00.006+02:00

Por primera vez y con motivo de la celebración del 70 aniversario de esta inolvidable película, disfruta de las aventuras del único elefante volador del mundo, con una brillante mezcla de sonido y una impresionante restauración digital Disney de alta definición.

La inspiradora historia de Dumbo, el valiente bebé elefante que ultilza sus increibles orejas para elevarse a la fama con la ayuda de su buen amigo, el ratoncillo Timoteo, llenará de alegría a toda la familia con sus valores sobre la verdadera amistad y la autoestima.

Vamos allá con una frase lapidaria. "La gente necesita que la dirijan". Ahora, antes de que cierren el blog por promover actos dictatoriales, maticemos.

Después de que Blancanieves y los siete enanitos fuese un éxito arrollador. Walt Disney intentó dirigir al público en una dirección diferente, alejada del entretenimiento puro y duro, con Bambi y muy especialmente con Fantasía. Ambas dos están consideradas hoy como imprescindibles en cualquier filmoteca. Sin embargo, en su momento no funcionaron nada bien en taquilla, y es que muchas veces, la gente "no tiene ni idea de lo que quiere realmente". Es por ello que para salir del bache en el que se encontraban los estudios, Disney optó por darle al pueblo, lo que el pueblo demandaba. Y así nació Dumbo, sin pretensiones ni experimentos. Una breve historia de excasos 60 minutos. Eso sí, con toda la ternura que el equipo de Walt imprimía a todas y cada una de sus obras por aquel entonces.

Mientras esperamos las ansiadas ediciones Platino de Fantasía y Bambi (largometrajes nº 2 y 3 de Disney respectivamente), nos vamos a centrar en esta edición 70 aniversario de Dumbo (no tendrá edición Platino) en Blu-Ray. Como la calidad de las películas del papá de Mickey Mouse es indiscutible (al menos en estos primeros compases) nos centraremos en la edición en sí, ya que la película es imprescindible en cualquier filmoteca. Para ello vamos a echar mano de los compañeros de ZONADVD, utilizando el análisis que Javier Gallén hace de la misma.

"El meticuloso acabado de anteriores largometrajes de Disney es abandonado por un estilo más descuidado y cercano a las Silly Symphony. Ésto se traduce en un menor nivel de detalle, acompañado por la vuelta a los fondos dibujados en acuarela donde podemos apreciar claramente tanto trazos como manchas de agua. Es por ello que el Blu-ray no sólo permite entregar fielmente la calidad de la obra original, sino que además la excede ampliamente.

De este modo, la excelente nitidez deja al descubierto las carencias del material original, donde personajes en segundos planos se presentan dibujados con escaso detalle, o zooms que superan los estándares habituales de calidad, mostrando líneas de contornos excesivamente gruesas.

La restauración es similar a la de otros largometrajes Disney editados en alta definición: Además de un nuevo máster, se ha utilizado un sofisticado software que mejora la uniformidad cromática de las tintas planas y que elimina el ruido de celuloide. Ésto, que en imagen real resulta poco recomendable, permite obtener una imagen limpia y atractiva, muy similar a lo que supondría volver a filmar los elementos originales. Tan solo se pueden señalar pequeños detalles como siluetas desenfocadas alrededor de los personajes o la incapacidad del software para eliminar el grano durante los fundidos ópticos (inicio del capítulo 6), detalles, eso si, que pasarán desapercibidos para la gran mayoría.

La estabilidad de la imagen es asombrosa y la imagen está completamente libre de manchas, mientras que los colores son vibrantes y respetuosos con los elementos originales que se conservan. Todo ésto hace que los planos más oscuros ganen en detalle y espectacularidad, convirtiendo por ejemplo la secuencia de los elefantes rosa (capítulo 13) en una delicia visual de primer orden, aunque ello suponga revelar también algunos detalles de la sofisticada composición de elementos por medio de máscaras que se empleó en algunos planos (48' 14'')

Si ya de por sí es harto complicado encontrar problemas en la compresión de imagen de un Blu-ray, la escasa duración de la película y su formato 1.37:1 hacen de ésta un material idóneo para una codificación impoluta. De hecho, se trata de la principal virtud de éste Blu-ray frente al propio DVD incluido en la misma caja, dado que la definición es un factor poco relevante ya en el propio material original.

En resúmen, Dumbo sigue la línea de los clásicos Disney editados hasta el momento en alta definición, cumpliendo con nota en todos los apartados visuales y permitiendo volver a disfrutar de una película clave para el famoso estudio de animación.

Si la codificación en alta definición de la imagen excede las propiedades del material original, con la pista de audio en versión original ocurre otro tanto: Como viene siendo habitual, se presenta masterizada en DTS-HD Master Audio 7.1 (48kHz/24-bit), y lógicamente su aprovechamiento es más bien escaso.

Partiendo de la pista original en mono, se han aplicado leves efectos de reverberación multicanal a algunos pasajes musicales con el fin de dotarles de algo de espacialidad con resultados correctos pero nada espectaculares. Solo encontraremos un uso multicanal evidente justo al principio de la película, donde el sonido de unos aviones viaja durante unos instantes por todos los altavoces (2' 04'').

La fidelidad es limitada, como corresponde a un audio grabado en 1941, pero no se observan ruidos de fondo ni problemas en la legibilidad de los diálogos.
En resúmen, una pista correcta a la que no se le puede (ni debe) exigir un sonido multicanal de primer orden. Eso si, no hubiese estado de más la inclusión de la pista original en mono sin ningún tipo de modificación.

Hablando del doblaje. Se trata de un redoblaje dirigido por el mexicano Edmundo Santos en 1974. El original data del año 1942 y fue grabado en Argentina por Luis César Amadori.

Un inconveniente de este redoblaje es que la canción de los jornaleros ("song of the Roustabouts", capítulo 5) se ha doblado sin mucha fortuna, mientras que en el original se mantuvo acertadamente en inglés.

La fidelidad es claramente menor a la del original y tanto banda sonora como efectos de sonido quedan a un nivel demasiado bajo respecto a los diálogos.

Se incluye una pista con el doblaje en catalán.

Los documentales incluidos cubren adecuadamente los aspectos más importantes del clásico de Disney. Además, y como viene siendo habitual, se incluyen dos cortometrajes íntegros de la serie "Silly Symphony" en alta definición. La función "Cine-explore" completa el apartado de manera excepcional.

Además, Disney incluye dentro del estuche la versión DVD con los mismos documentales, así como un pequeño clip donde Dylan y Cole Sprouse de la serie "Zach y Cody" explican cuales son las bondades del formato Blu-ray.

De nuevo, una de las películas más carismáticas de Disney tiene el orgullo de contar con una edición que cumple sobradamente con las expectativas, tanto en imagen como en contenidos adicionales. En este caso, es el Blu-ray de Dumbo el que supera ampliamente los requerimientos de calidad del material original, por lo que estamos ante una edición difícil de mejorar a nivel visual."

Así que en definitiva, como parece que va a ser la tónica de estas reediciones en alta definición. Una compra obligada para todo el mundo.

Blancanieves y los siete enanitos

2010-06-08T14:22:00.003+02:00

Ninguna película en la historia ha capturado el mundo de la fantasía como el primer largometraje animado de Walt Disney. Ahora con el asombroso formato Blu-Ray, tecnología de Alta Definición. Disfruta de este clásico atemporal presentado ¡más espectacular que nunca!

Con una vanguardista restauración de imagen digital, un mejorado sonido de Alta Definición Disney, una impresionante animación, emocionantes contenidos extra y la inolvidable música de la película Disney más aclamada de todos los tiempos. ¡Te cautivará como nunca antes!

Unete a la bella princesa Blancanieves en la huida de su envidiosa madrastra, la Reina, y en cómo conoce a un grupo de entrañables enanitos. En el momento en que Blancanieves cae bajo el hechizo de la Reina, sólo un beso de amor verdadero podrá salvarla.

Poco se puede decir de Blancanieves sin que se le llene la boca a uno. El primer largometraje animado de la historia del cine es importante por muchísimos elementos de mérito propio. Así que hoy no vamos a puntuar la película, sino la sobresaliente edición en Blu-Ray que ha hecho Disney. Con cosas como esta, es cuando uno se plantea si a la gigantesca empresa aún le quedan momentos de lucidez, de ese genio que impulsó a Walt Disney a realizar magia animada. Pudiendo dar a conocer el trabajo de compañeros más especializados, en esta ocasión la reseña que presento viene de la mano de Javier Gallén de la web Zona DVD a quien corresponde todo el mérito.

"Durante los primeros minutos de la película resulta difícil creer que estemos contemplando un trabajo realizado hace nada menos que siete décadas. La imagen se presenta limpia y definida, con colores vibrantes y una estabilidad perfecta que nos permite apreciar hasta los más mínimos detalles (y defectos) de la película.

Disney, como ya hiciera anteriormente con La Bella Durmiente y Pinocho, ha empleado un sofisticado software de limpieza digital que permite ir más allá del resultado ofrecido por lo que sería una "simple" restauración del negativo original. El resultado es sin lugar a dudas impactante, pero no está exento de efectos secundarios.

En primer lugar podemos observar un mayor detalle en los espacios que dejan libres los personajes al moverse y que desaparece rápidamente. Se trata de pequeños errores en el sistema de detección de movimiento del filtro que aplica una reducción de ruido a las zonas estáticas. Ésto nos revela que el detalle original de la imagen sin procesar era mayor, y que una fina estructura de grano estaba presente en la imagen. Por tanto, Disney ha preferido sacrificar algo de detalle y de ruido del material original a favor de una imagen más limpia.

En segundo lugar, encontramos una zona empastada alrededor de los personajes y que es un efecto colateral del filtro que minimiza las variaciones de color en las tintas planas y que perfila las líneas tratando de eliminar las irregularidades y variaciones en el color de las celdillas. Ésto es debido a que el filtro no distingue con precisión entre celdillas y fondo, produciéndose un desbordamiento del área de aplicación y por tanto un emborronamiento en las partes del fondo más próximas a los personajes. Pero más apreciable todavía es la posterización producida por el filtro en los propios personajes, que en ocasiones se muestra como cambios bruscos entre dos tonos de un mismo color dando una apariencia muy artificial.

Afortunadamente, todas estas técnicas de limpieza digital o "DNR selectivo" no eliminan la textura de los fondos, pero sí hacen desaparecer el grano en la práctica totalidad de la película. Tan solo algunos planos han logrado retener el grano original donde éste parece luchar contra el filtro, creando un extraño movimiento de "arenilla" como en el plano inicial de situación del castillo (2' 23'').

Podemos afirmar que éste blu-ray nos ha proporcionado la que sin duda ha sido la mejor experiencia de la película en un ambiente doméstico hasta la fecha. De hecho, todos los problemas mencionados se quedarían en meros apuntes anecdóticos de no ser porque durante el visionado de la película han resultado ser en ocasiones una molesta distracción.

Disney ha optado por ofrecer una imagen limpia y definida de su película más emblemática y tal vez ha sido pedir demasiado a un material de 1937. Desde luego el resultado no es deficiente, y en un televisor de alta definición de tamaño medio incluso logrará arrancar caras de asombro, pero desgraciadamente en una proyección la imagen se verá claramente ensuciada por los diversos defectos dejados por los filtros aplicados. De este modo, la espectacular persecución bajo una intensa lluvia por parte de los enanitos a la bruja se muestra como una secuencia demasiado complicada para los filtros aplicados, resultando en una multiplicación de los problemas antes mencionados, y que sorprendentemente no impiden dejar boquiabierto al más exigente.

Lo mejor es que toda esta serie de filtros no impiden que sigamos apreciando de vez en cuando la irregularidad del color en las tintas planas propia del original, así como pequeños defectos de suciedad o pequeños brillos en las celdillas que si bien podrían haber sido eliminados por completo. Nos alegramos de que permanezcan en mayor o menor medida, ya que en caso contrario hubieran dado lugar a una imagen mucho más aséptica y digital, sin olvidar que supondrían otra alteración del material original que añadir a la lista. Encontramos además innumerables planos con la imagen desenfocada, si bien ésto entraría también dentro de los problemas inherentes del antiguo material original en los que poco se ha podido hacer para minimizar el problema. Además, también encontramos algunos fotogramas con imagen doble (3' 50'') y que ya aparecían en ediciones anteriores (ver captura).

Blancanieves luce como nunca hasta ahora habíamos podido imaginar, y tal vez el error de Disney haya sido tratar de igualarla en calidad visual a una producción mucho más reciente y rodada en 70mm (Super Technirama) como lo fue La Bella Durmiente. Un imposible que ha pasado una leve, pero presente factura.

Partiendo del audio original en mono se ha confeccionado una pista en DTS-HD MA con una configuración de 7.1 canales.

Como era de esperar el resultado dista de ser espectacular y la direccionalidad es nula. En cambio se han aplicado diversos procesados que logran una cierta sensación estereofónica bastante agradable y que poco tiene que ver con los desastrosos resultados vistos en otras películas. De todos modos el uso del 7.1 es claramente innecesario y aquellos poseedores de una configuración 5.1 podrán estar tranquilos, ya que obtendrán la misma experiencia sonora.

No se han introducido nuevos efectos, ni se ha reemplazado ningún elemento presente en la mezcla original, siendo el único cambio destacable un refuerzo la parte de las bajas frecuencias realizado con gran acierto y que no se percibe como audio nuevo.

La fidelidad es limitada, pero excepcional para la antigüedad del material. Por otro lado, la legibilidad de los diálogos es notable y apenas se puede apreciar la entrada de un leve ruido de fondo cuando los personajes inician un diálogo.

Creemos que difícilmente se podría conseguir un audio mejor partiendo del material sonoro original, y ésta remasterización apenas supone una leve modificación del audio original con el único fin de hacer más agradable la escucha.

La única nota negativa vendría dada por la ausencia de la pista original monofónica que sí está presente en la edición americana y que sería la opción ideal para los más puristas.

Pese a que disponemos de dos doblajes en español, no se ha incluido el magnífico doblaje dirigido por Edmundo Santos en Méjico en 1964.

La pista en castellano corresponde a un doblaje realizado en 2002 y se presenta en un más que suficiente DTS 5.1 de rango completo. Mantiene idénticas características que la versión original e incluso las supera debido a la mayor calidad de los diálogos a costa, eso si, de una menor integración con el conjunto de la mezcla.

La pista en español latinoamericano corresponde a un doblaje realizado en 2001 que desgraciadamente queda muy lejos del añorado trabajo realizado en 1964. Curiosamente, se trata del único doblaje presentado en Dolby Digital con una generosa tasa de bits de 640kbps.

Dada la ausencia de el doblaje de Edmundo Santos, decantarse por uno u otro solo atiende a preferencias personales acerca del acento y los modismos empleados y no a la calidad interpretativa. Por tanto, y pese a que ambas son opciones perfectamente válidas, la ausencia del doblaje de 1964 nos hace recomendar la versión original como la mejor alternativa posible para ésta edición.

Estamos ante una completísima edición que además de presentar unos documentales interesantes y una cuidada navegación, atesora nada más y nada menos que ocho cortos clave en la historia de Disney y del mundo de la animación en general, presentados en alta definición y una calidad excelente (a excepción de "La Diosa de la Primavera" que parte de un master SD). Por si fuera poco, se incluye un tercer disco con la película en formato DVD.

Disney vuelve a deleitarnos con una cuidada edición que va más allá de la propia película y nos permite ahondar en un periodo clave de la historia de Disney, a través de documentales, galerías y una serie de cortometrajes de gran valor presentados con sumo cuidado y respeto pese a su condición de extras.

Audiovisualmente resulta espectacular, si bien los más puristas se pueden sentir decepcionados por un exceso de lustre que ha traído consigo algunos problemas. De cualquier modo, se trata de la mejor edición hasta la fecha del primer largometraje animado de la historia."

En definitiva, una edición obligatoria para cualquier poseedor de un reproductor Blu-Ray, ya no sólo por la importancia del filme que contiene sino por el impresionante trabajo a nivel de contenidos adicionales. Han elegido bien el nombre de la edición, y es que se trata de un verdadero diamante.

Kick-Ass

2010-06-08T00:46:00.005+02:00

‘Kick-Ass’ gira en torno a Dave Lizewski (Aaron Johnson), un estudiante de instituto que pasa desapercibido por todos, aficionado a los cómics, de donde saca un día la idea de convertirse en un superhéroe, aunque no tenga superpoderes, no haya seguido un duro entrenamiento y ni siquiera tenga una significativa razón para ello. Pero la vida de Dave cambiará para siempre cuando se encuentre con un par de locos vigilantes -la terremoto de 11 años Hit Girl (Chloë Moretz) y su padre, Big Daddy (Nicolas Cage)- y forje amistad con otro joven luchador contra el crimen, Red Mist (Christopher Mintz-Plasse). Y cuando todos se tengan que enfrentar al jefe de la mafia local, Frank D'Amico (Mark Strong), sus alianzas y sus verdaderas habilidades serán puestas a prueba.

¿Qué tienen los superhéroes? Me refiero, aparte de capas y mallas... ¿Qué tienen los superhéroes, que gustan a todo el mundo? Ya no hablamos de que todo el mundo lea historietas de seres superpoderosos. Pero nadie le hace asco a ver una película de señores (o señoritas) embutidos en cuero y espandex. ¿Podría ser que todos hemos fantaseado alguna vez con volar, atravesar paredes o crear fuego? ¿Porqué entonces cada vez vemos más personajes carentes de habilidades "especiales"? ¿Es que todos llevamos dentro un pequeño fetichista que piensa secretamente en disfrazarse de fantoche? Una cosa está clara, el hombre ha de ser malo por naturaleza. Porque los atracadores de bancos llevan máscaras. Sin embargo, ningun buen samaritano ha salido a la calle para hacer el bien debajo de una capa.

Preguntas interesantes que llevaron a Mark Millar a hacer su penúltima gamberrada tebeística. Y algo tuvo que tener para que antes de estar terminada alguien diera luz verde al obligado proyecto cinematográfico. Y digo que algo tuvo que tener, porque no he disfrutado todavía del tebeo, pero después de ver la película poco voy a tardar en correr para hacerme con mi copia. Desconozco quién supera a quién. Pero el filme es una "cafrada" muy bien hecha (un poco más light que la obra de origen según tengo entendido). El pilar en el que se basa es el humor, pero el humor gamberro. Algo así como si Tarantino hubiera dirigido el crossover de Batman y Spiderman, me comentaba un compañero de butaca... y no iba muy desencaminado.

La película derrocha acidez y frescura por los cuatro costados. Desde los dialogos, a la banda sonora, pasando por las escenas de acción o incluso la fotografía o el vestuario. Es un cómic animado. A ello ayudan transiciones y efectos como flashbacks en forma de historieta animada, o cajones de narración en algún cambio de escena. Burra y cafre en su justa medida (quizás el exceso de sangre del tebeo no hubiera funcionado tan bien en un medio como el cine) proporciona diversión mostrandonos lo que pasaría si hicieramos aquello que todos nos hemos planteado alguna vez. Salir a la calle a dar cera a los malos.

Por descontar algun punto, quizás haya que incidir en que el doblaje no es del todo acertado, aunque la mayoría de los actores cumplen sin problemas. Mención especial para Hit-Girl, y perdida de puntos para Nicolas Cage (que cada vez me gusta menos). Sin embargo no empañan un conjunto más que notable. Por supuesto, un filme de estas características está salpicado de guiños al mundo de los superhéroes. Esas pequeñas bromas en las que uno cree reirse solo en la sala, para después darse cuenta de que otra persona, varias butacas por detrás, también ha compartido contigo ese momento no reservado para todo el mundo.

En definitiva, un muy buen producto que derrocha entretenimiento por los cuatro costados y que todos disfrutaran en mayor o menor medida. Seguro que si a la salida regalaran disfraces de superhéroe, más de uno se daba una vuelta por la noche por su barrio arriesgandose a que le acaricien la cara.

Robin Hood

2010-06-01T01:20:00.004+02:00

Inglaterra, siglo XIII. Robin Longstride (Russell Crowe), un magnífico arquero al servicio del rey Ricardo Corazón de León (Danny Huston), vuelve de las cruzadas en tierra santa saqueando poblados mientras lucha contra las tropas francesas. Cuando Ricardo muere bajo una fecha francesa, Robin se traslada a Nottingham con el objetivo de cumplir una promesa que hizo a Sir Robert Loxley (Douglas Hodge) antes de morir: devolver una espada a su padre, Sir Walter Loxley (Max Von Sydow). Allí conoce a lady Marion (Cate Blanchett), su viuda, una mujer con carácter. Mientras tanto, en un país debilitado por una larga guerra, regido por Juan (Oscar Isaac), un rey débil y poco eficaz, contra las rebeliones internas y las amenazas externas maquinadas por el pérfido Godfrey (Mark Strong), Robin y sus hombres se dejan llevar hacia una aventura mayor: deciden ayudar a impedir que el país caiga irremediablemente en una sangrienta guerra civil, y devolver la gloria a Inglaterra.

Y es que cuando uno se deja aconsejar por quien debe, lo que a priori no levantaba ninguna expectativa, puede llegar a dejar muy buen sabor de boca. El lector de este blog sabrá que la norma general es dejar aqui escritas mis propias impresiones evitando parafrasear a nadie. No obstante, cuando mi pensamiento coincide de semejante forma con otro blogger (nuevamente vuelve a ser Rafa Marín) no puedo hacer otra cosa que dejar aqui repetido lo que ya expusiera él en su propio terreno (CRISEI). A fin de cuentas, hay todo un abismo en la calidad de escritura de ambos.

"La figura de Robin el Encapuchado se pierde en la noche de los tiempos. El siglo veinte y lo que de él heredamos lo conoce gracias a la reinterpretación romántica y la visión de Hollywood que lo enclava por fin en un periodo concreto y lo convierte en un tipo en mallas, el primer guerrillero forestal de la historia. Alegre, vital, rebelde y acrobático. Cualquier revisión que se ha hecho en el cine viene lastrada por la imagen que esbozó Douglas Fairbanks y llevó a su cenit Errol Flynn. Sean Connery lo mostró calvo y viejo, Walt Disney ensayó una visión con animalitos, Kevin Costner lo convirtió en epígono de John F. Kennedy, y hasta ahora (para mí) es la serie televisiva "Robin of Sherwood" la que mejor refleja la rebeldía y el anarquismo intrínseco del personaje.

Ahora Ridley Scott nos muestra su versión. Una versión que no parte de la leyenda, sino de la historia. El naturalismo es la evolución del realismo, no del romanticismo, y por eso nos cuesta tanto trabajo ver cómo un héroe romántico se ensucia, sangra, y nos muestra una Edad Media que no tiene las luces ni las texturas de las visiones pre-rafaelitas.

Scott, un cineasta que nunca ha superado el listón que él mismo plantó con sus tres primeras películas (y que tiene un hermano menor que, para muchos, lo ha superado ampliamente) coge la figura del héroe rebelde y la cuenta como si fuera nueva. Es decir, no nos cuenta la historia de siempre, sino que hace girar su relato en torno a la firma (y luego renuncia) de la Carta Magna por el rey Juan; o sea, eso que los ingleses tienen todavía como simulacro de Constitución. Mezclar ese momento histórico con la leyenda del arquero, y hacer que ese arquero sea a su vez hijo de cantero (es decir, masón, y quizá un guiño a Los pilares de la Tierra) y esté en el meollo del asunto se complementa con una jugosa visión contemporánea en estos tiempos de crisis, subidas de impuestos y causantes de la crisis que escapan tan de rositas como los reyes y nobles que en esta historia diezman al pueblo.

La película es larga y sin embargo se hace corta. Y se hace corta porque te quedas con ganas de más: si me anuncian que es el principio de una trilogía, o que se está preparando una segunda parte (que de momento parece que no), yo reservaría ahora mismo mi asiento en el cine. Scott nos muestra un héroe cansado y harto de guerras, un Ulises que vuelve a una Itaca que no es suya, donde una Penélope que no es suya atiende lo que le queda de honor y de tierras. El personaje de Russel Crowe se llama Robin Longstride, quizá para dejar claro de dónde viene Aragorn, y con cierta retranca y cierta sabiduría narrativa el director y sus guionistas son capaces de unir los dos orígenes del personaje, el noble y el popular, como ya hiciera la mencionada Robin de Sherwood, en un juego de usurpación de personalidades que recuerda aquella vieja película de Alan Ladd, Marcado a fuego, y a Sommersby. Que Crowe podría interpretar con los ojos cerrados a Ulises me parece casi un punto obligatorio en su carrera.

Se agradece que la película no vuelva a contar el enésimo enfrentamiento con Little John en el tronco y con los palos, y que presente a sus compañeros Alan-a-Dayle, Will Scarlett y el mismo Friar Tuck sin incidir en quiénes son y en cuál es su leyenda. Este Robin es pícaro sin ser histriónico, valiente sin ser temerario, sabio sin tener que fruncir el ceño. Y encuentra a la Marion ideal, la Marion perfecta, encarnada por una Cate Blanchett independiente y aguerrida, una noble de segunda fila no muy distinta del pueblo con el que se confunde. El juego de roces y caricias interrumpidas entre Robin y Marian es lo mejor de la película.

Casi como si fuera un Robin año cero, la película casi esquiva el personaje del sheriff de Nottingham, igual que prescinde de la figura redentora de Ricardo Corazón de León, mostrado aquí como un rey guerrero y estúpido que muere en batalla (espectacular, por cierto) en los primeros minutos. Hollywood ha mitificado demasiado la figura de un mal rey que ni siquiera hablaba inglés (era francés a todos los efectos) y que en realidad no estuvo en Inglaterra más que once meses, contando todos los días en que pisó la isla. La visión que da la película de la monarquía, la iglesia y la nobleza, sin ser revolucionaria, se aleja de lo que hemos visto en otras ocasiones: Leonor de Aquitania (sabiamente acompañada por una lechuza) o William Marshall (sobriamente interpretado por William Hurt, un actor que merece mejor suerte y más reconocimiento del que tiene) tienen el contrapunto de los reyes jóvenes, Juan el inglés y Felipe el francés, que prepara un desembarco inverso de Normandía que bebe, y mucho, de Salvar al soldado Ryan. El malo remalo es un tal Godfried, interpretado por un Mark Strong que está aquí bastante mejor que en Sherlock Holmes, y a quien Marvel Productions debería contratar pero que ya para interpretar al Basilisco.

No es una película perfecta, en tanto las batallas cuerpo a cuerpo son borrosas, parece un pelín cobarde indicar que los recaudadores de impuestos son invasores franceses y no los hombres del rey, y en el fondo te quedas con ganas de que se incida en el tono alternativo y anarquista de Robin y sus hombres en Sherwood. Pero es una buena película historicista, con una buena banda sonora (la pega, que cuando canta Alan no es traducido siempre), y que me revalida en mi teoría de que Ridley Scott, como ya dejara entrever en El reino de los cielos, es fan de Prince Valiant: busquen ustedes los dos o tres guiños que hay al personaje y disfrutarán de lo lindo.

Se agradece que, para variar, alguien demuestre que Robin Hood tiene más de una historia que pueda ser contada."

En definitiva, una buena película, que si bien no se convertirá en obligatoria de nadie, permite pasar un buen rato en la butaca. Y sobre todo, no repite una fórmula ya manida.

Air nº 1: Cartas de países perdidos

2010-05-23T19:21:00.008+02:00

Blythe es una azafata de vuelo titulada en filosofía que tiene miedo a las alturas. Y por extraña que pueda parecer la elección de su profesión, ni se acerca al extraño rumbo que está a punto de tomar su vida.

Se enamorará de un viajero misterioso que podría ser un usuario habitual de líneas aéreas o un terrorista. Buscándolo, viajará a un país que no existe en ningún mapa, se convertirá en objetivo de un violento grupo antiterrorista, e inevitablemente se verá en el centro de una carrera por encontrar un artefacto que podría cambiar para siempre la aeronáutica.

De repente, la vida de Blythe se encamina al destino más exotico que existe: lo desconocido. Con su trabajo, su seguridad y su cordura en el aire, ¿fracasará y caerá, o aprenderá a volar?

Para aquellos que no hemos sido bendecidos con el don de la narración, sentarnos a escribir sobre algo, puede suponer un esfuerzo a tener en cuenta. Esfuerzo que se hace mayor de forma directamente proporcional al tiempo que pasamos sin ejercitarnos en la escritura. Es por eso que me encuentro ante un abismo, dispuesto a saltar, sin tener muy claro que decir. Si esto ya de por sí me va a costar... ¿que puedo decir encima de una obra como Air?

Resulta curioso que sus cubiertas (delantera y trasera) estén repletas de citas mencionando las excelencias de la obra. Puro marketing, nada a tener en cuenta. Sin embargo, una vez repasadas todas, algo me llamó la atención: "... parte Gabriel García Marquez, parte Perdidos..." Cosa que se me ha quedado a fuego. Principalmente por mi relación de amor/odio con la serie de Abrahams. ¿Qué significa que Air es parte Perdidos? Ha sido dificil llegar a una conclusión, pero algo hemos sacado en claro. Este primer tomo que ha llegado a nuestro país tiene en su interior los números 1 al 5 de la serie original americana. Leerlos, posiblemente, sea como el inicio de una montaña rusa. Una cuesta que se hace eterna (especialmente para aquellos que como yo, tengan miedo a subirse en según qué atracciones) para después caer a plomo sin poder procesar toda la información que te rodea hasta pasados unos segundos.

Los dos/tres primeros capítulos son confusos, extraños, no dejan la sensación de querer seguir leyendo. Personajes que cambian de nacionalidad y acento, asociaciones secretas, una protagonista que se lanza con excesiva facilidad a la aventura a pesar de tener miedo a las alturas en un trabajo que se desarrolla en los cielos del planeta, empiezan a aparecer elementos fantásticos inexplicados... Parece como si el guionista buscara poner en orden sus ideas sin tener muy claro a donde ir. O justo lo contrario, tiene todo preparado y lo que hace es jugar al despiste con el lector imitando de forma descarada los movimientos argumentales de las primeras temporadas de Perdidos. Pero de repente, algo sucede. Llegamos al tope de la subida y la serie descubre su realidad (que no vamos a desvelar aqui), la trama empieza a cojer ritmo y todo comienza a cobrar sentido. Al terminar el libro, posiblemente no estaremos enganchados de por vida (seguramente el lapso de tiempo que tendremos que esperar hasta el siguiente haga que la cosa se enfríe bastante) pero el regusto que nos dejará la obra será de lo más satisfactorio.

De la misma forma que al guión hay que darle su tiempo para asentarse, lo mismo ocurrre con el dibujo. Bastante agradable a la vista, cumple en todo momento, aunque bien es cierto que no "entra por los ojos" desde primera hora. Seguramente al obviar la espectacularidad de dibujantes de otros géneros. Pero por supuesto, no nos encontramos ante una historieta espectacular, al menos no desde primera hora. Y es que para cuando llega el momento de impresionar, ya no podemos imaginar otro trazo en las viñetas.

En definitiva, un cómic bastante interesante que no engancha de primera hora pero que tras dedicarle un poco de paciencia empieza a recompensar. No vuelve loco, pero deja ganas de más; las justas para hacerse con el siguiente tomo e ir viendo hacia donde avanza la serie. Habrá que estar pendiente.

The Legend of Zelda nº 3: Majora's Mask

2010-03-10T20:32:00.002+01:00

Tras salvar Hyrule, el joven conocido como el Héroe del Tiempo emprende un misterioso viaje en busca de un amigo del que se separó cuando cumplió su heróico destino. Pero Skull Kid, poseído por la Máscara de Majora, le ataca y secuestra a Epona... ¡Ahora Link deberá emprender una lucha contrarreloj para salvar a sus amigos y al mundo de Términa!

No es novedad que no soy muy amigo del manga. No es porque no me parezca un... estilo de narración tan válido como el comic americano, la bande dessinée francesa o la historieta española. (No vamos a entrar en un debate aclarado ya por numerosos expertos que reconocen que no son más que palabras en diferentes idiomas para referirse a un mismo objeto, salvando las diferencias culturales, por supuesto). El caso es que defiendo justo lo contrario. Se trata de un estilo de narración gráfica tan válido como cualquier otro. Sin embargo, de un tiempo a esta parte se ha convertido en una moda junto a todo lo que viene de tierras niponas. Desgraciadamente, soy enemigo de las modas, porque mucha gente se apunta a ellas, las defiende a capa y espada, pero no son capaces de arañar mas allá de la superficie.

Dicho esto, ¿cómo es que estamos hablando de un manga?. En este caso (ha habido, hay y habrá más de los que ya hablaremos por aqui) es por su temática. Despues de jugar al último juego de la saga Zelda (The Legend of Zelda: Spirit Tracks) e investigar un poco sobre la cronología de la serie, quise conocer un poco más. Si a eso le añadimos que jugué a Ocarina of Time cuando era un pipiolo, y que además, dicho juego estaba en inglés. Quise acercarme a la saga a través de este manga (los números 1 y 2 comprenden el The Legend of Zelda: Ocarina of Time) a modo de recordatorio. La experiencia no fue negativa y ya hemos seguido el viaje.

En el caso concreto de Majora's Mask, continuación directa de Ocarina of Time nos encontramos con un trabajo similar en los tres números. Por lo que la reseña bien podría aplicarse a todo lo publicado hasta ahora. Al adaptar los hechos ocurridos en un videojuego, la acción se desarrolla a una velocidad endiablada. Por lo que recalco la funcionalidad de este manga como "guia recordatoria" para aquellos que jugaran al juego y quieran recordar la historia sin tener que volver a pasarselo. Aquellos que busquen algo más profundo, van mal encaminados. En cuanto al dibujo, se agradece un trazo bastante limpio y gran claridad en la narración. Sin embargo, algunos de los momentos de acción pueden llegar a ser algo confusos (quizás sea mi falta de costumbre a leer manga).

En definitiva, un manga entretenido, pero bastante flojillo, recomendado solo para seguidores de la saga y siempre y cuando lo quieran usar como referencia de los juegos o gusten de curiosear entre las historias extras que se incluyen y que amplían la trama de los juegos.

Batman y los Outsiders nº 1 (Clásicos DC)

2010-03-10T11:35:00.016+01:00

¿Qué hace Batman cuando la Liga de la Justicia no le acompaña a Markovia en busca de un amigo que ha sido secuestrado? ¡Pues dimitir y fundar su propio equipo! Comienzan así las aventuras de los Outsiders originales, formados por Halo, Metamorfo, Relámpago Negro, Katana, Geofuerza y, por supuesto, nuestro murciélago favorito.

Vivimos en un país con una industria del comic, cuanto menos curiosa. Ya no solo destaca que la mayoría de las producciones vengan del otro lado del charco (proporción totalmente inversa a países como Francia); sino que los editores de tebeos se han convertido en editores de libros. Mientras que en Estados Unidos, el comic-book sigue un proceso esquematico de grapa-tapa blanda-tapa dura, aquí lanzamos unicamente (salvo en contadas ocasiones) enormes cantidades de recopilatorios como poco en tapa blanda. Aunque la tapa dura que no hace otra cosa que elevar el precio de la obra cada vez tiene mayor presencia. Nos encantan esas ediciones de coleccionista que para ser especiales deberían contar con una edición normal simple.

¿Qué tiene esto que ver con la obra que nos ocupa? Bueno, un mercado tan saturado de "recopilatorios" permite que con relativa frecuencia, podamos contar con reediciones de material perdido en el tiempo. Y en ocasiones, a precios relativamente asequibles. Y en un momento en el que la linea editorial del Caballero Oscuro anda revolucionada por los sucesos de Batman R.I.P. y Crisis Final permitiendo quizas el despegue de la serie de los Outsiders (hasta hace poco con el Batman y en el título) que de momento en su periodicidad bimensual no acababa de arrancar a pesar de su buena factura. Así que nuestros editores de libros (que no de tebeos) ya tardaban en echar la vista atrás en busca de material que reeditar. La táctica suele funcionar. Ambas series de dan publicidad (al compartir nombre) la una a la otra, y suben las ventas.

Así que tras numerosos retrasos por fin llegó a nuestras estanterias el primer númerode Batman y los Outsiders en formato Clásicos DC. Un volúmen que recopila una historia corta aparecida en The Brave and the Bold nº 200 que servía de prólogo a la colección, los 12 primeros números de la serie y el número 37 de New Teen Titans que se cruza directamente con uno de los arcos argumentales de los Outsiders. Trece comic-books más una historia corta por el modico precio de 18.95€. ¿Merece la pena? Veamos.

Como pasa con todos los recopilatorios que incluyen tebeos ya entraditos en años, hay que hacer una labor retrospectiva a la hora de leerlos. Ni el dibujo, ni los argumentos; ni siquiera la forma de narrar se han mantenido en 75 años. Por lo que, o estamos dispuestos a transigir con ciertas cosas, o mejor ni mirar la portada. En esta ocasión nos encontramos con con un compendio de historias, bastante bien dibujadas y narradas. Bien es cierto que nacidas a mediados de los 80 no nos quedan demasiado lejos, por lo que habrá que ver como envejecen cuando pase más tiempo. Aunque seguramente los años no sean muy duros con ellos. Se agradece el intento de los creadores de dotar a los personajes (especialmente todos aquellos que no son Batman) de un mínimo de profundidad para no quedarse en las meras aventuras nacidas de la casualidad. De esta forma personajes ya conocidos aunque poco populares y otros de nuevo cuño pero cargados de misterio, conforman un equipo bastante atractivo. Aunque posiblemente a causa de su origen de parias, pase siempre desapercibido en unas estanterías cargadas de Ligas de la Justicia, Titanes (nuevos, viejos y jovenes), Sociedades de la Justicia y demás grupos de coloridos superhéroes. Viendo la calidad del material original y sopesando la cantidad de páginas con su precio podemos afirmar que merece la pena. Sobre todo si recordamos, que es un producto a color. Punto positivo, pues además parece no haber sufrido recoloreado.

Sin embargo, si analizamos la calidad de la edición. Vemos como ya aquellos no boyantes económicamente pueden verse frenados en su impulso de hacerse con el tomo. Y es que es aquí donde Planeta suele fallar con, quizás demasiada, frecuencia. A favor decir que que aunque se aprecia alguna página (o portada) escaneada, y se echa en falta la cubierta del número de los Titanes, parece que la casi totalidad del material está sacado del original (y como ya decíamos posiblemente sin recolorear). La maquetación es buena, respetando el orden de publicación e insertando cada portada al inicio de cada número. Hasta aquí todo bien. Sin embargo, en los últimos capítulos del tomo, podemos observar como algunos bocadillos aparecen sin terminar, dejando frases a medias y entorpeciendo bastante la lectura. Y al menos en una ocasión nos encontramos con los ya cansinos bocadillos intercambiados (personajes que intercambian sus textos por error del rotulista español). Esto, de por si es bastante imperdonable. Pero en una editorial que ha anunciado y retrasado este volumen durante varios meses y que además parece empeñada en saturar el mercado publicando más de lo que parece ser capaz de distribuir (la unica editorial, o casi, que sufre modificaciones de última hora en sus listas de novedades) ya no tiene excusa ninguna. Lo que implica una pérdida de puntos notables. Cuando las cosas se hacen bien, es obligatorio felicitarlas, aunque simplemente supongan un cumplimiento de la obligación. Es por eso que cuando se hacen mal (y además estamos pagando) es de recibo criticar. Y estos fallos, la verdad es que ya empiezan a cansar.

En definitiva, un producto entretenido, sin recomendar para nadie en concreto pero que cuya compra no es desaconsejada. Lastima que por unos fallos ya tópicos en nuestro país editorial pierda algunos enteros.

The Legend of Zelda: Spirit Tracks

2010-02-21T22:42:00.006+01:00

¡Una nueva leyenda comienza! Link y la Princesa Zelda se embarcan en una aventura juntos por primera vez. Hace muchos años, los Dioses sellaron el espíritu de un perverso ser en una inmensa torre, pero está listo para regresar. ¿Podrán Link y Zelda restaurar las vías sagradas antes de que reine la oscuridad?

Lo saben muchos, pero no todos. Los protagonistas de cada entrega de The Legend of Zelda no son los mismos (al menos no siempre) que aquellos que manejabamos en capitulos previos. Cada Link, y cada Zelda que pasan por nuestras pantallas, son descendientes (sanguíneos o no) de los anteriores. De esta forma, entre entrega y entrega pueden pasar cientos de años, o simplemente décadas. Si sabiendo esto intentamos ordenar la saga en una cronología (http://www.youtube.com/watch?v=Z_dn9tKBoJc) puede empezar a salirnos sangre por la nariz y los oídos del esfuerzo. Lo que debemos saber de este Spirit Tracks es que es continuación "directa" (han pasado pocos años) de The Phantom Hourglass que a su vez lo era de The Wind Waker. Y es que aunque el juego se puede jugar sin haber pasado por los títulos mencionados, nos encontraremos con varios guiños a estas "precuelas".

Entrando ya en materia, en esta ocasión sustituímos el caballo y el barco por una máquina de tren a vapor, de forma que una vez más se nota el esfuerzo por ofrecer algo nuevo dentro de un planteamiento tan simple como el de la saga (héroe que rescata a princesa de las garras del mal). Este capitulo pertenece al conocido como "toon" Link, por lo que el humor abundará aunque no nos faltarán los momentos épicos imprescindibles. Basicamente tenemos dos tipos de dinámicas de juego. Para movernos por el mundo iremos sobre el tren disparando a todo lo que se mueva, ya sea porque nos desplazamos nosotros, llevamos pasajeros, o trasladamos mercancías. El mapeado es bastante amplio y está dividido en 4 zonas (con una quinta y una sexta ocultas) con numerosos andenes. En cada andén pasaremos a movernos a pie, visitando ciudades, aldeas y mazmorras. Es aquí donde más se explota el control táctil de la consola, moviendo y atacando con el puntero. El uso de las armas especiales también explotará nuestra DS al máximo teniendo que tocar y soplar en numerosas ocasiones. Por último habrá no pocos momentos en los que tendremos que manejar a dos personajes (Link y Zelda) a la vez, potenciando los puzzles de formas bastante imaginativas.

Gráficamente hablamos de una DS (posiblemente la consola que se encuentra en la cola si nos referimos a potencia), pero el juego no decae gráficamente en ningun momento, ya que no sabríamos si decir que alcanza el límite, pero aprovecha bastante bien las posibilidades de la máquina. A todo esto hay que añadir una banda sonora memorable (como casi todas las de la saga) que refuerza todos y cada uno de los momentos del juego). La dificultad está ajustada y no tendremos muchos problemas para terminar el juego. Sin embargo, para acabar todas y cada una de las mazmorras y minijuegos, necesitaremos alguna ayudita. Sobre todo nos encontramos ante un juego muy divertido.

En definitiva, un juego muy recomendable. Imprescindible para lo seguidores de la saga. Qué gracias a su aire cartoon y su estudiada jugabilidad nos hará pasar buenos ratos delante de la consola.

LaZarillo: Matar zombies nunca fue pan comido

2010-02-10T01:26:00.002+01:00

Por fin ve la luz lo que jamás te enseñaron en la escuela, la verdadera historia de Lázaro de Tormes, contada por él mismo:

De cómo ciertas criaturas se empeñaban en no descansar en paz.

De cómo Lázaro se unió a un escuadrón de asalto paranormal.

De cómo sobrevivió en un país con mucho hideputa suelto (de ultratumba y de más acá).

De cómo, en resumidas cuentas, Lázaro de Tormes se convirtió en uno de los mayores cazadores de zombis del Imperio, y de los problemas que esto le trajo con la Corte y la Santa Inquisición.

Mal que pueda pesar a alguno (entre los que me incluyo como ferviente detractor de las modas) los zombis, zombies o como cada uno los llame en su casa, están ganando popularidad. Al goteo lento e incesante de películas de dicha temática, se puede sumar una repentina oleada de libros con el no-muerto como protagonista. Los tenemos lentos, rápidos, tranquilos, agresivos. Libros como Apocalipsis Z, Días Oscuros, Zombie Island, Zombie Nation y Zombie Planet (estos últimos trilogía), Guerra Mundial Z, Zombi: Guía de supervivencia, etc; nos han obsequiado en los últimos meses con multitud de historias de diversa índole. Una cosa está clara, tendremos que acostumbrarnos a ver la Z en la estantería de novedades de nuestra librería.

No podemos entrar a diseccionar los posible subgeneros con los que puede contar la mitología del zombi. Pero si en su día hablamos de lo interesante de Apocalipsis Z que no fue otra cosa que reflejar la historia en el AQUÍ y AHORA del pan nuestro de cada día, dotando a la novela de una verosimilitud que le sentaba muy bien. LaZarillo surge en la estela de otro libro que lo que hace es algo parecido, y a la vez diametralmente opuesto. Hablamos de Orgullo, prejuicio y zombis cuyo interés radica en tomar una novela ya existente y de reconocido merito cultural, e introducir el elemento zombi. Desconozco (de momento) el resultado de dicha novela, pero sí podemos hablar de como ha quedado este lazarillo matazombis.

El resultado es bastante aceptable. Aunque hay que avisar al futurible lector de que el libro engaña un poquito. Aquél que lea la sinospsis, puede pensar que se trata de un libro de humor. En absoluto, al menos no más allá de lo que fuera la novela original, ya que, al menos en los primeros compases, las similitudes son bastante claras. No, la novela que nos ocupa vendría a ser más una novela de aventuras o intriga con tintes sobrenaturales. Posiblemente un tímido acercamiento al terror. Desde primera hora también se da a entender que la novea está escrita por el auténtico Lazarillo de Tormes. La broma está bien, aunque no es del todo acertada. Dentro del libro, tenemos dos historias, una ambientada en la actualidad y narrada en forma de reportaje periodístico (y firmada por el verdadero autor del mismo, que dejaremos en el anonimato para respetar esa curiosa decisión suya de no darse a conocer hasta la firma en la última línea de la obra). La otra es un manuscrito que lee uno de los personajes y que (éste si) está escrito de puño y letra de Lázaro González Pérez de Tormes. Esta división argumental favorece a la novela dotándola de esa falsa credibilidad de la que ya hablabamos en Apocalipsis Z.

Centrándonos ya en el argumento. Hablaremos sobre todo de la historia que narra las andanzas de Lázaro ya que es el auténtico grueso del libro. Ya que la verdadera labor de la historia contemporánea es funcionar como prólogo y épilogo de la misma. En general el libro está bien escrito y resulta en todo momento ameno de leer. No es muy extenso (apenas llega a las 200 páginas) y cuenta con un tamaño de fuente generoso; así que los lectores más voraces serán capaces de dar buena cuenta de él en un día a lo sumo. Una vez ya metidos en faena, se observa claramente que el tema sobrenatural, supuesto centro argumental de la historia, se trata de forma, tímida, disimulada, muy sutilmente. Y esto le sienta bien a la obra. Pues en los primeros Tratados (así se dividen los capítulos) seguiremos prácticamente el mismo camino de la novela original, para despues lanzarnos de cabeza al meollo del asunto. Aunque de nuevo recalcar que dada su breve extensión la obra no se presta a alcanzar una profundidad excesiva. Quizás lo unico que le pueda faltar a la novela sea eso, el haber sido más ambiciosa y haber apostado fuerte por crear una mitología propia, que a fin de cuentas es lo que suele funcionar en este tipo de productos.

En definitiva, una lectura bastante amena, recomendada para los amantes de los libros de zombies, vampiros y demás seres preternaturales, que si bien no merecería la pena en un formato más caro, en bosillo cumple a la perfección.

TURTLES Forever

2010-01-15T01:53:00.004+01:00

Algo extraño esta pasando en la ciudad de las tortugas. En realidad, 4 cosas extrañas... Y verdes. Así es que, investigando una base de los Purple Dragons, Leonardo, Donatello, Raphael y Michelangelo conocen a: Leonardo, Donatello, Raphael y a Michelangelo... ¡De la serie de 1987!. Y si ellas estan aquí, su Shredder no puede estar muy lejos. Ahora, las ocho tortugas tendran que trabajar juntas para vencer a dos Shredders, un Krang, mutantes y muchos, pero muchos robots en esta historia que conmemora los 25 años de las TMNT.

Seamos sinceros, ¿quién no conoce a día de hoy a las Tortugas Ninja Mutantes Adolescentes (TMNT para entendernos)? Ya seamos viejunos que crecimos con sus aventuras de animación, neófitos que las vieron en el cine en "carne y hueso", frikis absolutos que las coleccionaron en papel, o los más jovencillos de la casa que supieron de ellas por su reciente serie de animación o la ultima película que estrenaron en cines. Todos y cada uno de nosotros conocemos a las tortugas.

Y es que se hace raro, empezar con ellas de nuevo justo por el final. Porque mal que nos pueda pesar a algunos, el tiempo no pasa en balde, ni siquiera para los personajes de ficción. Muchos caen en el olvido, otros sufren tremendas modificaciones. O quizás un poco de ambas. Y es que poco tienen que ver las "tortugas primarias" que crearon Kevin Eastman y Peter Laird allá por 1984, con todas aquellas que han visto la luz con el pasar del tiempo. Más adultas unas, totalmente infantiles otras, pero tortugas a fin y al cabo.

Supongo que habrá más gente como yo que se sorprende a sí misma en ocasiones intentando explicar esa "existencia" de diferentes realidades de un mismo personaje. Como si Super Mario, Spiderman, Sonic, etc. fueran una suerte de actores que se reunen para proporcionarnos una nueva actuación en cada película, juego o cómic, dotando así de "continuidad" a todas y cada una de las publicaciones de una franquicia, por absurdas o poco oficiales que sean. ¿Pero quién iba a decirme que para celebrar el 25 aniversario de las tortugas ninja, los guionistas de la seríe habían pensado algo parecido...? Y es que el argumento del multiverso es muy socorrido ya que permite explicar practicamente cualquier cosa en manos habilidosas. ¿Y si no se trata de las mismas cuatro tortugas? ¿Y si cada equipo perteneciese a un universo diferente? Por supuesto, una vez contestadas afirmativamente estas preguntas, llega la del millón de euros... ¿Qué ocurriría si se cruzasen sus caminos?

Ni más ni menos es lo que podemos encontrar en esta película de animación, hubicada dentro de la cronología de la última serie de animación, pero que sirve como enlace también para la de 1987. Como sucede con este tipo de productos, volvemos a encontrarnos con un capítulo de mayor duracion, ni más ni menos. Por lo que si disfrutamos con la serie, también lo haremos ahora. Sin embargo, pese a que nos hayamos ante 68 minutos bastante entretenidos (siempre que seamos amigos de las series/peículas de animación; seguramente muchísimos adultos ni siquiera se planteen acercarse), el interés no es otro que ver las diferencias entre una serie de animación y otra. Especialmente si ya somos algo talluditos, podremos ver realmente lo inocentes que eramos en los 80, cuando nuestra mayor preocupación era discutir con los compañeros de patio cual de las 4 tortugas encarnaríamos. Si el guión es entretenido (ninguna maravilla, pero que narices, tampoco lo eran los de ambas series, lo importante es divertirse viendolas); la animación tampoco está mal, respetando los diseños y estilos de cada una de las series mencionadas.

En definitiva, una película bastante entretenida, que además hará recordar buenos tiempos a los más mayorcetes de la casa. De obligado visionado para cualquier seguidor de la saga, sobre todo atención al final.

Solomon Kane

2010-01-02T10:53:00.005+01:00

En la Inglaterra del siglo XVI, Solomon Kane es un sanguinario asesino que libra guerras por todo el mundo en nombre de su país. Una maldición demoníaca parece perseguirle desde que saqueó un castillo en el norte de África, así que decide redimirse de sus pecados y consagrarse a la vida espiritual. Sin embargo, cuando unos guerreros capitaneados por un jinete enmascarado asesinan a sus amigos y raptan a su hija, Kane volverá a las armas, convertido en un vengador contra las fuerzas del mal.

¿Cual es el canon que ha de pasar una adaptación cinematográfica para ser considerada como buena? Habrá quien diga que ha de ser fiel a la obra original, un calco si es preciso. Otros defenderán que lo importante es la esencia, pero el director (o guionista) debe arriesgarse e innovar dando su versión. Desde luego, no existe una clave mágica más allá de que la película encandile a cada espectador de forma individual (aquello de que los gustos son como los culos, que cada uno tiene el suyo). Sin embargo, desde aquí siempre hemos defendido que cualquier adaptación es "buena" por el simple hecho de existir.

Maticemos esta idea antes de que legiones de sufridos espectadores que despues de haber visto filmes como The Spirit, Dragones y Mazmorras o así en general la filmografía completa de Uwe Boll se me tiren al cuello.

Nadie puede negar que el cine es posiblemente el medio cultural que goza de mayor difusión (no entraremos a hablar de prestigio) hoy en día. Hollywood busca y rebusca despesperadamente en los cajones del resto de medios de entrentenimiento en busca de un nuevo taquillazo que envíe masivamente a la gente a los cines. Ese rebuscar en los trasteros de los demás, hace que salgan a flote productos (o licencias) de gran calidad largo tiempo olvidadas, o simplemente desconocidas para el gran publico. Esa es la gran ventaja de ser victima de una adaptación a la gran pantalla. Aunque la película sea un bodrio infumable, la resurrección de la obra original es inevitable.

Y por desgracia, este es el único punto positivo del que goza Solomon Kane, personaje desconocido (al menos para este que les escribe) por el hecho de haber nacido a la sombra de su hermano Conan. No, no nos encontramos ante una película de las buenas. Y se trata de una verdadera lástima, porque el personaje tiene una base interesante. Seguramente los relatos originales de Robert E. Howard gocen de una calidad que la película no ha sabido trasmitir. Pero antes de empezar a disparar, demosle un poco de ventaja argumentando que no vamos a hablar sobre una superproducción americana. El filme que nos ocupa es una coproducción entre Francia, la República Checa y el Reino Unido. Así que salvo los fallos de guión, que a fin de cuenta son lo que hacen a una película aburrida o no, el resto de errores que se listarán a continuación, deben ser tenidos en consideración como resultado de un presupuesto, a todas luces, no muy elevado.

Así que cómo comentamos, si bien la película adolece de esa presencia que solo otorgan los billetes de dolar en grandes cantidades y que tan necesaria se antoja para obras de corte fantástico como esta: las localizaciones en exteriores están bien, pero tanto como la figuración y los efectos especiales son bastante pobres. Sin embargo, el gran lastre es culpa del guión. Después de ver la película ningún espectador tendrá duda sobre como era la vida de los peregrinos de la época. O que en Inglaterra llueve mucho desde el siglo XVI por lo menos. Sin embargo, de la historia de Solomon no podemos decir lo mismo. El inicio es claro, Solomon debe cumplir un pacto que jura no haber cometido con el Diablo y entregarle su alma. Esto le empuja a alejarse del mal camino para luego retomarlo por una causa noble. Hasta aqui bien, pero si el planteamiento del filme era esa persecución a la que se iba a ver sometido por las fuerzas del Infierno, se vuelve completamente inexistente. Y los pocos enigmas planteados en torno a ese pacto no reconocido, anuncian su aparición con más de 10 minutos de antelación. Así que bueno, podemos hablar de una película entretenida si te pilla en un buen momento. Nada más.

En definitiva, una película pasable, pero por los pelos y en gran medida a la benevolencia que algunos estamos dispuestos a otorgar dado su origen humilde. Afortunadamente, gracias a una película floja, algunos tenemos conocimiento de la obra original que esperamos comentar más adelante con mejores resultados.

Avatar

2009-12-20T10:44:00.005+01:00

La historia del protagonista, Jake Sully,(Sam Worthington) un ex-marino que fue herido en un combate en tierra y está paralizado de la cintura para abajo, participa en el programa Avatar, el cual le dará un cuerpo sano, Jake se compromete a viajar a Pandora, un lugar de exuberante selva tropical llena de increíbles formas de vida, algunas hermosas otras aterradoras, Pandora es también el hogar de la Na´vi, una raza humanoide que vive en lo que se considera un nivel primate, pero en realidad son mucho mas evolucionados que los seres humanos. Diez pies de alto, con la piel de un azul intenso, vive en armonía dentro de su mundo intacto, pero como los seres humanos invaden Pandora en busca de minerales valiosos, la existencia de los Na´vi se ve amenazada. Jake involuntariamente ha sido contratado para formar parte de esta invasión. Dado que los seres humanos no pueden respirar el aire de Pandora, han creado genéticamente la raza híbrida humana-Na´vi conocidos como Avatares. Los Avatares son extensiones mecánicas y mortales de sus cuerpos controlados a distancia con sus mentes. El problema comienza cuando Jake se enamora de una joven mujer Na´vi, Neytiri, cuya belleza se ve compensada por su ferocidad en la batalla.

¿Puede Avatar ser una película de acción? ¿Y una de aventuras? ¿O más bien romántica? ¿Tal vez algo de drama? ¿Pero... hay algo de humor también? ¿Alguien sería capaz de calificarlo como un documental? Todas estas afirmaciones (si, incluida la última también) son ciertas, pero la unica forma de responderlas es viendo esta magnifica película.

Antes de que empiecen a llover los halagos, que nadie se equivoque. No nos encontramos ante un argumento revolucionario. La historia de Avatar cumple al pie de la letra el argumento tantas veces visto: chico llega a mundo nuevo para conquistarlo - conoce a chica nativa - se infiltra entre los nativos - les coje cariño - le ordenan acabar con ellos - se rebela y los ayuda contra los invasores (no se porqué ultimamente se me viene mucho a la cabeza Pocahontas). Afortunadamente para nosotros, lo importante en una película no es el QUÉ se cuenta, sino CÓMO se narra. Y si algo hace bien Cameron con esta historia, es contarla muy bien. Prácticamente desde los inicios del filme, hasta el último plano (y cuando digo el último me refiero hasta el ultimísimo, vamos que detrás ya vienen los créditos) presenciamos un auténtico derroche de espectacularidad. Ya hacía tiempo que no me sorprendía a mí mismo durante una película con la boca abierta, literalmente.

Si hablamos de espectacularidad... ¿por donde empezar? Se trata de la producción más cara del cine americano y se nota. Los efectos son sencillamente impecables. Hoy en día andamos en un nivel muy elevado en cuanto a magia digital, sin embargo, no son pocas las ocasiones en las que uno nota la irrealidad, se ve el truco. Avatar se encuentra a una distancia colosal, el trabajo de los efectos nos traslada a Pandora como si de verdad anduvieramos con una cámara por allí. A eso le sumamos el trabajo de creación que James Cameron ha hecho sobre el planeta, y más de uno podrá entender que al inicio de esta reseña mencionara que Avatar podría considerarse una película documental. Pandora es real, existe en la imaginación colectiva de los espectadores. Pero es un mundo con reglas, como el nuestro.

Si hablamos de una película espectacular como esta, ya toca hacerlo en 3D. Si en las primeras reseñas sobre esta teconología comentaba que aún había de evolucionar, ahora toca decir lo propio de nuestro ojo. El 3D ya esta aquí, y viene para quedarse. Aquellos que en los primeros compases de una película se sientan mareados que recuerden qué hacen cuando yendo en un coche se marean al mirar fijamente objetos cercanos como las lineas de los carriles o los quitamiedos. Hay que mirar la pantalla en su conjunto, no a los objetos que parecen salirse de ella. Una vez el ojo se acostumbra uno puede percatarse de que ya no se puede volver a las 2D.

En definitiva, un auténtico espectaculo audiovisual recomendado 100% para todos. La prueba que viene a integrar el 3D más allá del cine de animación.

Señales del futuro

2009-12-13T09:52:00.007+01:00

Estamos en 1959 y durante la inauguración de un nuevo colegio de primaria un grupo de alumnos dibujan cómo creen que será el futuro. Sus dibujos van a guardarse en una cápsula del tiempo que será sellada durante 50 años antes de volver a abrirse. Los niños dibujan alegremente, pero una misteriosa niña llena su hoja de hileras de números aparentemente inconexos, que según ella le susurran personas que nadie más puede ver. Medio siglo después, una nueva generación de alumnos examina el contenido de la cápsula y aquel críptico mensaje acaba en manos de otro niño, Caleb Koestler. El padre de Caleb, el profesor de astrofísica John Koestler, llega a una extraordinaria conclusión al ver aquellos números: el mensaje cifrado predice las fechas y el número de muertes de todos los desastres que han sucedido en los últimos cincuenta años con una exactitud escalofriante. Según va desenmarañando los secretos que guarda el documento, John descubre que las fechas hacen referencia a otras tres catástrofes que pueden llegar a tener consecuencias devastadoras para toda la humanidad dado que la última parece indicar el fin del mundo. Los esfuerzos de John por alertar a las autoridades sobre las inminentes catástrofes caen en saco roto y sus miedos se intensifican al darse cuenta de que su hijo Caleb está directamente relacionado con los misterios números. Con la ayuda de Diana Wayland y Abby Wayland, hija y nieta de la alumna que escribió aquél profético mensaje, John se embarca en una emocionante aventura para prevenir el mayor desastre que ha conocido la historia de la humanidad.

Lo primero es lo primero. Dar las pedir perdón y dar las gracias. Perdón por todos estos meses de inactividad, no vamos a entrar en detalles. Y gracias a todos aquellos que a pesar del parón habeis seguido entrando con frecuencia (que me consta que sois unos pocos). Arrancamos de nuevo.

El fin del mundo siempre ha sido un tema recurrente en el mundo del cine. Nos han atacado aliens con mala leche, aliens más nobletes, nos hemos congelado, recibido la visita de meteoritos (con o sin Brice Willis intentando salvarnos), sufrido terremotos, volcanes, tsunamis... La mayoría de las veces hemos salido airosos (si obviamos que los que generalmente se salvan son unos pocos frente a los miles de millones que perecen sin remedio), otras el guionista de turno, cabreado con el mundo, da rienda suelta a sus más bajos instintos y opta por cumplir su sueño de ver a la humanidad extinta. Así que ya me pueden perdonar el señor Proyas y su equipo si de entrada la premisa de su película no me terminaba de atraer.

El filme pasó por el cine si que me animara a ver siquiera el trailer, y ya en las estanterías de mi suministrador habitual de vicio en forma de DVD el resultado fue el mismo, pese a la interesante edición limitada de turno. Sin embargo, las amistades pueden llegar a ser muy insistentes, y uno que es muy dado a zamparse cualquier cosa que aparezca en la pantalla bajo el sobrenombre de "película", opté por llevarme su flamante caja metálica (una de mis películas favoritas, me dijo) a casa. Esto es lo que me pasa por fiarme de alguien que adora con pasión Señales...

Pero reduzcamos el cinismo para que no nos estorbe. Hay películas mucho peores. Muchisimo. Partamos de esa base. El planteamiento, aunque de originalidad escasa (que no inexistente) es bastante interesante; y en los momentos buenos de la película consigue enganchar. El problema es que la intensidad va y viene de la misma forma que Nicolas Cage va correteando de una catástrofe a otra. Como deciamos, se enfrentan momentos muy interesantes; con situaciones, no vamos a decir ridiculas, pero muy poco creibles. Cosa que tampoco deberían importar en una película de estas características. Pero como los momentos buenos, lo son por estar dotados de gran verosimilitud; el resto, de corte más fantástico, queda empaña totalmente el resultado final. Ahora tocaría enumerar, no sin cierta sorna, las pequeñas perlitas que deja la pelicula. Pero ¿para qué? Son innumerables y harían quedar a la película como un bodrío infumable cuando se trata simplemente de un bodrio a secas.

Si bien la película no es buena, puede resultar pasable y entretenida para muchos, tampoco es tan descabellado. Sin embargo, es imperdonable la ínfima calidad de los efectos especiales, teniendo en cuenta que hablamos de una película de nos viene del otro lado del charco. Puede que se trate de una producción de un estudio pequeño (ya me costó andar pendiente a la película, no hablemos de los creditos) y de ahí la escasez de recursos, no pasa nada. Pero si vas a tener pocas pelas para efectos, no planees las secuencias a lo grande. Restan credibilidad (la poca que le queda) a la película.

En definitiva, una película muy floja, pero que podrá resultar entretenida para aquellos que no se hagan muchas preguntas. Aunque seguramente, incluso ellos, la encotrarán previsible a pocas películas similares que hayan visto.

Dead Space

2009-10-10T17:21:00.002+02:00

On the distant mining colony of Aegis VII, something strange and alien lurks beneath the surface... A mysterious artifact that brings nothing but trouble to the isolated workforce. As the arrival of the famous planetcracker ship Ishimura fast approaches, security officer Bram Neumann finds himself caught between religious fervor, miners slowly going insane, and the machinations of the mining corporation itself as he races to discover the secrets of The Marker... before it destroys them all.

Tal y como anda la cosa, casi empieza a interesar seleccionar material USA directamente en lo que a cuestión de comics se refiere. Precios más baratos al cambio dolar-euro y además, si contamos con una página como http://www.bookdepository.com que no cobra gastos de envío, sólo queda la excusa del idioma para no decidirse.

Es cierto que para leer en inglés hay que tener una extraña habilidad consistente en conocer el idioma, pero lo bueno de los tebeos es que van acompañados de dibujos (o ilustraciones) y la inmensa mayoría poseen un lenguaje sencillo (destinado a un público juvenil en muchos casos) realmente la barrera idiomática no es tal. Además de que por suerte o por desgracia es la única forma de disfrutar de muchas publicaciones que por motivos editoriales, no ven la luz en nuestro país.

Este es el caso de Dead Space. Si primero pudimos disfrutar del videojuego ambientado en el equipo de reparaciones que llega al Ishimura; y de su precuela en DVD de animación, que narraba los hechos de como la nave se infectó. Este cómic es el punto de origen de la saga, narrado lo sucedido en la colonia minera donde todo comienza. La historia es como tantas otras, pero en este caso pasada por el tamiz de la trama de Dead Space por lo que algo que es simplemente entretenido, será una gran historia para los fans más acérrimos y algo muy obviable para aquellos que no den su beneplácito a la serie. Una historia tópica en la que la situación se va descontrolando de forma exponencial (lentamente al principio para salirse de madre cuando ya no tiene solución), pero eso sí, bien llevada.

El dibujo corre a cargo de Ben Templesmith, autor adorado por unos y odiado por otros. Pero una cosa es innegable, el estilo de este dibujante es el adecuado para las historias de terror, por lo tanto, podrá gustar más o menos, pero es innegable que posee un estilo totalmente acertado para la obra. Mención especial para el color, muy primario. Templesmith logra, mediante el uso de una paleta de color distinta para cada escenario o situación, que las sensaciones que ya de por sí transmiten sus retorcidos dibujos se amplifiquen. Aunque por supuesto, como ya hemos dicho, un ilustrador con un estilo tan peculiar, o te entra por los ojos... o la obra entera bajará varios puntos. A mi desde luego me convence ampliamente.

Centrándonos ya en la edición en sí misma, un punto interesante ya que refleja la forma de editar comics en otro país, con cosas a evitar y a tener en cuenta por nuestras editoriales. Encontramos los seis números de la edición original recopilados en un libro de tapa dura. Los colores de las cubiertas y de las páginas de separación reflejan la intención de Templesmith así como las tonalidades del videojuego en el que se basa. Como único complemento, una recopilación de ilustraciones del juego de consola. Sin embargo, la enorme calidad de las mismas, se convierten en un aliciente bastante interesante, obviamente no justifican la compra del libro, pero la verdad es que merece la pena tenerlas como algo adicional.

En definitiva, un buen tebeo, sin llegar a ser una maravilla. De obligada compra para aquellos seguidores de Dead Space ya que amplia perfectamente la trama. Y por supuesto para aquellos que se atrevan con el inglés, ya que al menos de momento, aqui permanece inedito y no hay anuncio de que vaya a salir en castellano.

REC 2

2009-10-05T14:39:00.004+02:00

Han pasado tan solo dos horas desde que las autoridades perdieron contacto con las personas encerradas en el edificio en cuarentena. Nadie sabe exactamente que ocurre en su interior. Fuera reina el caos... Un comando GEO se adentra en el interior de la casa para recopilar información y determinar que está pasando dentro, una mision aparentemente rápida y facil. Pero ya se sabe. A veces las apariencias engañan.

No es raro que uno después de ver una película, sienta en sus entrañas una sensación de amor/odio hacia la misma. Más de uno dirá que eso es señal de que la película es buena ya que el amor es sensación de que te ha gustado y el odio signo inequívoco de que te ha hecho pensar... Aún no se si comparto esta forma de pensar, lo que si tengo muy claro es que salir de una peli con estos sentimientos enfrentados es una putada a la hora de recomendarla... o de escribirle una reseña.

La primera parte fue tan original y sorprendente que aún dos años después de su estreno, sigue siendo una de mis obras preferidas (muy por delante de grandes clásicos del imaginario colectivo que ya llevaban años asentadas en mis listas), habrá quién no comparta mi forma de quererla, pero sin duda se trata de una obra maestra moderna. Es por ello que enfrentarme a una segunda entrega ya suponía un handicap desfavorable. ¿Cómo iba a sorprenderme REC 2? ¿Qué nuevas estrategias iban a desarrollar Paco Plaza y Jaume Balagueró para sorprenderme? Sorprendido es poco, creo que durante los primeros 20 minutos del filme estaba disfrutando tanto o más que con la primera parte. Los directores se han decidido a explicar los puntos que hacían REC grande precisamente por quedar inexplicados. Si en la entrega previa teníamos unicamente acción (y por acción no entiendo a escenas de combate, sino a los personajes realizando acciones) ahora la cantidad de información a procesar es, en algunos momentos, abrumadora. Y se trata precisamente de esta nueva información, totalmente arriesgada por su originalidad, la que da una nueva dimensión a las dos películas. Si el mayor aliciente de REC era su puesta en escena, el punto fuerte de REC 2 es su argumento; sencillamente sublime. Aunque en este caso también hay que destacar la puesta en escena ya que incluso han sabido cambiar el método de grabación de los personajes para que veamos algo nuevo, (Paco, Jaume, mi enhorabuena por la idea de las cámaras de los cascos de los GEOs, de lo mejorcito) y dejo caer sin destripar nada, para las ansias de aquellos que no la hayan disfrutado aún, que en este caso veremos la historia a través de al menos 3 cámaras y no necesariamente de forma simultánea.

Pero si todo son bondades con esta película, ¿donde queda el sentimiento de odio? En el ritmo, si el planteamiento del filme es sublime, y el desenlace es bastante bueno (aunque la información que se va dando cada vez esté menos planificada y más cogida con alfileres); el nudo de la obra es bastante aburrido, y carente de sentido para el conjunto (aquellos que ya la hayan visto sabrán que parte es si les digo que es la grabada con la seguda cámara). Si a eso le sumamos el final, que recupera el ritmo, pero no es del todo de mi agrado (aunque por original estoy dispuesto a darle una segunda oportunidad), vemos como la película se aleja de la perfección de su predecesora. Creo que la causa de esto es que los directores debieran haber pasado más tiempo en la mesa con el guión. Se han esforzado tanto por hacer algo original (que tiene mucho mérito) y que además cuadre todo con la entega anterir (cosa que tiene aún mucho más merito) que hacia la mitad de la peli andan un poco perdidos y ya los giros están menos justificados (aunque hay que reconocerles su originalidad hasta el último plano de la película).

En definitiva, REC 2 es una buena película, aunque no roza la perfección de la anterior, dicha perfeccion se podría haber alcanzado planificando un poco mejor el argumento y su desarrollo. Sus puntos fuertes, su originalidad (estamos, una vez más, ante algo completamente nuevo), aunque queden un par de cabos sueltos (intuyo que con idea de una posible tercera entrega) y el espectador pueda hacerse infinidad de preguntas sin respuesta no relacionadas directamente con el argumento. Pero es precisamente por esa originalidad, que el filme se ha ganado, al menos conmigo, derecho a un segundo visionado para confirmar, espero; que el amor es mayor que el odio... yo creo que si.

Blair Witch Vol. 1: Rustin Parr

2009-08-28T02:28:00.004+02:00

La Bruja de Blair: Rustin Parr es la primera parte de una serie de tres juegos que ahondan en las preguntas sin contestar que rodean al mito de La Bruja de Blair.

Ambientada en 1941, la primera aventura enfrenta a la investigadora especial del gobierno Doc Holliday contra el mal ancestral que condujo al ermitaño Rustin Parr a secuestrar y asesinar a siete niños en Burkittsville, Maryland. Por el camino, tiene que interactuar con los habitantes sobrecogidos de la ciudad, investigar leyendas ocultas y rituales arcanos e intentar desvelar un misterio siniestro que todavía acecha en la ciudad.

Rustin Parr combina los elementos tradicionales de aventura, investigación, exploración y resolución de rompecabezas con una buena dosis de acción escalofriante, para crear una experiencia de juego terrorífica.

Años llevaba este juego en la estantería cogiendo polvo desde que lo jugara por primera vez. Y no porque fuera malo, en absoluto. Pero era yo por aquel entonces un muchacho joven, que ni jugaba todo lo bien que juego ahora, ni hablaba inglés con la misma fluidez (tampoco nos emocionemos) que hablo ahora.

Pero empecemos por el principio. Desde ya avisar que me declaro un auténtico apasionado de la Leyenda de la Bruja de Blair. Matizo. No hablo especificamente de las películas (la segunda en concreto totalmente obviable) sino a la verdadera leyenda. Y es que aunque El Proyecto de la Bruja de Blair fue para muchos un timo por vendernos algo que no fue más que una soberbia labor de marketing, sepan todos ustedes que las películas guardan algo de verdad. La leyenda existe, y muchas de las cosas que se mencionan en los filmes ocurrieron de verad (o eso cuentan las leyendas locales). Hasta el punto de que no es dificil encontrar imagenes o videos del juicio de Rustin Parr o incluso de un Kyle Brody (el unico superviviente de la matanza de Parr) adulto y encerrado en el manicomio donde todavía dibuja los extraños símbolos que vio de pequeño en la casa del hermitaño Parr. Es esa mezcla de mito y realidad lo que, al menos a mi entender, hace atractivos los productos relacionados con la famosa bruja.

Y aqui es donde entra la trilogía de videojuegos que, sin perder su base de ficción, ahonda en los hechos que sí sabemos que ocurrieron. Cuando Rustin Parr bajó de su casa en el bosque al pueblo y dijo "He terminado" y al registrar su domicilio encontraron a 7 niños asesinados ritualmente y a un superviviente, Brody. Y es aqui donde entramos nosotros en juego, como miembros de una ficticia organización de defensa paranormal, extraida de otro juego del mismo estudio, Nocturne. Si un juego merece ser jugado por su historia y su ambientación, independientemente de su jugabilidad, es este.

Primero lo negativo. Obviamente los gráficos, que no fueron ninguna maravilla en su día, hoy nos chirriarán tremendamente. Así como la jugabilidad, muy, muy pobre. Evitaremos los combates siempre que podamos (salvo los jefes finales, y los enemigos de la primera noche no hace falta disparar más en todo el juego) corriendo de un lado para otro. No, lo verdaderamente interesante es la historia. Plagada de guiños y homenajes a las leyendas reales de la zona. Esto sería más que suficiente para que el juego resultara interesante. Pero es que además el juego da auténtico miedo (del de verdad) cuando hace falta. Menciono por poner dos ejemplos, la primera noche en el pueblo, y la soberbia (de verdad, aun jugandolo por segunda vez y sabiendomelo de memoria estaba temblando en la silla y con el vello de punta) fase en la casa de Parr. Irrepetible.

En definitiva, nos encontramos ante un juego modesto, pero bien hecho. Obligado para los amantes de la bruja, y recomendado para aquellos amantes del miedo y las buenas historias. Por desgracia, esta completamente en inglés (motivo directamente proporcional a la cantidad de polvo acumulado por el juego en la estantería) pero es relativamente facil encontrar traducciones bastante buenas que nos permitan disfrutar de la trama en su totalidad.

Terminator Salvation

2009-08-09T18:43:00.006+02:00

Terminator Salvation nos sitúa en el año 2018, un futuro en el que, tras la rebelión de las máquinas, el mundo nada tiene que ver con el de ahora. La guerra entre hombres y máquinas es incesante y los escenarios post-apocalípticos están repletos de cadáveres y piezas de máquinas. En medio de esta carnicería, John Connor, el líder de la resistencia humana, lucha por llevar a la humanidad a la victoria.

No es fácil analizar un videojuego sin dedicarse profesionalmente a ello, ya que posiblemente se trate del medio de ocio que más horas requiere para exprimir completamente el producto; también es el más caro, no obstante. Es por eso que siendo una persona que gusta de reseñar una vez no queda nada más por hacer con el objeto de ocio, que de las primeras impresiones hasta que el juego queda finalizado, la cantidad de tiempo transcurrido es cada vez más amplia.

De forma que intentemos poner en orden las ideas. De entrada, este Terminator Salvation no es más que otro Gears of War más: acción en tercera persona, con la cámara situada detrás del hombro del protagonista, pudiento acercarla más en el momento de apuntar (que también es cuando aparece la mirilla) y ofreciendo un sistema de coberturas semi-dinámico. Podemos parapetarnos detrás de algunos objetos del escenario, siendo posible pasar de unos a otros con una sola tecla siempre y cuando no estén demasiado lejos. Esto hace que la mecánica principal del juego sea avanzar, parapetarse, tiroteo, avanzar, parapetarse, tiroteo... No resulta repetitivo, pero si que es verdad que hacia el final del juego (tampoco muy lejano, ya que la duración del título es relativamente corta) el jugador es consciente de haber caido en esa mecánica. Divertida, si, pero repetitiva. Por otro lado podemos encontrar algunas fases en las que, montados sobre un vehículo con munición ilimitada (ilimitada será la munición, pero las armas se calientan con una rapidez fuera de toda credibilidad) tenemos que dar cuenta de oleadas y oleadas de enemigos antes de que acaben con nosotros o nuestro compañero. Sí, hay modo cooperativo, pero por desgracia sólo es offline.

Si la jugabilidad es correctita, lo mismo podemos decir del argumento. Un sólo objetivo principal (rescatar del mismo infierno a tres pobres desdichados que uno no hace más que preguntarse cómo habrán acabado donde están) aderezado con pequeñas misiones que van surgiendo como parte de la trama. Sin embargo, pese a estar ambientada dos años antes que la película del mismo título, en este caso la trama no pasa de anecdótica (el mencionado rescate). No hay revelaciones importantes más allá de ver como los dos mejores amigos de Connor (la piloto y el negro de la barba) se unen a la resistencia. Asi que resumiendo, lo justo para que haya un juego, pero poco más.

Por último, en el aspecto ténico volvemos a encontrar ese mismo aprobado que en los aspectos anteriores. Gráficamente el juego no está mal. Aunque tampoco es un derroche de calidad, especialmente en los videos, reguleros, reguleros (no hay que olvidar que estamos en una Xbox360), eso si, han aprovechado los temas musicales de las primeras películas, lo que le da una tensión o episcismo en los momentos indicados.

En definitiva, un juego correcto. Con riesgo a repetirme diría que "no está mal para ser la adaptación de una película", cosa que ya hoy en día se considera hasta bueno tratándose de este tipo de juegos. Recomendado sólo para fans de la serie o aquel jugador que se pueda hacer con él por precio reducido.

Green Lantern: First Flight

2009-07-31T18:25:00.003+02:00

Hal Jordan, un piloto norteamericano, es reclutado para unirse a los Green Lantern Corps y es colocado bajo la supervisión del respetado Linterna Superior: Sinestro. Hal pronto descubre que su mentor es la posible figura central en la conspiración que amenaza con destruir las filosofías, tradiciones y jerarquía de los Green Lantern Corps. Jordan deberá pulir rápidamente sus nuevos poderes y combatir a los traidores entre sus compañeros para mantener el orden en el universo.

La verdad es que Green Lantern (en castellano Linterna Verde) de primeras puede resultar un personaje que no llama la atención: un policía intergaláctico con un anillo que puede hacer todo lo que se imagine (¿también hace hamburguesas?, me llegaron a pregunta con no poca sorna). Si uno echa mano a los primeros tebeos del personaje la cosa tampoco ayuda. El arma más poderosa del universo (el anillo de un Lantern) y no puede hacer nada contra cosas de color amarillo. Chungo, ¿verdad? Sin embargo, realmente nos encontramos ante uno de los personajes más interesantes de los comics que posiblemente se hayan creado (al menos desde mi punto de vista claro, que para eso el blog es mío). Especialmente si uno se hacerca desde la magnifica mitología que Geoff Johns está creando en la etapa contemporánea del personaje. Y es precisamente utilizando los elementos de esta etapa (salvando las distancias, por supuesto) que parte la película.

Green Lantern: First Flight es la nueva entrega de Universo DC siguiendo la estela de Justice League: The New Frontier (la única previa a este Green Lantern inédita en nuestro país), La Muerte de Superman, Batman: Guardián de Gotham y Wonder Woman. Pese a que nos cuenta el origen de Hal Jordan como Lantern (de una forma extremadamente rápida; punto a favor, ya vale de perder media película en contar unos origenes que a veces ni siquiera interesan) el resto del filme se centra en el posible origen de los Sinestro Corps (los Lanterns amarillos). La verdad es que hay muchos personajes pivotados de sitio y en pro de una mayor simplicidad de la historia se han omitido muchas cosas del comic. Sin embargo, los principales conceptos están ahí: la fuerza de voluntad, el miedo, el verde, el amarillo, las baterías de poder, Quard... incluso Ión (lástima que no aparezca Parallax, pero se entiende su ausencia). Una forma simple y rápida de sintetizar en 75 minutos la nueva mitología de los Green Lantern Corps.

Centrandonos en el resto de aspectos podemos comentar que si bien la animación es bastante correcta, los diseños de los personajes no me acaban de convencer del todo. Especialmente los uniformes, tan variopintos en el comic, y aqui pasados todos por el mismo taller de corte y confección. Los detalles añadidos por ordenador están bien, pero no se integran todo lo correctamente que deberían en la animación, como sí ocurre en series como Futurama. Un gran punto positivo es la música, que data del episcismo necesario al filme. Oyendo el tema principal, uno se sorprende pensando en cómo será la película de imagen real sobre el personaje que ya nos han prometido.

En definitiva una película entretenida sobre un gran personaje, en la línea de la serie Universo DC, posiblemente sea la mejor después de Wonder Woman recomendada como simple producto de entretenimiento y solo de obligado visionado para los seguidores del personaje, como suele ocurrir con este tipo de productos. Ya sólo queda esperar que llegue a nuestro país en breve.

Up

2009-07-31T14:45:00.003+02:00

Up es una comedia sobre un vendedor de globos de 78 años, Carl Fredricksen, quien finamente consigue llevar a cabo el sueño de su vida al enganchar miles de globos a su casa y salir volando rumbo a América del Sur.

Pero descubre demasiado tarde que la mayor de sus pesadillas se ha embarcado también en el viaje: un Explorador de la Jungla llamado Russell, que tiene 8 años y un optimismo a prueba de bomba.

¿Quién ha dicho que para hacer una buena película de aventuras hay que imitar a Indiana Jones? Porque eso es lo que es Up, ¿no? ¿Una película de aventuras? Claro que también la podríamos englobar por méritos propios en la comedia. O en el drama. ¿Quién dijo que las películas de animación eran sólo para niños?

Tantos conceptos me abruman. Así que descansemos del largometraje para tratar antes la nueva obra maestra que una vez más Pixar nos ofrece en forma de cortometraje previo al filme. En esta ocasión nos encontramos con una nueva perla de humor mudo. Debido a su escasa duración no voy a entrar en detalles de argumento, prefiero que todo aquel que vaya a verlo se sorprenda como me pasó a mi. Sólo decir que si el nivel de humor es tan sobresaliente como en cortos anteriores (Pajaritos, Abducidos, El Hombre Orquesta o Presto! por poner algunos ejemplos) el aspecto técnico no se queda atrás. En plena era de las películas de animación por ordenador, Pixar vuelve a sorprendernos con un acabado impresionante.

Volviendo al largometraje, como ya pasara con los anteriores de la casa, se me llena la boca al hablar de ellos, de ahí que no me vaya a poner a desgranar una por una las excelencias de la película (que son muchas y muy buenas). Baste decir que el altísimo listón impuesto por Wall-E queda superado. Tal vez no ampliamente, pero ya solo con igualarlo nos hubieramos conformados. Estos muchachos saben hacer buen cine, y cualquiera de los comentarios que hiciera con la película del robot basurero, valen para esta. La película comienza de forma más drámatica, para lentamente ir sacando su lado cómico y aventurero. Los personajes son sencillamente deliciosos con una personalidad fuerte y totalmente atrayentes. Las escenas de acción (no hay que olvidar que los protagonistas son un viejo, un niño, un perro y un pollo gigante) son tremendamente épicas y absorventes (la música de Michael Giaccino ayuda mucho).

En definitiva, un auténtico peliculón. No esperen argumentos, fiense ustedes de mi. O si han visto alguna otra película de Pixar, fiense de ustedes mismos y vayan todos a verla, que además en 3D, pues como que mola más.

Canción de Hielo y Fuego 1: Juego de Tronos

2009-07-02T21:08:00.002+02:00

Tras el largo verano, el invierno se acerca a los Siete Reinos. Lord Eddar Stark, señor de Invernalia, deja sus dominios para unirse a la corte de su amigo el rey Robert Baratheon, llamado el Usurpador, hombre díscolo y otrora guerrero audaz cuyas mayores aficiones son comer, beber y engendrar bastardos. Eddar Stark ocupará el cargo de Mano del Rey e intentará desentrañar una maraña de intrigas que pondrá en peligro su vida y la de todos los suyos.

En un mundo cuyas estaciones pueden durar decenios y en el que retazos de una magia inmemorial y olvidada surgen en los rincones más sombríos y maravillosos, la traición y la lealtad, la compasión y sed de venganza, el amor y el poder hacendel juego de tronos una poderosa trampa que atrapará en sus fauces a los personajes... y al lector.

Poca justicia hace la sinopsis a una de las mejores novelas de fantasía (o no) mejor escritas en mucho tiempo. Y es que tras leerla (la sinopsis) uno siente especial impulso de coger y devorar la novela. Como tampoco ocurre al abrirla y terminar el prólogo. Ni siquiera cuando uno ya lleva unos cuantos capítulos uno es consciente de esto. Pero al llegar a la mitad de la novela, por alguna extraña razón, no podemos soltar el libro. Sin darnos cuenta nos hemos enganchado de tal manera, que no sólo devoraremos el ejemplar que tenemos en las manos, sino que no pararemos hasta acabar con todo.

Y es que es cierto que de entrada la obra puede resultar un poco confusa. Pero también lo es El Señor de los Anillos de Tolkien y precisamente no está considerada como una mala obra, no. Durante los primeros capítulos (cada capítulo lleva el nombre de uno de los protagonistas y narra la historia desde su punto de vista) la cantidad de nombres, lugares, apellidos, casas... será tal que más de una vez os sorprenderéis revisando las paginas anteriores, el mapa o los apéndices de las casas del final para saber quién es quién. Pero que nadie se apure. Los personajes están tan bién definidos, que a poco que empiecen a coger protagonismo empezareis a quedaros con ellos, a cogerles cariño, u odio... mucho odio.

Y es que ahí radica lo más interesante de todo el asunto. Al ver las cosas desde el punto de vista de un personaje, uno se forja una idea de lo ocurrido. Pero, ¿que ocurre cuando vemos las cosas desde el punto de vista de otro de los personajes? Ese es el juego de tronos, la enorme cantidad de giros imprevistos que dan las cosas en cuanto pasamos por los ojos de uno u otro personaje. No, Juego de Tronos no es un libro que uno se compre al verlo en las estanterías de su librería habitual. Uno se compra este primer volúmen porque alguien que lo ha leido le OBLIGA a leerselo, tal es el ansia que tiene de poder comentarlo con más gente. Buen momento de aprovechar es ahora que ha salido la edición de bolsillo (2 tomos que equivalen al tomo unico de la edición normal o de tapa dura) a un precio de lo más asequible.

En definitiva, no voy a hacer una recomendación de este libro. Os INSTO a que lo leais, empezadlo. Si al terminar el primer tomo de la edición de bolsillo (o la mitad del libro en edición simple) podeis repudiarme por largo tiempo. No os arrepentireis.

All Star Batman & Robin

2009-06-19T19:39:00.019+02:00

Tras presenciar el asesinato de sus padres durante una actuacion circense, Dick Grayson es liberado por Batman de la custodia de unos agentes corruptos del Departamento de Policía de Gotham City. Lo que en última instancia pretende el álter ego de Bruce Wayne es reclutar al joven Grayson como aprendiz, socio y soldado en la guerra que se avecina...

"Un caballero más oscuro" se puede leer en la contraportada. Ya volvemos a confundir, en esa extraña manía implantada en los 90, los tebeos oscuros con un tipo de tebeo en el que el bueno, no es tan bueno como Superman. Una supuesta clase de lectura mucho más adulta.

Y nada más lejos de la realidad. El Batman que podemos encontrar aqui, es un Batman más molón. Con perdón de la expresión, un auténtico "chulo-putas". ¿Eso es un caballero más oscuro? Por el hecho de que el protagonista mutile a los villanos, diga palabrotas y se cepille a Canario Negro en mitad de la
calle tirados en el suelo, ¿nos encontramos ante un mejor tebeo? ¿Qué necesidad tiene el lector de hoy en día de sentirse más maduro por el hecho de leer historias de moralidad dudosa? Cuidado, no seré yo quien niegue el atractivo de este tipo de relatos, pero ¿que ocurre cuando estás carácterísticas tan marcadas se convierten en algo gratuito?

Abrimos ya el tomo y comenzamos a ojear las ilustraciones. Jim Lee sigue tan impactante y molón como siempre (el adjetivo se vuelve a repetir). Sin embargo, al empezar a leer uno se da cuenta que de nuevo es lo único que puede aportar a la historia: mucha posturita y mucho posible diseño futuro para camiseta. Sentimientos enfrentados con este dibujante, por un lado se trata de unas ilustraciones tremendamente atractivas para el lector, pero si uno rasca ligeramente la capa superficial, se da cuenta que no hace otra cosa que presentar personajes totálmente estáticos. Como si se tratase
de estos albumes de pegatinas con un paisaje en el que nosotros pegabamos y despegabamos una y otra vez a los protagonistas. No, tras ojear el dibujo queda claro que el apartado gráfico no va a convertir a este cómic en una obra maestra. Y menos despues de comprobar como a un Bruce Wayne perfectamente afeitado, le crece la barba por arte de magia al ponerse la capucha de Batman... anonadado me quedo...

Empecemos a leer entonces, a ver si es el guión el punto fuerte de la obra... Se trata de Frank Miller (Daredevil: Born Again, Sin City, Batman: El retorno del Caballero Oscuro...) no puede ser malo, ¿no? Pues efectivamente, malo, lo que se dice malo, pues no es. La historia está bien contada, no resulta aburrida. Sin embargo, ese regusto de intentar hacer algo transgresor convirtiendo a Batman en un psicópata... resulta interesante, si, pero tampoco es ninguna maravilla. Bien es cierto que dos de las líneas editoriales
que más éxito tuvieron en su época en Marvel y DC fueron los Otros Mundos y los What if...?. Tebeos fuera de continuidad donde se mostraban las historias de siempre pero con un enfoque nuevo. Viendo el atractivo de este tipo de productos no se puede culpar a Miller por querer presentarnos a un nuevo Batman. Esto ya será cuestión de gustos, pero desde luego en mi caso no termino de verle el atractivo.

Por otra parte (y siguiendo con el guión) la obra se encuentra muy fragmentada, y después de 9 numeros (los que incluye el tomo) uno todavía no tiene claro de qué va la película. Miller pierde paginas y páginas presentando personajes que uno no acaba de entender para que salen... como por ejemplo toda la trama relacionada con Canario Negro. O el accidente de la periodísta que sale con Wayne. Parece ser que el sello All-Star lo que hace es presentar a un innumerable plantel de secundarios que orbitan en torno a Batman. O lo que es lo mismo, ¡mirad que molones son los diseños de Jim Lee de todos estos personajes! Esperemos que
la serie continúe y vaya cogiendo forma. Cosa complicada teniendo en cuenta que el último número apareció en agosto de 2005, y no se vayan todavía que aún hay más, se trataba de el número 10. ¿Qué cuantos números trae el tomo? Pues el tomo de planeta (muy bonito, por cierto) comprende los números del 1 al 9 de la edición americana. ¿Qué narices ha pasado con el 10? Decisiones editoriales aparte (no termino yo de verle la utilidad a dejar el ultimo número fuera. Muchos hilos argumentales tienen que cerrarse en este ultimo capitulo para que la historia planteada en los nueve anteriores cobre sentido. Asi que a día de hoy, All-Star Batman & Robin no deja de ser una anécdota, un curioso experimento de la mente de Miller de presentarnos un nuevo Batman, un Batman más ¿oscuro?

En definitiva, un comic entretenido, nada más. Una compra obligada para aquellos lectores que adoran a los personajes que pegan primero y nunca preguntan. Para los démás... dependiendo de con el pie que se hayan levantado, opinarán mejor o peor, pero que nadie se engañe, es un Otros Mundos más, y como tal debe ser tratado.

Dementium: The Ward

2009-06-10T01:48:00.004+02:00

Te despiertas solo y a oscuras para descubrir que estás en un misterioso hospital abandonado que parece congelado en el tiempo. Solo tienes vagos recuerdos sobre quién eres y ninguno sobre los pasos que te han guiado a este lugar aterrador. A medida que avances por los oscuros pasillos y te encuentres con horribles criaturas, descubrirás pistas que te despertarán recuerdos aislados y desvelarán una verdad que es más horrenda incluso que el atroz hospital Redmoor.

Con varios años de vida, queda patente que la portátil de Nintendo cuenta con una potencia considerablemente inferior a la de su homóloga de Sony. Lo mismo ocurre con sus hermanas de sobremesa. Ésta falta de potencia suele ser la excusa que utilizan las desarrolladoras para justificar la ausencia de calidad grafica. Pero de vez en cuando aparecen pequeños juegos que demuestran que lo unico que queda justificado es la ineptitud de dichos estudios.

Al arrancar el juego uno empieza a sentir miedo. Cosa dificil si tenemos en cuenta de la consola que hablamos. La música empieza a meternos de lleno en la historia así como los efectos de sonido ya desde el mismo menú. Arrancamos la partida y durante el primer nivel no podemos hacer otra cosa que sorprendernos. Unos escenarios sencillamente deliciosos así como unas animaciones espectaculares para una Nintendo DS. Posiblemente nos encontremos ante la ambientación mejor lograda para la portátil. Damos nuestros primeros pasos totalmente a oscuras y encontramos una linterna que pasa a ocupar el primer hueco de nuestro invetario, lo que ya nos indica que no podremos ver y disparar a la vez. Aumenta nuestro miedo. El hecho de que contemos con un cuaderno en el que pone "¿Por qué lo has hecho?" también nos augura dos cosas: Puzzles interesantes, ya que podemos anotar cosas en el cuaderno usando el stylus y un argumento de lo más interesante, ya que parece que somos los responsables de un asesinato (una mujer muerta y una niña que huye de nosotros constantemente... ¿nuestra familia?). El miedo y la emoción se combinan durante el primer rato de juego. Todo es perfecto, ¿no?

Por desgracia el juego va perdiendo fuelle conforme avanzamos. El control, pese a innovador, acaba cansando tras un rato de juego, provocando que disminuya nuestra pericia y nuestras ganas de explorar. Ya que si bien el juego es completamente lineal, será necesario explorar todas las habitaciones para conseguir todas las armas y munición existentes. El control es la principal lacra del juego. Ya que además de lo ya mencionado, el jugador cansado reparará en otros fallos que con una jugabilidad más atractiva hubieran pasado desapercibidos. Los escenarios son repetitivos hasta la saciedad (aunque no quedan mal, ya que nos recorremos los 8 pisos de dos edificios conectados), y el interesante argumento solo avanza en momentos muy puntuales, dejando el resto del juego en un "mata y avanza" o para los más habilidosos en un "avanza" simplemente. Los a priori interesantes puzzles son aún más puntuales si cabe que las minimas dosis de historia y son extremadamente sencillos de resolver (poco aprovechado queda el cuaderno de notas). Para colmo el juego adolece del mismo fallo (gordísimo a mi entender) que aqueja a los ultimos Silent Hill (desde la 4ª entrega). Por intentar crear una atmósfera de tensión y misterio, se rebuscan en sí mismos con la trama y, tras una escena final impactante, no solo no se ha explicado nada sino que se crean más incógnitas. Las cosas claras y el chocolate cómo más le guste a cada uno.

¿Hablamos entonces de un buen o mal juego? Pues se trata de un buen juego, no cabe duda. Pero sus enormes virtudes quedan totalmente compensadas por sus fallos, haciendo que se quede en mitad de la tabla. Hay anunciada una secuela, por lo que es de esperar que mantengan el nivel de graficos y ambiente, y pulan más la historia y la jugabilidad, entonces estarémos ante un juego completamente redondo.

En definitiva, un juego que merece la pena jugar por su ambientación y su argumento. Pero que llegados a un punto, se convertirá en un auténtico compromiso por el simple hecho de llegar a ver el final.

Terminatior Salvación

2009-06-06T10:12:00.004+02:00

Año 2018, aquí John Connor (Christian Bale) es el hombre destinado a dirigir a los supervivientes humanos contra las máquinas lideradas por el terror tecnológico Skynet, en donde destacan sus soldados Terminator. Pero el futuro en el que Connor fue educado mientras crecía se ve alterado en parte por la aparición de Marcus Wright (Sam Worthington), un extraño cuyo último recuerdo es estar en el corredor de la muerte. Connor deberá descubrir si Marcus ha sido enviado del futuro para algún propósito o rescatado del pasado. Mientras Skynet se prepara para su ataque definitivo, ambos se unirán en un viaje que les llevará al corazón del centro de operaciones del cerebro de las máquinas, allí descubrirán el terrible secreto que se oculta tras la posible aniquilación de la humanidad.

Hablar de Terminator es lo mismo que hablar de Indiana Jones, Regreso al Futuro, Alien, Depredador o Star Wars por poner solo algunos ejemplos. Sagas míticas que rondando los 80 hicieron las delicias de millones de espectadores y que hoy en día, en plena era de efectos digitales, siguen funcionando con sus muñecos de latex, animatronics y pintura roja. Sagas que (casi en su totalidad) han intentado recientemente revitalizar la franquicia con nuevas entregas sin el mismo exito que tuvieron sus precuelas. Y es que siempre resulta dificil competir con uno mismo, sobre todo si uno mismo es el mejor...

¿Que ha ocurrido con Terminator Salvation? Resultaba dificil que la nueva entrega fuera coherente con todo lo ya editado sobre los personajes, y a que en cada nueva película (o capitulo de la serie de televisión) las acciones de los personajes cambiaban el futuro. Sin embargo, una cosa quedaba clara en Terminator 3: La Rebelión de las Máquinas, de una forma u otra, el Día del Juicio acaba llegando, y John Connor tendrá que liderar la resistencia. Es en este punto donde arranca el 4 episodio fílmico. En el 2018, las máquinas van a comenzar a fabricar en serie los T-800 (el modelo protagonista de las 3 entregas anteriores) para jubilar los toscos T-600 (aún no se ha creado el prototipo de T-1000 ni el de T-X). Resulta muy interesante ver como se ha sido fiel a todo lo creado con anterioridad de forma que podemos ver constantemente elementos que nos recuerdan a las películas previas, como las cintas y la foto que Sarah Connor deja a su hijo con toda la informacion relativa a las maquinas y a su padre (Terminator). Las baterías nucleares que llevan los T-800 en su interior como fuente de energía (Terminator 3: La Rebelión de las Máquinas), la capacidad del T-800 de modular su voz para imitar a los demás (visto en las dos primeras entregas) o el hecho de que si bien Ciberdyne Systems ya no es responsable de la creación de las maquinas (como vimos en Terminator 2 y 3 si juega un papel en los nuevos acontecimientos que se salen del futuro ya predicho con anterioridad (y numerosas veces modificado). Este es el principa (y extenso) punto fuerte del filme. Su tremenda fidelidad a la saga. Concordando incluso con la serie, aunque esto se deba más que nada a que no hayan llenado los huecos que la misma podría generar, dejando esta labor a la imaginación de los fans. Absolutamente impagable el momento en el que podemos ver al primer modelo 101 de T-800 (el que protagoniza el actual gobernador de California).

Si lo más importante se había conseguido con creces, ¿donde radica el fallo de la película? Principalmente en su ritmo, bastante ausente. Todo lo que ocurre entre una escena de acción y otra es lento y aburrido. Se transmite la sensación de que hay poca información que dar y que se estira como un chicle para tapar el hueco hasta que vuelvan a volar los tiros. No esta mal del todo, pero las escenas con actores no tienen la fuerza y el carisma que tenían las 2 primeras entregas. Si este fuera el unico fallo, la película podría aprobar con una nota relativamente alta. Pero también es víctima de la realización de escenas de acción contemporánea. Esa maldita manía que tienen los directores de hoy día de asimilar "acción" con "la camara quema y no paro de menearla". La primera escena de acción (la más importante ya que es donde se presentan los personajes y la situación) es totalmente caotica e ininteligible. El director se permite el experimentar con angulos bizarros y totalmente innecesarios en pro de una mayor espectacular, sacrificando la claridad. Más de un director de hoy día tendría que dar alguna clase con Steven Spielberg y la escena del camión de En busca del Arca Perdida. Sin embargo, tenemos la escena de acción con las motos terminators que es sencillamente deliciosa. Esta irregularidad en la dirección hace que la película se convierta en un videojuego en la que el espectador no hace otra cosa que esperar a la siguiente escena de acción, donde se nos presentará al nuevo enemigo final de fase.

En definitiva, una peli entretenida que aprueba solo por los pelos. Y ese pelo se llama fidelidad a la saga. El que vaya buscando una sucesión de escenas de acción de las de ahora (mezclado y bien agitado) disfrutará mucho. El que vaya buscando una buena pelicula, o una secuela a la altura de las anteriores, se decepcionará (queda por debajo, aunque no demasiado, del tercer episodio, en mi opinión injustamente valorado). El seguidor de la serie de toda la vida, si va con una mentalidad que no obligue a este filme a competir con los anteriores, disfrutará bastante encajando las piezas del puzzle, pero aún así se quedará con el regusto de que se podía haber hecho mejor... y mucho. Veremos a ver que nos depara la siguiente entrega...

Blacksad: Alma Roja

2009-05-25T00:36:00.010+02:00

Los tiempos están cambiando: las grandes potencias mundiales centran sus investigaciones en la carrera nuclear y el miedo al comunismo es, en los Estados Unidos, una realidad cada vez más patente. John Blacksad, detective privado reciclado en guardaespaldas, se verá metido en esta ocasión en una intriga política de alcance internacional cuando reencuentre a un antiguo profesor, ahora toda una eminencia en energía atómica, y a su ayudante, la bella escritora Alma Mayer.

Bueno, siendo sinceros el verdadero interés de la serie Blacksad no radica especialmente en sus guiones, que si bien no son malos, tampoco destacan más allá del entretenimiento raso. Harina de otro costal es sin embargo el trabajo de Guarnido, el auténtico aliciente para todos aquellos que invertimos nuestro dinero en los ejemplares de la serie.

Alma Roja es ya la tercera entrega de la serie. Serie que avanza despacito y con buena letra (el primer numero es de 2001, el segundo de 2003 y este que nos ocupa de 2005, fechas de la edición francesa) y eso está bien. De esta manera se evita el estancamiento de la colección y hace que cada número sea realmente una novedad (cosa que no ocurre con tebeos de periodicidad más acelerada). Además, el hecho de que cada una de las historias sea totalmente independiente de las

demás (las unicas conexiones entre albumes son los personajes
secundarios que rodean a Blacksad, como el jefe de polícia o su amigo el soplón) ayuda a esta sensación de novedad en cada numero. Ninguna entrega empieza donde acaba la anterior, aunque la sensación de que la historia avanza en el mismo orden de publicación, entre aventura y aventura se nos muestra como pasa un tiempo indefinido (en el que han podido ocurrirle muchas cosas al protagonista, dando dinamismo al personaje) que sienta bien a la obra.

Hemos dicho que los guiones de Díaz-Canales no son ninguna maravilla, lo que no implica que las historias no tengan ritmo. Además, se nota el esfuerzo del guionista por intentar la variedad. Si en el primer numero nos encontrabamos con una historia de lo más tópica del género negro (investigador marginado, que pierde a su chica, y que descubre la verdad sobre ella al investigar su muerte), en las dos entregas sucesivas se ve un interés por reflejar algunos momentos clave de la historia de EE.UU. En Artic-Nation traslada al Klan (esos señores encapirotados que se dedicaban a linchar a gente de color) del sur del país al norte, para asi poder jugar con el racismo que sienten los animales de pelo blanco hacia aquellos que no gozan de su misma pureza (muy interesante este simil de la realidad con el mundo animal, notése que Blacksad es un gato negro, pero cuenta con un morro blanco). Por último, el tema de Alma Roja es la archiconocida "caza de brujas" comunista durante la Guerra Fría.

Centrándonos ya en este número, la historia no juega tanto con la comparativa hombre-animal como hacían los dos primeros, y la trama se plantea y se resuelve muy rápidamente. El misterio no se produce hasta bien adentrados en el tebeo, lo que provoca que todo se acabe resolviendo de forma muy precipitada. Los personajes están bien planteados, pero no disponen del tiempo necesario para desarrollarse, y se intenta dar profundidad a aquellos secundarios que repiten aparición, pero de una forma muy tímida. El dibujo, aún siendo magnífico, está ligeramente por debajo en calidad a las entregas anteriores. Poca cosa de todas formas. El tebeo merece la pena precisamente por el apartado gráfico. En conjunto, la obra no decepciona (sobre todo tras haber leido algo más de la serie) y deja buen sabor de boca hasta que dentro de poco, esperemos, podamos disfrutar de alguna nueva entrega. Sin embargo, dista (tampoco mucho) de ser la mejor de las tres. Este puesto corresponde a la segunda entrega seguida de la primera.

En definitiva, un tebeo muy recomendado, al mismo nivel que el resto de la serie; y que llamará la atención del lector por la calidad de sus ilustraciones. Ideal para pasar un rato de lectura entretenido, sin más complicaciones en un registro diferente a los superhéroes que saturan nuestro mercado.

28 semanas después

2009-05-18T21:11:00.003+02:00

El terror y la devastación desatados en 28 días después se reproduce seis meses después de que el virus haya diezmado Londres en esta secuela de horror total que "supera a la original". Tras restaurar el orden y vencer la batalla contra la infección, el ejército estadounidense entra en Gran Bretaña para ayudar en su reconstrucción. Pero uno de los refugiados, al regresar, lleva con él un secreto que amenaza con reiniciar la mortal explosión de sangre, muerte y caos.

Hace ya casi dos años desde que hablamos de 28 semanas después por estos lares. Releyendo lo escrito con anterioridad me alegra comprobar que mi percepción de la película ha mejorado notablemente, asi cómo (creo yo) mi madurez creativa y mi forma de escribir. Todo positivo. Bueno, casi todo. Me he percatado de que tenía bastante abandonadas las reseñas relacionadas con los DVDs. Muchas películas han sido analizadas aqui, pero cada vez hablamos menos de la calidad (o ausencia de la misma) de sus formatos domésticos. Formatos que una vez que la película abandona los cines, son el único medio legal para disfrutar de ellas en casa (hasta que las pasen con publicidad por la tele, claro esta). Pero no divaguemos más, el unico objetivo de esta parrafada es avisar al lector habitual. Que nadie se extrañe al encontrar varias reseñas sobre el mismo documento de ocio. Ya que puede ser que estemos hablando de la película en sí, o el DVD, o incluso del libro del mismo título o alguna de sus múltiples adaptaciones al mundo del videojuego.

Haciendo un resumen rápido (hay que compensar la parrafada previa) podemos afirmar que nos encontramos ante una película notable, en la que si bien la pelicula puede contar con algun tópico (que por otro lado tampoco se pretenden ocultar ni disimular) quedan empañados por una magnifica realización y un ritmo muy bien logrado. Un aplauso para el director (foco habitual de los elogios del publico, a veces inmerecidos), pero sobre todo para el operador de cámara (soberbia su forma de manejar la cámara en mano, para agobiar pero pudiendo ver a acción en todo momento), el director de fotografía (la película cuenta con las mejores escenas de noche americana que he visto nunca) y el montador (montaje muy rápido para las escenas de acción, pero en el límite justo para no caer en los malísimos montajes que tanto abundan en las pelis de acción contemporáneas.

Ciñéndonos ya al DVD, he de decir que precisamente ha sido el culpable de que no me haya hecho con la película hasta dos años después de su aparición. Una edición simple, con extras muy excasos como los obligados comentarios del director (siempre se me antojan el extra más dificil de ver, ¿quién tiene valor para verse una peli dos veces seguidas?), 2 escenas eliminadas (también con comentarios) y 3 makings of: Código Rojo: Cómo se hizo 28 semanas despues, Los infectados, y La acción. Cómo colofón, teníamos 2 de las tres historias aparecidas en cómic que narran el origen del virus en formato video-comic. Por desgracia, en el DVD de la precuela, podíamos encontrar las 3 historias. No, vale repetir material de un disco a otro, señores, y mucho menos, camuflarlos como documentales (al menos eso es lo que se puede leer en la caratula). Si a todo esto le añadimos que la película salió al poco recomendable precio de 19.95€... ¿Cual ha sido el motivo de que la haya acabado adquiriendo? Pues que recientemente el filme se ha incorporado a la colección Indie Project, una serie de películas dirigidas por directores más "alternativos" en edición simple y al económico precio de 7.95€. Así, si. Aunque lo que hubiera molado es que hubieran sacado una edición coleccionista. En lugar de eso lo que podemos encontrar también es un pack con las dos entregas de la saga, en ediciones simples al precio de 24.95€.

En definitiva, una película bastante buena, pero que solo merece la pena comprar ahora que se encuentra a un precio más que asequible. El pack doble es una buena opción para aquellos que no se hicieran con la primera entrega en su día.

Star Trek (2009)

2009-05-11T16:11:00.004+02:00

La mayor aventura de todos los tiempos comienza con Star Trek, la increíble historia del viaje inaugural de una joven tripulación a bordo de la nave espacial más avanzada que se ha creado: el U.S.S. Enterprise. En medio de un emocionante viaje lleno de optimismo, intriga, comedia y peligro cósmico, los nuevos reclutas deben encontrar la forma de detener a un ser malvado cuya misión de venganza amenaza a toda la humanidad.

El destino de la galaxia descansa en las manos de dos rivales que nacieron en mundos apartes. Uno, James Tiberius Kirk (Chris Pine), un joven granjero de Iowa en busca de emociones, un delincuente con las dotes de un dirigente nato que necesita una causa para madurar. El otro, Spock (Zachary Quinto), proveniente del planeta Vulcan, un paria debido a su estirpe mitad humana mitad extraterrestre que lo hace susceptible a emociones volátiles que los habitantes de Vulcan nunca han experimentado pero, al mismo tiempo, un estudiante ingenioso y decidido que se convertirá en el primero de su raza aceptado en la Academia Starfleet.

Kirk y Spock son totalmente distintos. Sin embargo, en su búsqueda para descubrir quiénes realmente son y qué poseen para darle al mundo, rápidamente se convierten en competitivos cadetes en entrenamiento. Con sus estilos drásticamente diferentes, uno impulsado por su pasión feroz, el otro por una lógica rigurosa, también se convierten en adversarios desafiantes y beligerantes, cada uno nada impresionado con el otro, cada uno esforzándose al máximo para quedar entre los escogidos que integrarán la tripulación del U.S.S. Enterprise, la nave espacial más avanzada de la historia.

La tripulación está encabezada por el Capitán Christopher Pike (Bruce Greenwood). Lo acompañan en la nave el Oficial Médico Leonard 'Bones' McCoy (Karl Urban); Montgomery 'Scotty' Scott (Simon Pegg), el hombre que se convertirá en el Ingeniero Jefe de la nave; la Oficial de Comunicaciones Uhura (Zoë Saldana); el experimentado Helmsman Sulu (John Cho) y el joven genio de 17 años, Chekhov (Anton Yelchin). Todos se enfrentarán a un primer gran reto que redundará en la lealtad, camaradería, audacia y buen sentido del humor que los unirá para siempre.

En medio de todo esto, Kirk y Spock estarán cara a cara con su destino innegable: la necesidad de forjar un amistad insólita pero fuerte que les permitirá ir con su tripulación donde nadie ha ido antes.

He de reconocer mi primer gran pecado. Siempre he renegado de la saga. Sin embargo, tras ver el trailer de esta última entrega, sentí la curiosidad. Tras ver la película (que me adelanto a tachar de estupenda) creo que en breve empezaré a devorar la ingente cantidad de horas que componen la serie de los trekkies. Podría hacer una reseña alabando las innumerables virtudes del filme, pero sería una reseña poco justa ya que una serie tan lonjeva se merece que esta última entrega (ambientada nada más y nada menos que en el origen de todo) se comprarara con todo el material original. Es para ello que voy a echar mano (si, él mismo me lo permite) de la ya publicada en el blog de Rafa Marín; ya que además de coincidir con él en la critica de la película, me permite aportar una visión general sobre la comparativa que debido a mis inexistentes conocimientos de la serie (televisiva y fílmica) yo no habría podido realizar. Y cito:

"Ya podemos decir que Héroes Fuera de Órbita no es la mejor película de la franquicia Star Trek: tenemos esta nueva película para arrebatarle ese título, una película que no es tanto una ultimatización de los personajes y postulados (como puedan serlo el James Bond de Daniel Craig o incluso Battlestar Galactica), sino un reboot (una especie de Crisis DC) que, con pies de plomo y sin estridencias, consigue eso tan difícil de insuflar nueva vida y, sobre todo, abrir nuevas perspectivas a la fantasía espacial que ideara para la pantalla chica Gene Roddenberry hace la tira de años.

El mérito no creo que sea tanto de J.J. Abrams, quien como director es corrientito y que sucumbe al tembleque de cámara en las escenas de acción, como de los dos guionistas, Roberto Orci y Alex Kurtzman, que han hecho sus deberes y son capaces de poner patas arriba todo el universo trek y respetarlo al mismo tiempo. No hay grandes descubrimientos científicos, la trama es pura y simplemente un episodio más de Star Trek (una nave extraterrestre gigantesca, un peligro cósmico, una pirueta espacio-temporal), pero está contada con buen tino y con muchísimo humor, algo que siempre se echa en falta en las últimas visitas al trekverso, donde todos los personajes parecen siempre demasiado conscientes de su importancia histórica. El giro argumental, una carta descubierta claramente en los primeros minutos de la historia y que sin embargo pasa por alto al espectador, abre nuevos interrogantes al futuro, haciendo tabula rasa... y respeta todo lo que hemos conocido hasta ahora.

Abrams, que reconoce no haber seguido él mismo ninguna de las series, parte de una premisa indispensable que ni los epígonos de la serie madre ni, por desgracia, sus actores principales (y, en gran medida, muchos componentes de la iglesia de sus seguidores) han parecido querer reconocer: Star Trek se basa en las relaciones entre los tres personajes principales: Kirk, la pasión; Spock, la razón; y Bones, el punto de equilibrio entre ambos, el humor (sarcástico en ocasiones). Alrededor del toma y daca a tres bandas se conforman las historias, y me da que gran parte del fuelle que Star Trek ha ido perdiendo en sus diversas encarnaciones cinematográficas y en sus diversos epígonos televisivos es precisamente el ascenso a primera división de los personajes secundarios (Uhura, Scotty, Sulu, Chekov y sus herederos en las otras series) quienes copan tiempo de pantalla cada vez mayor (uno de los motivos del roce entre Will Shatner y George Takei, por cierto) y acaban por convertir los argumentos en estructuras predecibles.

Un Spock inquietante de pura emoción contenida (las caracterizaciones de los vulcanos son las más logradas de la película) se enfrenta a un capitán Kirk juvenil, barriobajero, un delincuente con cociente intelectual de genio que recuerda más a Han Solo e Indiana Jones que a su predecesor televisivo, sobre todo por la cantidad de golpes que se lleva a lo largo de todo el metraje. Zachary Quinto logra hacernos olvidar a Sylar (aunque en su primera aparición casi me temí que fuera a abrirle la cabeza a una irreconocibilísima Winona Raider, su madre; bello juego en paralelo puesto que la madre de Kirk se llama Winona), y la actitud chulesca y herida de este nuevo James Tiberius Kirk le ganan pronto las simpatías del espectador. El equilibrio entre ambos, no lo suficientemente explotado todavía, lo pone un Karl Urban que recuerda muchísimo al doctor McCoy original. No llega a ser tan rotunda como Nichelle Nichols esta nueva Uhura, se agradece el humor que introducen Sulu y Chekov (que al menos ya no parecen el mismo personaje repetido por problemas de calendario de los actores), pero de los secundarios de segunda fila quien se lleva el gato al agua es el grandísimo Simon Pegg como Scotty, que logra levantar la película (y el argumento) con su aparición; habrá que escucharlo con su voz de verdad para asumir que el tono barriobajero con el que habla es, en realidad, un sustrato escocés.

La película hace guiños a los fans pero no carga las tintas: impagable la entrada en la lanzadera y el uniforme rojo del voluntario que acompaña a Kirk y Sulu. Bruce Greenwood casi parece el capitán Pike original. El romance con Uhura promete muchos e interesantes juegos por venir.

Hecha la inteligente tabula rasa, el viaje de cinco años de la Enterprise puede volver a reiniciarse con más acción, mejores efectos especiales, la misma filosofía y, sobre todo, los mismos ricos personajes."

En definitiva, una película imprescindible (al parecer) para los seguidores de Star Trek y absolutamente recomendada para el resto de espectadores. Por último, recalcar lo ya comentado por Marín. Abrahams es un director bastante mediocre (con grandes ideas, si. Pero miren a George Lucas y su segunda trilogía galáctica), así que la mayoría del mérito reside en los guionistas que son los que construyen la historia. Hay que repartir el mérito en función del trabajo realizado, y no en función que quién tiene el nombre más grande en los créditos.

Las Calles de Arena

2009-05-10T11:13:00.009+02:00

Hace falta estar muy atento al escoger la calle correcta para llegar a una cita cuando ya se va con retraso: un error puede resultar fatal. El extraño viaje de un joven a través de lugares habituales y, sin embargo, desconocidos, dentro de una realidad sorprendente, y aún así, familiar. Ls calles de arena es una vertiginosa e inquietante parábola entre Kafka y Dostoievski, Melville y Poe, un cuento que impide dormir. La confirmación de un gran autor.

Hay que estar preparado para leer este tipo de historias. Me explico. Uno lee la sinopsis del tebeo y si no se encuentra en lo que la sociedad actual ha quedado en denominar como sector "gafapasta" puede sentir rechazo ante este libro.

Es más, a priori, de no haber sido por la lectura del magnifico (aunque ligeramente sobrevalorado) Arrugas y por haber disfrutado hace unos meses de una pequeña preview en internet, ni siquiera yo mismo me hubiera atrevido con la historia. Pero como en la variedad está el gusto, y uno siempre está abierto a todo tipo de experiencias el libro acabó en mis manos al poco de salir a la venta. Mis peores temores se confirmaban al leer el prologo, por las numerosas referencias literarias que al parecer iba a contener la obra. Y es que mientras que hay gente que solo consumen productos que les obliguen a pensar, otros solo quieren pasar un rato entretenido sin más complicaciones. Quizás la virtud, como siempre esté en el termino medio y hay que estar dispuesto a leer de todo.

Afortunadamente, Las calles de arena es una obra que puede disfrutarse a muchos niveles. Aquellos que solo pretendan pasar un rato de su vida de una manera entretenida, encontrarán una buena historia con ritmo en estas páginas. Si se quiere dar un paso más allá de manera que cada lector busque sus propias interpretaciones a todos y cada uno de los personajes y acciones de la trama, Paco Roca les dará lo que quieren y mucho más. Incluso aquellos que solo quieran ojear durante un par de minutos el libro podrán disfrutar de unas ilustraciones preciosas. Especial mención al color, que transmite las sensaciones de una forma magistral.

Y es que la historia de Las calles de arena, una suerte de Alicia en el País de las Maravillas moderna cuida hasta el más mínimo de los detalles. Todo se va desvelando de forma medida y pausada, presentando uno por uno todos los elementos, que después, con un simple gesto, quedarán transformados por completo. Un castillo de naipes formado a base de conformidad que con un nimio gesto de rebeldía, se desmoronará dejando al descubierto su interior, la luz de la razón.

En definitiva, una obra muy recomendable, especialmente por sus muchas lecturas posibles, y que si bien, no inventa la polvora, la reinventa, siendo algo totalmente diferente al ultimo trabajo del autor.

Batman y los Outsiders nº 2

2009-05-07T01:31:00.015+02:00

Los nuevos Outsiders se infiltran en los laboratorios Jardine Ltd. con la sospecha de que su dueño está involucrado en actividades ilícitas. Alli encuenrtan un prototipo de OMAC diferente a los conocidos hasta ahora. Uno puramente robótico, sin anfitrión humano. Después de derrotarlo, se lo llevan a su base en Gotham, donde los científicos Francine Langstrom y Salah Miandad lo reprograman y lo bautizan como REMAC. Batgirl y Geofuerza se unen al grupo y un enigmático matrimonio se presenta en la Mansión Wayne buscando a Batman.

Cuando uno se mueve por un mundo editorial tan amplio como el de los superhéroes, puede encontrarse ante dos situaciones muy diferentes. Comenzar una colección con un grupo de personajes conocidos, a sabiendas de donde viene su trayectoria y por donde se encaminarán sus historias; o tomar contacto con primera vez con ellos.

Este es el caso en el que se encontraba éste que les escribe al comprar el primer número de esta colección. Es cierto que ya conocía de antemano a personajes como Batman, Detective Marciano, Katana o Batgirl (por mencionar algunos), asi como la situación general del Universo DC (cada vez más imprescindible para poder entender las historias contadas en cualquier tebeo de la editorial), pero mis conocimientos de los Outsiders como grupo era totalmente nulos. Así que mis impresiones parten de una tabula rasa. Cual fue mi primera sorpresa al comprobar que la línea del tebeo no era
enfrentar a un grupo de heroes en mallas con el supervillano de turno. No, en ese número uno asistíamos a una historia de espionaje y conspiraciones, al más puro estilo de Misión Imposible (hablamos de la mitica serie, no la trilogía del señorito Cruise). Eso sí, ya quisieran los integrantes de tan legendario equipo los poderes y habilidades de estos personajes de tebeo.

Es cierto que con este comic no se ha descubierto la polvora. Ya hemos leido historias así antes. Pero la verdad es que al menos desde mi punto de vista, resulta un enfoque bastante interesante. De hecho, la mayoría de los protagonistas no están dotados de habilidades sobrehumanas (Metamorfo y Geofuerza creo que son los dos unicos protagonistas con superpoderes) y si, contamos con supervillanos, pero estos, de momento, son solo mercenarios a sueldo, todos al servicio de algun megalomano con un plan maquiavelico que solo él conoce. El ritmo de la serie se mantiene en este número dos. El grupo definitivo empieza a formarse siempre bajo la tutela de un Batman que no tiene como objetivo que cada uno de sus chicos obtenga su correspondiente viñeta de tortas en cada número. Aquí todos los heroes están en comunicación constante, con miembros en reserva, compañeros de inteligencia y agentes de campo con funciones específicas. Centrandonos en el número que nos ocupa, y una vez mencionado el buen ritmo y entretenimiento del que goza la serie (el apartado gráfico también es bastante bueno, pero tampoco nos entretendremos mucho en este aspecto) hay que darle
un pequeño tirón de orejas al guionista por como ha llevado la relación entre Oliver Queen y Batgirl. Pasando en pocas páginas el primero a hacer chistes sobre ella, cuando momentos antes estaba dispuesto a clavarle una flecha en el corazón por asesina.

La identidad de la misteriosa pareja que aparecía al final de la entrega anterior queda desvelada. No diremos mucho más salvo que aquellos que hayan seguido los grandes acontecimientos de la editorial en los últimos años quedarán enormemente sorprendidos. Este conocimiento sobre lo ocurrido en las ultimas crisis se hace más necesario de lo deseado, ya que toda la trama que gira en torno al OMAC puede resultar indigesta si los conocimientos previos adecuados. La verdad es que también estamos hablando de detalles nimios que no perjudican a la lectura en ningun momento. Aunque es cierto también que durante las primeras paginas uno siente la necesidad de volver a echar mano al número 1 para refrescar conceptos.

En definitiva, un buen tebeo, al menos de momento. Se trata de un soplo de aire fresco. Nada nuevo, pero más de uno disfrutará con este tipo de historias en las que los protagonistas podrían ser perfectamente, agentes secretos en lugar de metahumanos.

Monstruos contra Alienígenas

2009-04-07T03:45:00.005+02:00

Susan es una modosa mujer cuya máxima aspiración es casarse con su novio, hombre del tiempo y futura estrella de los informativos. El día de su boda, con algo más de suerte que los novios de O'Connell en "Doctor en Alaska", le cae un meteorito encima. En lugar de pasar a la historia, debido a los materiales cósmicos de la roca Susan adquiere un tamaño gigantesco y un nuevo peinado. Esto provoca (el tamaño, no el peinado) que automáticamente sea capturada por los agentes de un extraño programa gubernamental, que se encarga de mantener vigilados a seres como ella -que ahora se llamará Genórmica-, el Eslabón Perdido (un hombre pez congelado durante miles de años), el Doctor Cucaracha (un científico brillante con similares problemas al de "La mosca"), BOB (una masa gelatinosa sin cerebro) o Insectosauro (una oruga radioactiva gigante). Sólo podrán conseguir su libertad después de derrotar a Gallaxhar, alienígena invasor.

Llega a nuestras pantallas la enésima producción de animación. Y cómo no, se trata de un producto destinado a un público infantil mayoritario. Sin embargo, resulta curioso como donde la mayoría de las películas realizadas en animación tradicional (si obviamos a los grandes clásicos de Disney) fallaban al intentar que sus productos resultaran interesantes para el público adulto; generalmente la animación por ordenador siempre ofrece dos versiones (adulta e infantil) integradas en cada nuevo filme que aparece.

Comentada la anéctoda lo primero que se debe destacar de la película es el enorme grado de diversión que proporciona al espectador. El ritmo de la película es estupendo, sabiendo cuando acelerar y cuando relajarse y la verdad es que los abundantes chistes no cansan en absoluto, presentando algunos momentos verdaderamente memorables. Después, claro está, nos encontramos con el consabido homenaje. El cine fantástico de los 50 tenía dos tipos de seres aliñando sus películas: los monstruos, y los extraterrestres. Monstruos contra Alienígenas está llena de pequeños guiños a grandes clásicos pero también de películas más recientes como E.T. o Encuentros en la Tercera Fase. Y lo mejor de todo, es que no son los clásicos guiños descarados pensados solamente para que los frikis de turno los disfruten. Se han buscado cosas más obvias, pero que encajan con naturalidad, un homenaje discreto pero efectivo.

Los personajes derrochan personalidad (incluido Insectosaurio) y nos golpearán sin parar con numerosos gags incluso en los momentos de acción más trepidante. Y la factura técnica es impecable. Aunque bien es cierto que esto cada vez se tiene menos en cuenta ya que practicamente todos los filmes de animación cuentan con una realización cada vez más impresionante. El doblaje es correcto, aunque el de la protagonista se aleja notablemente de la perfección (además, no puedo quitarme una sensación constante de que la conozco (y eso que tampoco se reconoce a Carolina Cerezuela como la autora).

En definitiva, una muy buena película. Recomendada para todo el mundo, pero especialmente para aquellos que van buscando el homenaje.

Ángel: Revelaciones

2009-04-03T04:52:00.009+02:00

Warren Worthinton III. Joven, inteligente, guapo y rico. Todas las chicas sueñan con salir con él. Todos los chicos sueñan con ser como él. Solo hay un problema... Warren está cambiando.

La historia del Ángel antes de formar parte de la Patrulla-X en un volúmen único firmado por Roberto Aguirre-Sacasa y Adam Pollina.

El Ángel. He de reconocer que nunca ha sido de mis personajes favoritos de la Patrulla-X. Es decir, Superman vuela y no necesita dos alas del tamaño de sendas tablas de planchar para ello. Que narices, Tormenta vuela sin alas. ¿Por qué dedicarle una miniserie al personaje entonces? ¿No hemos tenido suficientes "Origenes", "Años Perdidos", "Años Unos", "Primeras Clases" o "Classics" relacionados con los X-Men? ¿Que podría contarnos el guionista de aquellos años explotados hasta la saciedad en innumerables tebeos?

He de reconocer que todavía se podía contar al menos una historia más. Justamente la que Aguirre-Sacasa se saca de la manga de una forma un tanto interesante. De hecho, si en algún hipotético futuro alternativo se optara por hacer una película sobre los origenes del personaje, este debería ser un argumento muy a tener en cuenta, ya que nos encontramos con una historia que no es de superhéroes. Aunque los guiños a la formación mutante están (y muy bien situados por cierto) presentes, nos encontramos con un argumento que perfectamente podría pasar por una película de universitarios en la que uno de sus protagonistas descubre que está cambiando. Se me vienen a la mente las dos películas de La Mosca pero con bastantes menos babas. Y es que son muy pocas las ocasiones en las que recordamos que para contar buenas historias de superhéroes no son necesarias las mallas chillonas ni arrasar con media ciudad. A veces basta con introducir un don, una característica especial dentro de un entorno determinado y dejar que todo fluya. Es aqui donde radica el principal punto fuerte de la historia. El origen del Ángel no es un Arma X llena de acción, muerte y frases ingeniosas. Es tan natural como la vida misma (si estando en el instituto te crecieran alas, claro está).

Harina de otro costal es el apartado gráfico. De entrada nos encontramos con un estilo de dibujo muy peculiar, con personajes estilizados en exceso (llegando incluso a verse deformados, en algunos momentos sus cuerpos casi se comportan como si de Mr. Fantásticos adolescentes se trataran), la primera sensación es de rechazo. Después pasaremos el segundo tercio del libro pensando "en esta viñeta el dibujo queda muy bien, en esta otra queda muy mal". Para cuando lleguemos al final, nos habremos dado cuenta de que si, el dibujo en algunos momentos te saca completamente de la historia. Pero es cierto que la verdad es que le pega bastante. Recordemos que un dibujo feo, no es sinónimo de malo. La polémica está servida. El caso es que apartando los gustos, la narración gráfica es correcta en todo momento y no se producen confusiones de ningún tipo.

La edición, correcta. El formato es el habitual de Panini para sus miniseries (llamado 100% Marvel) en el que se nos recopila la miniserie de cinco números en un tomo en tapa blanda con solapas. La impresión es correcta y no se aprecian erratas ni los molestos (y más habituales de lo que deberían) "bocadillos cambiados" en los que los maquetadores cruzan los diálogos de los personajes por error. Dos galerías de portadas, unas pequeñas en la solapa delantera y otras a pagina completa al final de la historia y el carácterístico marcapáginas recortable de la solapa trasera son los extras (ya totalmente estándares en esta edición) que podemos encontrar. Ni bien, ni mal. Los obligatorios.

En definitiva, una historia que sorprende, especialmente a aquellos que no supieran muy bien qué esperar del libro. Los que sean capaces de tolerar su peculiar dibujo disfrutarán de un rato entretenido.

Dead Space: Perdición

2009-04-02T03:10:00.004+02:00

Para la tripulación del USG Ishimura así es como el horror comienza: en una profunda excavación en un remoto planeta, una antigua reliquia religiosa (a la que se considera la prueba de la existencia de Dios) es desenterrada y llevada a bordo, donde es adorada por unos y despreciada por otros. Pero cuando el profano artefacto libera a una raza alienígena que había permanecido dormida durante largo tiempo, el momentáneo Paraíso se transforma en vivo el vivo Infierno. El caos es inmediato y la carnicería incontrolable. Una invasión nunca antes presenciada por la humanidad se va a llevar a cabo para destruir la Tierra.

Desde tiempos de Matrix no se combinaban videojuegos y cine (y en este caso también comic) de una forma tan directa. Es cierto que siempre se han adaptado videojuegos al cine o que las más cacareadas películas de acción siempre dan con sus huesos en el mundo digital. Pero en estos casos, el videojuego siempre se ha limitado a narrar los hechos del filme en cuestión o a hacer de secuela/precuela semi-oficial.

Pero no se ha hecho ninguna adaptación en la que donde terminara el juego (o la peli) comenzara su hermano. Convirtiendose así en dos episodios consecutivos, como si de una serie se tratase, repartida en diferentes formatos. Para ilustrar este ejemplo podemos recordar Enter The Matrix, juego que seguía los pasos de dos personajes secundarios de Matrix Reloaded encajando con precisión milimétrica con la película, incluso contando con escenas rodadas exclusivamente a tal efecto. (Seguro que ha habido algun otro caso más reciente que ilustre este ejemplo, pero tampoco me viene a la memoria).

En este caso el origen es el videojuego Dead Space, pero aquellos que se limiten a jugarlo solo estarán asistiendo al tercer acto de una trilogía (o tetralogía si tenemos en cuenta que se ha anunciado un nuevo capítulo exclusivo para la consola Nindento Wii); siendo sus dos primeros episodios Dead Space: The Comic (de momento inédito en nuestro país) y Dead Space: Perdición, la película de la que vamos a hablar. Si en el cómic nos cuentan como ocurrió todo y se infectó la colonia y el juego nos narra como Isaac llega un Ishimura totalmente irrecuperable, la película nos cuenta como la infección llega desde la colonia a la nave extractora.

El argumento es simple, no tiene grandes giros argumentales ni inesperadas sorpresas. La historia tiene ritmo y eso es lo único que importa ya que los 74 minutos tampoco están destinados a volverse muy profundos, Dead Space es un juego de acción, y la película es un filme de acción, punto. Los personajes son totalmente planos y si vien toda la historia encaja a la perfección con el videjouego (y casi en su totalidad también con el cómic), se echan en falta algunos personajes relevantes para el tercer episodio de la saga, que aquí directamente se obvian para centrarnos en otros que juegan un papel más secundario en el juego. La animación es correcta, sin más aspavientos. Ultimamente se pueden disfrutar de películas mucho mejor realizadas, pero tampoco sufriremos la necesidad de arrancarnos los ojos mientras la veamos.

En cuanto a la edición en DVD correcta y cara. Una caja simple con un disco, con cubierta de cartón satinada y en relieve. Bonita y simple. Sin embargo, los 17,95€ se antojan excesivos para una película de 74 minutos que unicamente viene acompañada como extras de una pista con la banda sonora (mortalmente aburrido escuchar la música mientras vemos el menú sin poder hacer nada), la única escena eliminada (y presentada en storyboard animado), una galeria de concept arts (tanto del juego como de la película y bastante completa) y los trailers de film y juego. Nada más.

En definitiva, una película entretenida. No es una compra obligada ni siquiera para los fans del juego, aunque si muy recomendada para estos ultimos (especialmente si se publicara el comic dentro de nuestras fronteras).

Guerra Mundial Z

2009-04-01T15:40:00.002+02:00

Max Brooks ha dedicado varios años a recorrer el mundo en busca de todos los testimonios que ahora reúne aquí sobre la guerra mundial zombi. Por insólito que parezca este libro, que algunos tildan de novela demasiado realista, es la parte censurada del informe que le encargó Naciones Unidas para que quedara memoria de "La Crisis", los "Años Oscuros" o la "Plaga Andante", principalmente conocida como Guerra Mundial Z. Al parecer había "demasiado factor humano".

Este libro aclara realmente como el doctor Kwan Jingshu descubrió los primeros casos y se destaparon las pruebas ocultadas por el gobierno chino sobre el gran estallido. También cómo surgió y se propagó el controvertido Plan Naranja de supervivencia, fruto de un oscuro cerebro del aparheid sudafricano. Además contiene los testimonios directos de getes de la postguerra: contrabandistas del Tíbet, oficiales de servicios secretos de medio mundo, militares, científicos, industriales, políticos, ecologístas, supermodelos, gentes de culturas alternativas tras el cataclismo y muchos otros que lucharon para defendernos de la amenaza de los zombis. También de aquellos que no lo hicieron tanto e incluso de aquellos que creen que la lucha continúa.

Por fin, el mundo sabrá la verdadera historia de cómo la humanidad estuvo a punto de extinguirse. Desde el fin oficial de las hostilidades se han producido numerosas tentativas para documentar la guerra zombi. Guerra Mundial Z es el relato definitivo (realizado por los propios supervivientes) de los detalles tecnológicos, militares, sociales, económicos y políticos de cómo la civilización estuvo al borde de la extinción en la lucha total contra el muerto viviente.

Seguro que más de uno que pase por aqui es espectador reconocido de las películas de zombis. Puede que no tantos, pero seguro que más de uno también es lector del cómic titulado Los Muertos Vivientes. Si la gracia de este cómic residía en contar lo que ocurría cuando la pelícua de zombis acababa (como los supervivientes aprendían a vivir en un mundo totalmente nuevo), Guerra Mundial Z cambia una vez más el prisma y nos cuenta qué ocurre en el resto del mundo durante los hechos narrados en la película.

Que nadie se deje engañar. El libro que nos ocupa no es una novela. Al menos no al uso. No se trata de un relato con un principio ni un final (aunque se estructura imitando una forma parecida). Lo que podemos encontrar entre sus páginas son una seríe de relatos independientes unos de otros sin más relación que referencias a sucesos acontecidos en la mísma época. Por poner un ejemplo: uno de los sucesos narrados es la catástrofe de Yonkers, dicha catástrofe se hizo mundialmente conocida. Asi que cuando asistimos a un relato narrado en la otra punta del globo, vemos como se hace referencia a lo ocurrido en este suceso. Pero nada más. Los personajes no se repiten de una historia a otra. Lo ocurrido al principio no trasciende a continuación más allá de la anécdota. Esto no es un punto en contra de la novela ni muchisimo menos. El libro se bebe... mientras lo tengas en las manos. Al no haber una trama continuada el libro aumenta o disminuye su interés en función de la premisa de cada historia (me quedo solo con la premisa ya que la narración es muy buena en su totalidad). De modo que cuando dejemos el libro en la estantería no habrá ninguna sensación de adicción que nos obligue a volver a cogerlo. Es decir, el libro no engancha. Se lee muy bien pero no te sumerje como lo hacía Apocalipsis Z.

Aquellos interesados en saber que ocurrió con los astronautas de la Estación Espacial Internacional, o con la tripulación de un submarino, o con un japones ciego encontrarán aqui su libro. Se trata de pequeñas historias que nos cuentan como podrían ser las cosas si algo semejante llegara a ocurrir.

En definitiva un buen libro, pero dista mucho de ser la obra maestra que algunos dicen que es. De lectura muy recomendada.

Akameshi

2009-03-31T14:38:00.007+02:00

Japón, siglo XVII. Lejos de las miradas del resto del mundo, el clan de los Tokugawa, sediento de poder, firma un pacto diabólico con los Tama, dioses ancestrales, despertándolos de un sueño milenario.

Es el comienzo de un reinado de terror.

Sólo un puñado de héroes se atreven a oponerse, iniciando un viaje a través del mágico imperio. Una aventura extraordinaria que reune a la bella y misteriosa Akameshi, al viejo y sabio monje Uraga y al valiente samurai Hayashi.

Con sumo recelo me acerco a la lectura de los dos ejemplares de Akameshi que por cuestiones del azar, cayeron en mis manos. Tras una rápida lectura, hoy lamento que sólo sean dos números.

Antes de nada hay que decir que la edición española no ayuda. Publicados por Recerca Editorial con el ancho de un comic-book pero más bajos y en grapa, lo último que puede pensar el lector es que nos encontramos ante dos álbumes editados en Francia por Soleil en una estupenda tapa dura. La única ventaja del formato es su reducción de precio con respecto al modelo francés: 3,50€ por ejemplar. Su temática oriental y las ilustraciones de portada daban la sensación de encontrarnos ante un manga nacido en la BD francesa por lo que las ganas de lectura seguían disminuyendo. Sin embargo, al abrirlo algo cambió. El dibujo era verdaderamente soberbio, de una preciosidad exagerada. Es como estaría dibujado Blacksad si sus protagonistas fueran personas y vivieran en un Japón medieval. No en vano, los dibujantes de ambas obras trabajaron para Disney y eso se nota de forma muy positiva en su estilo. Maravillado por las ilustraciones me lancé a la lectura para descubrir dos cosas más. La primera de ellas fue que el color era tán bueno (o incluso más) que el dibujo, ayudando a contar la historia más allá de los textos. La segunda, que el guión no era malo, no se trata de una genialidad, es cierto, pero no está nada mal.

Podemos centrarnos más en este aspecto ya alabadas las virtudes gráficas de la obra. La historia es simple y directa. Sin complicaciones y muy divertida. Los personajes están bien construidos desde primera hora y los dialogos son rápidos y chispeantes. La trama no es un derroche de originalidad, pero desprende la suficiente frescura como para que el lector no se plantee si esto lo ha leido ya antes en algún sitio. La pena es que la cosa de momento haya quedado sólo en dós volumenes ya que muy lentamente se han ido introduciendo elementos en la trama que revelan un argumento mayor al contado en cada ejemplar, y que precisamente debido a su buen hacer, no se revela al final del segundo tomo. Por lo que queda la sensación de que sus autores tenían más numeros pensados pero que por algun motivo editorial, se quedaron en el tintero.

En definitiva, un comic muy divertido y fresco con un nivel gráfico que roza el sobresaliente y que gracias a su bajo precio se convierte en una compra casi obligada. Como puntos negativos, su formato (más bien feucho) y que de momento, permanezca inconclusa.

Asombroso Spiderman nº 29

2009-03-20T05:34:00.009+01:00

Este año no habrá nueva película de Spiderman... ¡Pero tenemos "Nuevas formas de morir"! Marvel ha planificado cuidadosamente esta saga, que apareció en Estados Unidos coincidiendo con los meses de verano. Como si de un gran blockbuster cinematográfico se tratara, la Casa de las Ideas no ha escatimado recursos para que los lectores disfrutaran al máximo.

¿Los autores? Dan Slott, sin duda el más destacable de los guionistas del reciente relanzamiento arácnido, construye una historia trepidante, con un Peter Parker excelentemente bien caracterizado y con un montón de acción en sus páginas. John Romita Jr. regresa al fin a casa junto a Klaus Janson, su entindador fetiche, para demostrar que siempre encontrará nuevas maneras de sorprendernos con su visión de la particular cosmogonía de Spiderman.

¿La trama? Muchas sorpresas aguardan a una historia que devuelve al entorno arácnido a Eddie Brock, al nuevo Veneno encarnado por Mac Gargan, a Norman Osborn y al resto de los Thunderbolts. Algunas preguntas por fin encuentran respuestas, aunque también otras se abren camino.

¿Los protagonistas? No sólo regresan viejos conocidos. Los personajes de esta nueva etapa salen al ruedo para dar un paso más allá. Están tía May, Harry (y la relación con su padre), Lilly Hollister, Amenaza, Señor Negativo... ¡Y ninguno saldrá indemne de lo que aquí ocurra. Coged unas palomitas y poneos cómodos... ¡El espectáculo está a punto de comenzar!

Larga es la sinopsis que podemos encontrar en la primera página del tebeo. Larga y con poca información. Exactamente lo mismo que podemos encontrar en este número de la serie arácnida. No es que no se cuente nada en tres números de la serie americana (del 568 al 570), al contrario, ocurren muchas cosas, pero todas generan unicamente incógnitas. Y es que recuerden que este que les escribe se subió al carro de Brand New Day mucho después de que la saga comenzara.

Motivado con la esperanza de que fuera algo temporal fueron pasando los números. Viendo que la cosa iba para largo y que este mes podía volver a disfrutar de Romita Jr. y de Veneno (magnifica combinación) empecé a tomar contacto con la serie hace un par de números. Da la casualidad de que los dos números anteriores eran bastante autocontenidos y no aportaban mucha información de como andaba la serie actualmente. El hecho de que en este número aparezcan muchos personajes clásicos a los que les había perdido la pista antes del One More Day y que ahora aparezcan con nuevos status no hace sino aumentar la sensación de desconcierto. Además, tampoco se trata del mejor Romita que hemos podido leer. Pero tranquilos que la cosa no es tan mala como pinta.

Nos encontramos con una historia que tiene lo mejor de las historias más divertidas del trepamuros. Veneno, Osborn (por partida doble), Brock... es cierto que las cosas no están donde deberían, y que la sombra del reseteo y del deja vu ronda a la vuelta de la pagina. A pesar de ello, nos encontramos con tres números (debe ser una gozada poder leer la serie en USA cada semana y media) muy entretenidos donde la acción no da respiro. Vemos aparecer un nuevo personaje (Anti-Veneno, s'an matao con el nombre también) que rodeado de incognitas mantiene el interés de la historia. Eso y un par de pildorazos del estilo, y cito a Peter Parker, "todo lo que hicimos sigue funcionando, estoy a salvo"; en referencia a que Osborn no recuerde su identida secreta... Bueno, Julián Clemente, en los textos de la contraportada se aventura especulando sobre que la "mefistada" (como ya se conoce al famoso reseteo) solo borrara el matrimonio y la resurreción de personajes como Harry. Y que el hecho de que el mundo no recuerde el tan cacareado desenmascaramiento de Parker es debido a que él y alguien más hicieron "algo". Esto es lo que ofrece el nº 29 de Asombroso Spiderman Una trama directa y sin complicaciones, con algunas incógnitas que se podrán resolver sin mucha historia en el número siguiente... y la esencia de lo que es Brand New Day: humo y espejos. Pura improvisación de los guionistas que no saben a donde van y que de vez en cuando dejan caer alguna pista falsa dando a entender que todo sigue un plan establecido y que al final cada cosa tendrá su explicación. Al final justificarán cada cabo suelto como buenamente puedan y cada uno a su casa y Spiderman en la de todos, que es lo que da dinero.

En definitiva, si les gusta Spiderman centrensé en leer estos dos números (este y el del mes que viene) que tienen una historia legible por si misma, entretenida y hagan caso omiso de todo lo demás. Salvo que su curiosidad sea tan fuerte que a pesar de todo tengan interés por saber en que acabará semejante despropósito...

W de Watchmen

2009-03-19T16:14:00.004+01:00

En W de Watchmen, Rafael Marín deshoja algunas de las capas de cebolla que componen este maravilloso rompecabezas en forma de cómic, ahonando en los orígenes, los juegos metaliterarios, los trucos de bambalinas que convierten Watchmen en un gigantesco test de Roscharch. Con minuciosidad y con admiración, con pasión y divertimento, W de Watchmen es el análisis más completo jamás realizado de la obra maestra de Moore y Gibbons.

Publicado originalmente como una serie de 12 comics-books, Watchmen (1986) supuso la consagración definitiva de sus autores Alan Moore y Dave Gibbons, y uno de los grandes puntos de inflexión en la historia de la historieta en el mundo. En apariencia una historia de superhéroes hasta entonces desconocidos, Watchmen se convirtió en una aguda reflexión tanto del medio y sus posibilidades como de los mecanismos de poder. Entre la serendipia y la estructura matemática precisa, los juegos de alusiones contínuos, sus muchos niveles de lectura, lo sofisticado de sus personajes y la sorprendente minuciosidad de su puesta en escena, Watchmen es una obra que trasciende la historieta y se convierte en uno de los ejemplos más apasionados y divertidos de la creatividad artística humana del sigo veinte.

Días curiosos para leer este libro. Indudablemente Watchmen se encuentra en pleno huracán mediatíco por el reciente estreno de su adaptación al cine, y muchas son las opiniones vertidas de forma pública por aquellos que habrán leido (o no) el comic.

Algunos de los comentarios que llegaron a mis oidos vinieron de labios del propio Rafa Marín. Y este muchacho si que se ha leído el comic. No solo se lo ha leído, sino que además ha escrito un libro al respecto. Es por eso que antes de ir a mi sala de cine más cercana, opté por hacerme con su libro. Veamos si consigo poner en pie mis ideas. Siendo jovencito me acerco a la obra de Moore y Gibbons sin tener muy claro lo que es. Me siento relativamente afortunado en este aspecto ya que es lo más cerca que puede estar nadie hoy día de vivir lo mismo que pudo disfrutar el chaval que en los ochenta compró cada uno de esos números en el kiosko. Cuando leo el libro, quedo gratamente sorprendido, pero cuando veo a "mis mayores" hablar de él tomo conciencia de que solo he arañado levemente la superficie. (Una sensación que debería tener más de uno despues de ver la pelicula y que desgraciadamente la mayoria no tendrá). No me precipito y dejo pasar el tiempo con el libro en la estantería. Tras el paso del tiempo el tebeo vuelve a abrirse en mis manos y tras su relectura llego a dos conclusiones. La primera de ellas es que me ha gustado más que la primera vez. La segunda es que al seguir rascando he descubierto que hay algo más bajo la superficie. Y no me abandona la sensación de que cada vez que me disponga a arañar una nueva capa, siempre habrá algo debajo esperándome; no importa cuantas veces lea el libro.

Esto es precisamente lo que cuenta W de Watchmen. Todas y cada una de las capas que componen el tebeo. O al menos, aquellas que Rafa ha descubierto en sus multiples (porque seguro que son muchas) lecturas de la obra. Empezando por los orígenes de la obra, pasando por una completísima radiografía a todos sus elementos para terminar hablando de todos aquellos que vanamente intenta imitarla. El libro posiblemente no sea el análisis más completo realizado de la obra, pero no por ello es menos importante. La mayor virtud de Watchmen es que queda abierto a las interpretaciones del lector. Y las interpretaciones son como los culos, que cada uno tiene el suyo. El libro que nos ocupa son las reflexiones de Rafa Marín sobre una obra que se le antoja muy querida. Y eso es muy importante. Porque aquellos con ganas de aprender siempre están dispuestos a arrimarse a gente de buen criterio. Y si es gente como Rafa, que predica con el buen humor, con cabeza y dejando las cosas claras, mejor que mejor. Que todo el mundo se acerque a este libro, no para descubrir la verdad sobre Watchmen, sino para entender una verdad que no por ser individual, pierde su enorme interés.

En definitiva, un libro recomendado para aquellos que quierán saber más sobre Watchmen, y que por supuesto se hayan leído el comic.

Vuelo Rasante

2009-03-15T16:40:00.004+01:00

Un pájaro vuela a ras de papel. La suya es la migración de una línea proyectada desde el sueño, la esperanza, hasta el gran vacío celeste, la muerte como punto final. En el camino (vuelo aleatorio, más bien), seis intersecciones: las de las siete historias que conforman Vuelo Rasante. Siete construcciones simbólicas que se levantan como edificios en esta ciudad viva de cartón piedra, habitada por niños renacidos desde el sueño, cazadores del último aliento, custodios de pinceles que producen monstruos razonablemente cuerdos, malabaristas incapaces de domesticar su codicia, niñas resucitadas, magnates del dolar arrojados al vacío y por supuesto, pájaros; pájaros reescribiendo su propia fatalidad a cada página y sobreviviviendo hasta seis vidas con el único fin de guiar al lector entre unas viñetas asombrosamente bellas y unas metáforas de transparencia trágica.

Observen como sus pies se separan del suelo, no tengan miedo, simplemente, vuelen.

Interesante, este viaje a Bizancio. No se confundan. Viaje a Bizancio es el nombre de la editorial que publica este Vuelo rasante. Animado por el hecho de que fuera un proyecto nacido en mi tierra (la capital hispalense) hace ya un añito que me propuse comprar aquello que sacaran al mercado en un humilde intento de ayudar a promover este tipo de iniciativas patrias. Ha pasado el tiempo, y no me arrepiento nada de haber tomado esta decisión.

Para empezar, el catálogo de la editorial a día de hoy esta conformado de obras a un precio bastante asequible. Todo el mundo puede permitirse el comprar 4 o 5 tebeos al año por menos de 15 euros cada ejemplar. A pesar de lo barato, me preguntaba si realmente merecía la pena gastarse ese dinero de forma ciega. Novedad tras novedad la respuesta se ha ido reafirmando en un rotundo si. Empezando por el soberbio De cómo te conocí, te amé y te odié (posiblemente mi tebeo favorito) publicado junto a Desde el abismo. Pasando por el precioso Alter Ego o el imprescindible (sobre todo por su calidad historica) Historietas Sevillanas. Hasta terminar con este Vuelo rasante. Tan solo la novela Antifuente rompe esa linea clara de calidad. Y es que el catálogo de Viaje a Bizancio se destaca sobre todo por su calidad, pero también por su estilo propio.

Una vez piropeada la editorial toca centrarse en el tebeo en si. Vuelo rasante es un cuento, un cuento sin letras, en el que la historia se narra a golpe de ilustración. ¡Y que ilustraciones! Pejac juega con la luz y el color como le viene en gana, y la escena se rinde a sus decisiones. Resulta dificil que en una historia tan llena de metaforas, todo quede claro y conciso. Uno siente cuando lee este tipo de historias, que debe invertir más tiempo del necesario en analizar cada viñeta. Sin embargo, tras esforzarse en un par de páginas, uno toma conciencia de que este no es el caso y de que realmente nos encontramos ante una historia que se puede leer en unos escasos minutos. Sin embargo, se trata de un título que invita a su relectura. Uno podrá leerlo en poco tiempo, pero nunca se cansará de mirarlo y remirarlo las veces que haga falta.

Por alguna extraña razón, el espectador de historias disfruta con aquellas que están desordenadas y en las que se cruzan los caminos de distintos personajes (vease el clárisimo ejemplo del éxito que tuvo Pulp Fiction en el cine). Quizás sea porque se sienten complices con el autor al ir encajando las piezas del rompecabezas. Este es el caso de la obra que nos ocupa, donde con una simpleza máxima las siete historias encajan como la maquinaria de un reloj. Unas tristes, otras alegres, otras simplemente dulces dada su belleza, pero todas acaban cruzandose para llegar al final, un final inevitable a la par que intuido.

En definitiva, una obra con el ya inconfundible sello de Bizancio. Preciosa y simple, como las buenas historias.

Will Eisner's The Spirit nº 7

2009-02-28T15:45:00.005+01:00

En primer lugar y para abir boca, un número homenaje con autores de la talla de Eduardo Risso, Dennis O'Neil y Gail Simone. Y después, Spirit vuelve a las frías y oscuras calles de Central City para investigar las extrañas muertes de unos médicos. ¿Será capaz de encontrar al culpable?

El personaje más famoso de WILL EISNER vuelve a la acción, y esta vez con el equipo creativo compuesto por Sergio Aragonés y Mark Evanier, los míticos creadores de Groo.

Con mucho respeto, asi es como me acerco por primera vez a un tebeo con el título The Spirit en su portada. No en vano, su creador, Will Eisner, está considerado uno de los mayores creadores en lo que a la narrativa gráfica se refiere y posiblemente Spirit sea su obra más conocida.

Este no es el Spirit de Eisner, es algo que debe quedar muy claro. Sin embargo, aunque no profundicemos en ellos, merece la pena hacer un alto en el camino para comentar los 6 primeros números de esta serie, que recopilan el año que estuvo al frente de la colección el magnifico Darwyn Cooke. Ya que el número que nos ocupa supone un punto de inflexión en el que toma el relevo Sergio Aragonés, el papá de Groo. He de reconocer que la etapa de Cooke en sus primeros números me pareció bastante floja. Sin embargo, a raiz del número dedicado a repasar el origen del personaje es una cuesta arriba de calidad constante hasta su desenlace en el pasado numero. Muy, muy recomendable, se trata de un trabajo estupendo.

Sin embargo, a partir del número 7 de la edición española, las cosas cambian. Para empezar se nota un aumento de precio en la cuidada edición de Norma Editorial. Pasando a costar cada prestigio de 4,5 a 5,5€ por el mismo número de páginas. Más de uno considerará esto un atraco a mano armada y no le faltará razón. Como única y ridícula excusa podríamos comentar que se trata de una edición muy cuidada que da gusto tener en las manos y juntar en la estantería, pero sería una mera distracción para lo que resulta un problema. Y más si el nivel de la serie decae (cosa que no estoy diciendo que ocurra). Esta subida de precio no molestaría con el trabajo de un Darwyn Cooke que ha hecho la serie suya. Ahora, como ya se ha comentado antes, hay que comprobar si el trabajo de Aragonés esta a la altura de su antecesor y la subida de precio.

Este primer numero es un tanto irregular. Comprende los números USA 13 y 14, y el primero de ellos es un especial de navidad. Llama la atención de que en esta colección, los números de navidad y verano son especiales que traen varias historias cortas de diversos autores. Esto no es ni malo ni bueno, depende del autor de cada historia. En este caso las tres que componen este especial (¡Cien!, El Tesoro de la Familia y Las gélidas profundidades de un corazón frío) Siendo la tercera de ellas la unica medianamente interesante por el hecho de no incluir texto en sus bocadillos y transmitir la información mediante el uso de iconos. Nada nuevo, pero queda resultón. Es en la historia de Aragonés (El asesino de médicos) e ilustrada por Mike Ploog donde se nota un aumento de calidad, si bien la misma tampoco es excepcional, si resulta bastante agradable de leer.

En definitiva, una colección practicamente imprescindible en sus numeros anteriores y que a partir de aqui y por el momento es simplemente correcta. Habrá que ver como evoluciona para que el aumento de precio pase factura o sea desapercibido en favor de buenas historias.

Time Hollow

2009-02-21T03:44:00.010+01:00

La historia del juego nos mete en la piel del joven Ethan Kairos, un estudiante de secundaria normal y corriente que lleva una existencia normal y corriente: va al instituto, vive con sus padres, tiene un gato... Pero ya al inicio vemos que algunas cosas a nuestro alrededor no funcionan del todo bien: el hermano del padre de Ethan siempre viene malhumorado a casa en busca de dinero por causas que desconocemos; y, por otra parte, algunas cosas acerca del comportamiento de nuestros padres no las acabamos de entender.

Pero todo a nuestro alrededor cambia súbitamente el día de nuestro decimoséptimo aniversario. Y que conste que nuestro padre ya nos lo había avisado el día antes... Nos despertaremos después de sufrir una serie de repentinos flashbacks, en los cuales nuevos recuerdos inundarán nuestra mente a fogonazo limpio. Al despertarnos, veremos que nuestros padres han desaparecido (por lo visto, desaparecieron hace doce años sin dejar rastro) y que nuestro tío se ha responsabilizado de nuestra manutención y cuidado.

Sorprendidos, descubriremos también un extraño bolígrafo con el que podremos dibujar agujeros que nos pondrán en contacto con otro momento del pasado, siempre dentro de la misma localización en la que nos encontremos. A partir de estos preceptos, se desarrollará una historia intrincada y dramática, repleta de elementos de misterio y thriller que nos llevará a embarcarnos en la búsqueda de nuestros padres perdidos. Eso sí, teniendo en cuenta que cada vez que llevemos a cabo un cambio en el pasado, las consecuencias en el presente que vivimos pueden ser imprevisibles.

Nintendo DS no solo se encuentra entre las consolas más vendidas del último año, sino que además, se trata de una máquina que ha revolucionado la forma de jugar en las consolas portátiles. Si uno se fija atentamente a su catalogo de juegos, se dará cuenta de que salvo excepciones, la mayoría se puede repartir entre dos grupos: juegos dedicados a personas que de otra forma no habrían cogido una consola en su vida (juegos tipo Brain Training) o, seguramente por su factura nipona juegos pensados para otakus.

Atención, el echo de que hayamos denominado de esta forma al segundo grupo no atiende a otra cuestión que el marcado estilo manga de estos juegos. Y es que en el caso de este Time Hollow uno no solo tiene la sensación de estar jugando a un ánime; es que se trata de un ánime multimedia. Desde el principio contamos con secuencias (incluyendo un opening, como en las series de este tipo) de video que nos ayudan a seguir la trama, incluso las ilustraciones que representan a personajes y situaciónes parecen sacadas del ultimo manga de moda. Esto podrá echar para atrás a aquellos que renieguen del comic japones y será un claro punto a favor para aquellos que lo idolatran sin excusas.

Independientemente de encontrarnos en un grupo u otro, el argumento del juego es firme y se encuentra bien estructurado. Podemos apreciar algunos elementos que ya resultan tópicos en este tipo de aventuras (sean de animación o en forma de juegos) como el hecho de que el protagonista sea un adolescente que recibe en herencia un objeto místico con forma de utensilio cotidiano (si en lugar de un boli hubiera recibido un movil, una varita o un pincel, tampoco nos hubieramos sorprendido; cuanto daño ha hecho Sailor Moon...). Sin embargo, si pasamos por alto este echo, tampoco tan terrible, podremos disfrutar de una historia que conforme avanza va ganando complejidad. Al principio nuestros objetivos serán autenticas chorradas si las comparamos con lo que está por venir. Al ir avanzando el argumento las situaciones se van enredando de tal manera que a momentos antes del final, uno puede llegar a no entender muy bien donde y porqué pasan las cosas. Esto es algo muy frecuente en historias basadas en viajes temporales. Las inevitables paradojas también hacen presencia en este juego. Pese a algunos momentos de confusión, la historia queda, en sus líneas más importantes, clara en todo momento.

Han quedado claras las virtudes del argumento y las ventajas/desventajas de su estilo manga. ¿Que podemos decir de su jugabilidad? Conforme vayamos cambiando el pasado, nuestro protagonista verá nuevas imagenes que le indicarán por donde continuar. La totalidad de los puzzles a resolver tienen lógica, cosa que se agradece en aventuras gráficas como estas ya que uno no se queda atascado con facilidad. Lo que si puede llegar a ser un poco molesto es que en ocasiones, antes de resolver cada situación, tengamos que llevar al personaje por todas y cada una de las localizaciones disponibles. Eso si, la información que encontremos siempre nos será últil y el propio personaje hará sus propias deducciones ayudando de esta manera al jugador de una forma muy sutil. El momento clave son los portales temporales, que se abren dibujando circulos sobre la pantalla (de ahí la excusa de que el prota lleve un boli) y sacando o dejando objetos en el pasado para cambiar la historia. El número de usos del lapiz son limitados y hay que pensar bien en que parte de la imagen abrir el portal y que hacer una vez abierto.

En definitiva, un juego entretenido (más por su historia que por su mecanica) que hará las delicias de los amantes de la animación japonesa o de las aventuras gráficas de "apuntar y hacer click". Para todos los demás, no pasará de ser un simple divertimento más. De todas formas, merece la pena.

Los Vengadores: La Guerra Kree-Skrull

2009-02-19T00:41:00.010+01:00

Hace mucho tiempo... dos imperios galácticos muy lejanos comenzaron una guerra casi eterna. Se trata de los Kree y los Skrull, dos razas extraterrestres cuyo objetivo siempre h sido dominar el universo. Este enfrentamiento militar, de grandiosas proporciones, fue lógicamente bautizado como la Guerra Kree-Skrull.

El problema es que este conflicto bélico ha llegado hasta la Tierra. La razón es muy concreta: el planeta azul del Sistema Solar se encuentra a medio camino entre ambos imperios y es un lugar estratégico de primer orden.

Para defender la Tierra de los Kree y los Skrull, la humanidad contará con Los Vengadores. ¿Pero será suficiente todo el poder de estos héroes para detener una ofensiva procedente del espacio exterior?

Alguien que no haya leido un solo tebeo en su vida, sin duda habrá oido hablar de Batman, Superman o Spiderman. Un lector ocasional podrá saber quienes son Los Vengadores, La Liga de la Justicia o El Castigador. Pero un seguidor de la narrativa gráfica sin duda conocerá eventos como Crisis en Tierras Infinitas, Civil War o Kingdom Come. Sin embargo, entre todas estas sagas míticas, hay una que siempre aparece en todas las quinielas: La Guerra Kree-Skrull.

Y es que no deja de sorprender, que a poco que uno empiece a devorar paginas de historietas oye hablar de esta saga. Aunque nunca la haya leido la incluirá en su basde de datos para hablar de ella como si la tuviera en la mesita de noche. Y nada más que por eso se trata de un libro (ahora gracias a la nueva edición de Panini ya lo podemos considerar como tal) imprescindible. No porque su calidad sea totalmente indiscutible (que no lo es); sino por aquello en lo que se ha convertido con el pasod de los años. Para empezar, si uno busca en las bases de datos de comics, nunca encontrará La Guerra Kree-Skrull bajo ese nombre. Y es que tan famoso apelativo lo recibieron con el paso del tiempo una serie de números de la colección de Los Vengadores. Esto ya es en sí mismo un dato muy importante, cuando una serie de números de una colección regular empiezan a considerarse una obra por si misma, por algo será. Y es algo que nadie podrá discutir, independientemente de diversos factores, que por supuesto se deben analizar de forma separada a este hecho. Asi que partiendo de la base de porqué se trata de una lectura obligada, podemos tratar diversos temas.

Un buen punto para comenzar es el equipo creativo. El guión corre a cargo de Roy Thomas. Independientemente de lo que él mismo pueda afirmar (en la introducción del libro él mismo dice que no planificó nada), durante toda la lectura del tomo el lector tiene la sensación de que no se trata de algo preparado. Cuando uno tiene en sus manos un libro con un titulo como este. Y sabe de buena tinta lo que son los Kree y los Skrulls la impresión que tiene es de que se va a sumergir en casi 200 paginas de conflicto galáctico. Nada más lejos de la realidad. Se trata de una historia que va tomando forma de forma muy pausada, número a número. Uno no tiene la sensación de que los argumentos de cada número formen parte de un conflicto mucho mayor. Si, es cierto que a partir del final del segundo capitulo, queda manifiesta la guerra, pero parece algo todavía demasiado lejano. Más bien nos encontramos con una serie de conflictos con miembros de las dos razas en disputa por motivos aparentemente ajenos a la guerra. Incluso Thomas se permite el lujo (acertado desde mi humilde punto de vista) de perder un número en hacer una historia (un viaje al interior de La Visión) que no aporta absolutamente nada a la trama general. Si embargo, este crecimiento lento, que se trata posiblemente del principal punto a favor de la historia, a su finalización se convierte en una notable debilidad. Y es que por motivos editoriales totalmente desconocidos, la historia termina de repente; con un deus ex machina totalmente descarado y que deja varios cabos flotando en el aire. Precisamente cuando los personajes entran en materia y se encuentran perfectamente distribuidos por el argumento, alguien agita una varita magica y todo termina.

Acompañando a Roy Thomas tenemos a los lápices a tres magníficos ilustradores: Sal Buscema, Neal Adams y John Buscema. Pocas criticas se pueden hacer al apartado graficos, y aquellas que vendrán a continuación no son debidas al trabajo de los dibujantes. Si tuvieramos que quedarnos con uno solo de los tres, la aportación de Adams es la más significativa, aunque por supuesto el trabajo de los hermanos Buscema se encuentra muy por encima de la media. En todo momento sabemos, con un simple vistazo lo que ocurre en cada pagina, además de encontrarnos con unos personajes totalmente creibles, que no flotan por la pagina. Sin embargo, tanta maravilla se ve empañada por dos elementos que a mi entender suponen el unico lastre de la obra: el entintado y en mucha mayor medida, el color. El entintado porque se trata de, al menos en gran parte de la obra, un trabajo tosco que estropea parte del trabajo de los dibujantes. Aún así tampoco se trata de ningún crimen y el lector medio tampoco lo notará si no va buscando fallos. Sin embargo, el color si es terriblemente doloroso. Como unica defensa decir que en aquella época, hablmos de los 70, no existían las técnicas de coloreado de las que disponemos en la actualidad (y a falta de una edición de la época con la que comparar, no podemos afirmar si se trata de un fallo del original o de la reedición). Capitulos enteros donde la capucha de la visión es amarilla en lugar de verde, hombres primitivos donde el color de su vello corporal se da a brochazos de gris, krees azules en unos números y color carne en otros, viñetas enteras de azul salvo las verdes cabezas de los skrulls, etc. Afortunadamente, estos fallos no son constantes (aunque si frecuentes) y como hemos comentado antes, posiblemente se deban más a las técnicas de coloreado de la época que a otra cosa.

Por último, hablar de la edición en si. Perteneciente a la nueva serie de Panini, Marvel Gold. Una serie que pretende recopilar las grandes sagas de la Casa de las Ideas; nos encontramos con un único volumen TPB con solapas que además de una introducción de Roy Thomas contiene las portadas originales de los números de Los Vengadores recopilados (un extra totalmente imprescindible en cualquier recopilatorio). Además, nos podemos llevar a casa 9 números USA por 15 euros bien editados, sin erratas ni fallos de impresión. Una edición muy correcta.

En definitiva, una lectura imprescindible para el amante de los tebeos de superheroes. Más por lo que supuso en su momento y lo que ha llegado a convertirse que por poseer una calidad asombrosa, fría y calculada. Publicada por primera vez al completo en nuestro país no habría que dejar pasar la oportunidad de tenerla en la tebeoteca.

Nova nº 2: Sapiencial

2009-02-10T15:20:00.011+01:00

Richard Rider, el último de los Centuriones Nova, ha emprendido la búsqueda de la llave para vencer a la Alianza Falange. Para llegar hasta ella, tendrá que afrontar su hora más oscura. Pasado, presente y futuro pasarán ante sus ojos, mientras el tirano tecno-orgánico intenta doblegarle. La única oportunidad de escapar se encuentra en el preciso momento en que la vida de Richard cambió para siempre: el día en el que se convirtió en Nova.

Este segundo volumen de la aclamada colección protagonizada por el Campeón de Xandar ofrece la presencia de Gamora, la más peligrosa mujer de la galaxia, el gran retorno de Warlock, el añorado miembro de los Nuevos Mutantes, y una reconstrucción del origen de protagoista.

Resulta muy dificil analizar numero a número una serie regular. Y mucho más si se reseñan tres números seguidos, como estamos haciendo en Cazadores de Recompensas con Nova. Afortunadamente, este Sapiencial es el mejor de los tres leidos, asi que podremos extendernos lo suficiente.

La historia continúa en pleno cruce con Aniquilación: Coquista y en este tomo, podemos notar un aumento considerable de tamaño. Pasando de tener los números USA del 8 al 12 y el primer Annual de la serie. Además, podemos dividirlo en tres arcos argumentales (todos relacionados con Conquista en mayor o menor grado. En el primero (y mejor) de ellos, Nova ha llegado hasta el final del universo (donde se creía que nadie había llegado) para encontrarse una estación espacial de obsevación dentro de la cabeza de un Celestial (para los lectores esporádicos, una entidad cósmica de gran poder). Este arco argumental es posiblemente el más entretenido de todo el volumen y comprende los dos primeros numeros del volumen. Un gran punto fuerte del mismo es el personaje encargado de la seguridad de la estación: un perro ruso con traje de astronauta llamado Cosmo. Puede parecer un poco ridículo así en frío. Pero se trata de un personaje verdaderamente carismático y será el que lleve el peso de la trama.

En los dos numeros siguientes, continúa el viaje de Nova hacia el planeta natal de la Falange. En el primero de ellos se verá arrastrado al interior de una criatura que caza en el espacio entre dimensiones y el segundo (correspondiente con el Annual) será una aventura en la mente de Rider (luchando contra el virus de la Falange) en el que asistiremos a los inicios del personaje y a su posible futuro. Estos dos números son los más flojos del volumen, ni muchisimo menos por ello han de ser considerados malos, ya que en el primero los personajes no hacen otra cosa que correr de un lado para otro, y en el segundo vemos un formato ya visto numerosas veces (por ejemplo en el número 500 de Spiderman). Mostrar pasado y posible futuro a la vez no es nuevo, aunque es un tipo de narración que funciona.

Por último, los dos números restantes nos devuelven a Warlock, un personaje de los Nuevos Mutantes (los aprendices de la Patrulla X) muy querido por el público. Esta historia, aunque muy entretenida resulta bastante confusa para aquellos que no conozcan al personaje ni la raza a la que pertenece: la Tecnarquía. Ya que la forma en la que se salva la situación está relacionada estrechamente con el funcionamiento de estos seres, y aunque se explica sobre la marcha, los lectores más rapidos tendrán que aminorar el paso para poder comprenderlo todo. Una vez acabado el arco argumental, la serie conecta con el número 4 de Aniquilación: Conquista y el final del cruce.

En definitiva, la serie mantiene el ritmo, incluso lo mejora en varios momentos del tomo. Se trata del mejor volumen, aunque para poder leerlo se hace necesario conocer lo ocurrido tanto en el cruce como en números anteriores (al igual que ocurría con el número 1 de la serie). Una lectura muy entretenida que disfrutarán los amantes de las aventuras que se ambientan en el espacio.

Nova nº 1: Aniquilación: Conquista

2009-02-10T03:29:00.010+01:00

Richard Rider, el adolescente conocido como Nova, el Cohete Humano, abandonó toda inocencia en día en que la Ola de Aniquilación lanzada desde la Zona Negativa acabó con todos sus compañeros pertenecientes al cuerpo de Centuriones Nova. Todos murieron... menos él. Con el poder de sus compañeros sobre sus hombros, Richard fue quién finalmente acabó con la amenaza de Annihilus.

Tiempo después, la galaxia permanece sumergida en el caos. Es entonces cuando comienzan a llegar multitud de señales de emergencia desde un único lugar. Un nuevo terror ha cobrado forma y, aprovechando la extrema debilidad en la que dejó Annihilus a cualquiera de los planetas por los que pasaron sus ejércitos, ha conseguido hacerse con el que fuera el orgulloso Imperio Kree. Son La Falange, y ni siquiera Nova podrá resistirse a su asimilación.

Resulta interesante como en las dos series de Aniquilación (Aniquilación y Aniquilación: Conquista) se ha conseguido una homogeneidad propia exclusivamente de los buenos crossovers. Y no nos referimos solo a la parte argumental, sino incluso estéticamente.

En productos de esta índole lo habitual es encontrar una cabecera principal, numeros especiales y tie-ins (los cruces con series regulares, como es el caso de Nova). Y lo normal es que uno, de un primer vistazo, pueda diferenciar claramente unos de otros. Sin embargo, esto no ocurre con Conquista; ni siquiera si la comparamos con la primera parte. Han pasado meses desde la publicación de una a otra, y sin embargo, uno tiene la sensación de estar leyendo la misma colección. Punto a favor.

Por otro lado, como ya comentabamos, argumentalmente la sincronía entre todos los números es envidiable. Esto ya se notaba también en Aniquilación. Sobre todo porque todos los numeros especiales se publicaron junto a la serie madre en cuatro tomos. En esta ocasión, algunos numeros especiales y los tie-ins de Nova han quedado fuera de la serie principal para dejar sitio a personajes nuevos como El Fantasma, la nueva Quasar o Los Guardianes de la Galaxia. A pesar de esta separación física, empiece uno a leer por donde empiece, todo queda claro en cuanto se avanza un poco en la lectura. Punto a favor.

En cuanto a la historia en si. Mantiene el nivel tanto del crossover como de la propia serie de Nova. Bastante entretenida, uno no ha de esperar encontrarse con una espectacularidad narrativa fuera de lo comun. Se trata de un producto de ocio puro y duro (si fuese una película podríamos calificarla de palomitera) y los giros argumentales son de estos que no te sorprenden por inesperados, pero tampoco son de estos que te hacen revolverte en el asiendo y decir "se lo podrían haber currado un poquito más". La utilización de los personajes es muy acertada. El objetivo de poner en pie el lado cósmico de Marvel ha funcionado y los personajes ya conocidos aparecen donde deben y haciendo lo que se espera de ellos. Y los nuevos por otro lado entran en su momento para cumplir adecuadamente su papel.

En definitiva, un numero bastante correcto, que continúa en la línea de lo ya visto en las dos partes de Aniquilación y la propia serie de Nova y cuyo cruce con la segund parte de la space opera de Marvel se prolongará, al contrario de lo ya dicho en el análisis del número anterior, un mes más. Asi que aquellos que tengan curiosidad por ver como avanza la serie de Nova en solitario, sin Aniquilaciones ni Iniciativas, tendrán que esperar un poco más. De momento, vamos bien.

Nova: La Iniciativa

2009-02-09T22:48:00.013+01:00

Aniquilación ha terminado. Y después de la más cruenta guerra que haya conocido la galaxia, de todos los integrantes del Cuerpo Nova, solo Richard Rider permanece con vida. Él fué quién acabó con Annihilus, el instigador de la crisis en una de las más brutales escenas jamás vistas en un cómic Marvel.

Pero un único policía no puede vigilar el universo entero... ¿O tal vez si? Antes de contestar tal pregunta, Richard debe volver a casa para descubrir que todo ha cambiado. Porque Richard no sabe que una Guerra Civil tuvo lugar. Ignora que un desastre provocado por su añorado equipo de Nuevos Guerreros fue el origen de todo. Desconoce que su ex-novia murió en el incidente, pero que su mejor amigo sobrevivió para sumegirse en la oscuridad y la desesperación. Y, desde luego, poco sospecha que, bajo su condición de superhumano, debe registrarse como tal. ¿Cómo reaccionará ante todo eso alguien que posee el poder del Cuerpo Nova?

Mientras estuvo lejos, todo cambió. Él también, más allá de lo que ni siquiera se atreve a reconocer. Y ahora que quizás ya no pueda seguir llamando "hogar" a este planeta. Entonces, ¿donde está el verdadero hogar de Nova?

Hace poco, en nuestro país tuvo lugar el crossover anual de Marvel. Si anteriormente nos habíamos encontrado con Vengadores Desunidos o Dinastía de M y en la actualidad está dando comienzo la Invasión Secreta de lo que pudimos disfrutar en su momento fue de la famosa Civil War.

Lo habitual de este tipo de series es que engloben la absoluta totalidad de las cabeceras de la editorial. Sin embargo, entorno a esta Guerra Civil surgieron dos cruces de menor dimensión, pero de la misma importancia. El primero de ellos, que engancha nada más terminar la guerra es World War Hulk, donde el goliat esmeralda vuelve en busca de venganza. Sin embargo, mientras en la Tierra todos se daban de tortas, algo muchísimo más importante ocurría en el espacio. Una serie destinada a poner en su sitio a todos los personajes intergalácticos de la Casa de las Ideas: Aniquilación. Resulta interesante que mientras que los hechos narrados en esta serie tienen una mayor importancia, fuere la Guerra entre los heroes de la Tierra la que adquiriera una mayor importancia editorial. Pero una cosa estaba clara, tarde o temprano lo sucedido en ambas series tendría que conectar.

Y precisamente es lo que ocurre en estos tres primeros numeros de la serie USA de Nova (aqui recopilados en un solo comic-book de grapa). La historia en si no pasa del aprobado, del mero entretenimiento. Son sus implicaciones (que nadie se espere una obra de estas que los aficionados dan en nombrar como must have, tampoco es eso), las que le dan un mayor punto de interés a la cosa. Para empezar porque el personaje lleva mucho alejado del entorno en el que tuvo lugar la Guerra. Es por eso que al llegar se lo encuentra todo fuera de sitio. Pero es que para colmo el era un integrante conocido del grupo que provocó la crisis. Vale, ya tentemos a nuestro personaje marcado. Aun así, Stark, el hasta día de hoy el heroe más odiado/amado de la Marvel, lo unico que quiere es que se acoja a su queridísimo registro. Da igual que Nova sea uno de los responsables de que la Tierra siga con vida. Lo importante es La Iniciativa, y que todos los que puedan se acojan a ella.

El comic casi parece más un epilogo de Civil War que el inicio de la serie de Nova, cosa que es de esperar que se solucione en el siguiente numero, dedicado al cruce con Aniquilación: Conquista, secuela de la serie que devolvió a la vida editorial al personaje. Por otra parte, pese a que es entretenido, esto de un solo policia intergaláctico intentando reconstruir el Cuerpo al que pertenece... (¿he oido Green Lantern por ahí?)

En definitiva, un numero entretenido de leer, especialmente para aquellos que leyeran los dos crossovers ya que se trata del punto de inflexión de ambos. Ahora toca que la serie despegue por si sola sin depender de tanta serie madre. Aunque esto no ocurrirá en el siguiente numero, sino en el tercer tomo: Sapiencial.

Asombroso Spiderman nº 28

2009-02-09T14:06:00.011+01:00

En las últimas semanas, un montón de nuevos villanos han aparecido en escena, y Spiderman ha tenido que combatirlos a todos. A causa de ello, el trepamuros ha tenido poco tiempo para su vida privada como Peter Parker... Lo cual no tiene por qué ser necesariamente malo, ya que las cosas no le han ido demasiado bien en ese aspecto. Tras negarse a seguir las ordenes de Dexter Benett, el nuevo dueño del Daily Bugle, renombrado ahora como DB. Por ese motivo, Peter tiene ahora un montón de tiempo libre... ¡Y los bolsillos vacíos! Sl sobrino favorito de la Tía May debe encontrar cuanto antes un nuevo trabajo que le permita costearse el alquiler.

Por ese lado llegan nuevos problemas: su nuevo compañero de piso, el policía Vin Gonzales, se ha enterado de la precaria situación de Peter, algo que este había intentado ocultarle. Vin está preocupado por que Peter no sea capaz de pagarle su parte del alquiler. A su vez, este agente de la ley detesta profundamente a Spiderman, con quien se ha encontrado en varias ocasiones.

Entre los peores villanos a los que se haya enfrentado jamás el Amistoso Vecino se encuentra Kraven, el Cazador, quién lo capturó, lo enterró vivo y lo suplantó poco antes de quitarse la vida. Han pasado algunos años desde que aquella pesadilla ocurriera, pero su recuerdo perdura en la memoria del trepamuros como si hubiera ocurrido ayer.

Intentemos ponernos en antecedentes, que no va a ser facil. Después de más de 40 años es normal que los personajes pasen por etapas en las que los guionistas, uno detrás de otro tengan etapas en las que ponen patas arriba el status quo del mismo para que despues nada haya ocurrido. ¿Es lo que le ha pasado a Spiderman? Veamos.

Para analizar la situación hay que remontarse varios años atrás, con la llegada de J.M. Straczynski a los guiones de Amazing Spiderman, la cabecera madre del trepamuros. Durante todo este tiempo nos ha contado una gran etapa. Con argumentos buenos, con argumentos malos, pero argumentos al fin y al cabo que no han dejado indiferentes a nadie. Sobre todo al pobre Spiderman. La aparición de Morlun, un nuevo villano cuyo unico objetivo es acabar con Parker y que es invencible. El 500 aniversario de la serie, con Peter reviviendo absolutamente todos los momentos tragicos de su historia. El cruce con Vengadores Desunidos donde ganaba unos lanzarredes organicos. Sus nuevos poderes en el crossover de El Otro supuesto cambio revolucionario. Llegados a este punto, el que les escribe, pese a haber disfrutado enormemente de la serie llegados a este punto dejó su lectura. En parte por la decepción del cacareado crossover (que ni tan siquiera llegué a leer entero) y en parte por el caotico baile del resto de cabeceras que acompañan a Amazing (que si Spectacular, que si Peter Parker, que si Unlimited, que si Marvel Knights que si Amistoso Vecino...). Aún así le quedaban algunos cambios gordos al personaje como su desenmascaramiento en Civil War y el famoso One More Day.

Después de poner patas arriba todos y cada uno de los conceptos del personaje, disparan a la Tia May. Y solo Mefisto puede salvarla, aunque para ello pide que el matrimonio de Peter y Mary Jane desaparezca de la conciencia colectiva. En este momento la serie vuelve a captar mi atención, pero desde una distancia prudencial. ¿De que va esto? Vale que la parejita no recuerde que hubo un tiempo que estuvieron casados (incluso que tuvieron y perdieron una hija) pero... ¿que es lo que va a ocurrir exactamente despues con Un nuevo día? Por el momento me resisto a comprar la serie. Sin embargo, la vuelta de John Romita Jr. a la colección, aquel dibujante que llevó los lápices durante tanto tiempo en una etapa que pese a sus fallos (muchos y graves) sigo disfrutando cada vez que leo, ha propiciado que vuelva a caer. En pleno Un nuevo día. Y aquí es donde mi desconcierto se ve claramente confirmado. Efectivamente, Peter ya no esta con M.J., la tía May sigue viva, volvemos a ver a un Parker compartiendo piso con alguien que odia profundamente a Spiderman (como en sus inicios), el Bugle, perdón, el DB lo calumnia y... ¿¿¿Harry Osborn está vivo???

¿Qué tiene esto que ver con borrar "unicamente" el matrimonio de los Parker? Pero la cosa no acaba ahí, nadie sabe cual es la identidad del trepamuros (cagada de Civil War al garete pero es que incluso los nuevos poderes, incluidos lanzarredes organicos tampoco asoman por ningun sitio (anda que curioso, también deshacemos lo de El Otro y Vengadores Desunidos). Asi que de entrada, esta nueva serie lo unico que me transmite como lector es confusión. Por lo que por desgracia (especialmente para mi bolsillo) se me antoja necesario la lectura de la misma desde El Otro, nº 1 de este volumen publicado por Panini, hasta el momento actual, a ver si así la serie al menos cobra un poco de sentido y me entero del porqué de las cosas. Es o eso, o dejar de leerla, cosa que todavía no descarto viendo la calidad de la serie.

Y precisamente, ya situados en nuestro confuso lugar, podemos analizar en materia el número que nos ocupa. Con el nacimiento de la saga Un nuevo día el desastroso planning de cabeceras arácnidas se convierte en algo totalmente revolucionario. En lugar de tener tres colecciones mensuales dedicadas a la araña, Amazing Spiderman pasa a publicarse tres veces al mes. Así que en este volumen nos encontramos con los números del 565 al 567 con un arco argumental completo llamado "La Primera Cacería de Kraven". La historia resulta entretenida incluso se agradece que no hayan resucitado a Kraven (que hubiera sido lo facil, viendo todas las caras viejas que estan apareciendo ultimamente por la serie) y los lápices de Phil Jimenez son bastante acertados. Sin embargo, toda la serie apesta con un tufillo a "esto ya lo he leido antes, concretamente en mi adolescencia" tremendo. Si le unimos a todo esto la confusión de no haber leido nada de todo lo que ha pasado en últimos numeros, el tebeo pierde un poco.

En definitiva, la serie está entretenida, pero resulta muy confusa para alguien que se acabe de incorporar y conozca bien al personaje. El mes que viene vuelve Romita Jr. por lo que puede resultar algo interesante al menos, puede que sean estos dos numeros que han de llegar los que decidan si abandono de nuevo o por el contrario me decido a enterarme de lo que ha pasado hasta ahora.

4 Botas

2009-01-23T01:54:00.004+01:00

Magnífico thriller que unido a la época en que se desarrolla la ambientación: los cincuenta, nos acerca con precisión casi histórica al desarrollo de un tiempo en que se pusierón los principales cimientos de las sociedades modernas actuales con sus vicios y virtudes.

Un producto extraño. Al menos para aquellos que solo lean aquellas obras que más abundan en el mercado. Los archiconocidos cómics de superhéroes o aventuras fantásticas.

Curiosamente, todo aquello que homenajea este álbum y que pueda hacer sentir confuso al lector, son precisamente los géneros literarios más populares de los años 50. La novela policíaca, el western o la ciencia-ficción. Para leer 4 Botas hay que pensar. No se trata de una de esas obras que para que cobre sentido hay que leerlas "a la pata coja, mientras sujetamos una paloma y guiñamos el ojo izquierdo" como gustamos de decir algunos detractores de aquellas obras de arte cuyo sentido únicamente entiende su autor. No, para leer esta historia se pide un mínimo esfuerzo por parte del lector, pero se trata de un esfuerzo justo.

Es recomendable hacercarse a esta historieta conociendo algo sobre su autor. De esta manera será más fácil conectar con él. Keko es un enamorado de los años 50 y 60, y posee un estilo amigo de lo onírico (fruto de esto es el hecho de que, por poner un ejemplo, nos encontremos con dos páginas de publicidad ficticia a modo de interludio). 4 Botas es un thriller, una investigación policial. Sin embargo, para descubrir la verdad se entremezclan dos mundos. El real, en un riguroso blanco y negro. Y todo lo que pasa por la cabeza del acusado, siempre marcado por esa estética de los generos de los 50 y salpicada de notas rojas de color.

Tal vez todo lo ocurrido sea la imaginación del protagonista, o tal vez no. No desvelemos los acontecimientos puesto que al final, como en las buenas historias, quedará en las manos del lector el sacar una u otra conclusión. Tan solo hay que hacer un pequeño esfuerzo por comprender la gran simbología que sobrecarga la mente del personaje protagonista. Por lo demás, el argumento es simple. Avanza de niguna parte a ningun sitio. Tan solo se trata de una recopilación de acciones llevadas a cabo a lo largo de un día. Es el cómo están contadas lo que hace interesante este libro.

En definitiva, una obra entretenida siempre y cuando el lector sea capaz de hacerse complice de Keko al entender esa mezcla entre tradición y modernidad; su pequeño homenaje a los generos más populares de una década donde las novelas pulp llenaban los kioskos y eran el medio de evasión para la mayoría de habitantes de las grandes ciudades.